11.1. Особенности художественной культуры. Культурология: Учебник для вузов

11.1. Особенности художественной культуры

Обычно понятие «художественная культура» отождествляется с искусством. И это не случайно: искусство – центральный и системообразующий элемент художественной культуры. Искусство обладает огромной культурогенной способностью, создавая целый ряд связанных с ним форм деятельности – художественное творчество, художественное восприятие, художественную критику и т. д., образуя вокруг себя «культурное поле» [1, с. 191, 219].

В научной литературе нет единого мнения в определении составляющих художественную культуру элементов. Но при всем различии воззрений все авторы в художественную культуру включают три основных элемента, обеспечивающих ее функционирование: производство, распространение и потребление (восприятие, освоение) художественных ценностей – произведений искусства.

Взаимодействие этих элементов художественной культуры носит конкретно-исторический характер, определяется особенностями развития общества и многими другими причинами. От соотношения и взаимодействия составных элементов художественной культуры зависят возможность формирования творческой личности; востребованность (или невостребованность) произведения, созданного творцом; соответствие системы художественного производства, распределения, потребления художественных ценностей назначению искусства.

Художественная культура складывается исторически по мере развития общества и расширения сферы художественной деятельности и, оставаясь открытой системой, вбирает в себя новые формы и виды творчества.

Художественно-творческая деятельность, в результате которой создаются произведения искусства, появилась в глубокой древности. Все остальные элементы художественной культуры возникали постепенно на разных этапах развития человечества. Появление их было обусловлено многими причинами: развитием общества и его потребностей, развитием самого искусства, возникновением в нем новых видов и форм, необходимостью создания условий для творческой деятельности, собирания и хранения произведений искусства, расширением возможностей для потребления художественных ценностей, необходимостью осмысления и изучения искусства и т. д.

Таким образом, художественная культура стала представлять совокупность процессов и явлений духовно-практической деятельности по созданию, распространению, освоению произведений искусства или материальных предметов, обладающих эстетической ценностью. Каждый из составляющих ее элементов связан с искусством.

Так, для создания произведений искусства – художественных ценностей недостаточно только таланта художника, нужны еще условия, при которых талант и способность к творчеству могут реализоваться: это профессиональная подготовка мастера, предполагающая определенную организацию специального художественного образования; создание условий, при которых обладающий способностью к художественному творчеству человек мог бы обеспечить своей деятельностью свое существование, т. е. создание системы приобретения художественных произведений, оплаты труда художника и т. д.

Искусство создается для людей – читателей, слушателей, зрителей. Значит, необходимо издавать, репродуцировать, исполнять, экспонировать художественные произведения. А это, в свою очередь, приводит к появлению разных форм культурной деятельности: книгопечатанию, издательской деятельности, организации выставок, салонов, концертов, постановке спектаклей и т. д. Вначале эта деятельность была достаточно хаотична, но со временем обретала определенные формы. Появляются специальные выставочные помещения и музеи, концертные залы и театры, библиотеки и другие культурно-просветительные учреждения. Совокупность таких учреждений образует фундамент художественной культуры. Художественные музеи – это просветительские, научно-исследовательские учреждения, где хранятся, изучаются, экспонируются и пропагандируются произведения искусства. Библиотеки – собирают, хранят, изучают, распространяют, пропагандируют книги. Письменная культура с момента появления книгопечатания стала средоточием накопленной человечеством информации. Именно поэтому библиотеки – важнейший фактор культуры, а их состояние, по определению Д. С. Лихачева, – символ состояния нации.

Вполне естественно, что как организация, так и функционирование всех этих учреждений зависят от политического устройства общества, социально-экономических отношений, которые сложились и господствуют в нем. Художественная культура во многом зависит от культурной политики государства, от личной культуры власть имущих.

История развития художественной культуры изобилует коллизиями, когда творцы, пытающиеся сохранить свою творческую индивидуальность, создавать произведения, соответствующие их миропониманию, приходят в противоречие с требованиями, предъявляемыми государством. Заказчики, обладающие возможностью приобретения художественных произведений, будь то государство или индивид, считают себя вправе определять художественную ценность искусства, а художник часто вынужден считаться с их взглядами и вкусами, поскольку иных способов реализации своих произведений он не имеет. Меценатов, доверяющих чутью и таланту творца и по достоинству оценивающих его творчество, по свидетельству истории, немного. Использование искусства как пропагандистского средства для утверждения и упрочения определенных господствующих в обществе идеологических воззрений приводит к искажению гуманистической сущности искусства, сужению его общекультурного значения. В итоге человечество много теряет из-за невозможности художника полностью реализовать свой творческий потенциал, выразить свое видение мира.

Важным элементом художественной культуры является потребление, восприятие художественных ценностей. Это особый вид творческой деятельности, состоящий в восприятии произведения искусства как художественной ценности, сопровождающийся эстетическим переживанием. Отношение к искусству не возникает стихийно. Оно складывается в зависимости от среды, в которой формируется человек, от образования, эстетического вкуса, жизненного опыта, ценностных ориентации.

Особенно важны первые сведения, которые человек получает об искусстве. В зависимости от того, какое отношение к искусству он встретит в начале своего жизненного пути – уважение и любовь или пренебрежение, во многом зависит будущее отношение к искусству: появится устойчивая потребность в нем или сложится интерес только к его развлекательной функции. Первая информация всегда создает определенную установку, на которую, как на фон, накладываются все последующие представления. Данное обстоятельство обусловливает огромное значение организации системы художественного и эстетического воспитания, что должно стать одним из направлений культурной политики государства.

Приобщение к искусству формирует уважительное отношение к нему, понимание его непреходящей ценности, осознание его особенностей, своеобразия каждого его вида.

В процессе развития искусства возникает потребность в глубоком осмыслении этого уникального феномена, что и приводит к появлению науки об искусстве – искусствознания.

Искусствознание – совокупность наук, исследующих искусство. Оно изучает происхождение искусства, его социальную и эстетическую сущность, закономерности его развития, природу художественного творчества, функции искусства, его место и роль в духовной и общественной жизни.

Искусствознание представляет собой общую теорию искусства как особой формы художественно-творческой деятельности. Но наряду с ним существуют науки, изучающие конкретные виды искусства: литературоведение, искусствоведение, музыковедение, театроведение, киноведение и др. Каждая из этих наук имеет свой предмет исследования, обладает самостоятельностью, но входит в общую систему наук об искусстве как об объекте.

И искусствознание в целом, и частные науки об искусстве включают в себя три дисциплины: теорию искусства, историю искусства и художественную критику.

Науки о конкретных видах искусства влияют друг на друга. Каждая из них опирается на опыт других искусств и различные области искусствознания.

Так, исследуя творчество Ф.М. Достоевского, крупнейший литературовед и культуролог М.М. Бахтин использует категории и понятия музыкознания. В анализе поэтики Достоевского он применяет термины «полифония», «многоголосие» и др. [2].

А выдающийся кинорежиссер и теоретик кино СМ. Эйзенштейн для исследования поэзии А.С. Пушкина обращается к понятию «киномонтаж», а для характеристики творчества кинорежиссера прибегает к музыкальному понятию «контрапункт».

Очевидно, что при всем различии конкретных видов искусства они обладают общей природой и каждое конкретное искусство может представлять всю сферу художественного творчества, так как каждый вид искусства не только специфичен, но и несет в себе универсальные характеристики всего искусства в целом [3, с. 12–13].

Соответственно и науки, их изучающие, раскрывают не только особенности данного вида искусства, но и искусства в целом. Теория одного вида искусства исследует одновременно и более общие закономерности искусства. Однако они не заменяют одна другую, а дополняют, изучая не только «особенное», но и «общее» в искусстве.

В то же время необходимо отметить, что искусствознание как общая теория искусства не может быть сведено к сумме наук о конкретных видах искусства. Его содержание значительно глубже и шире.

В настоящее время идет глубокое исследование искусствознания как общей теории искусства. При всем том, что изучение искусства началось очень давно, некоторые ученые вполне обоснованно полагают, что теория искусства еще не сформировалась и наука находится только на подступах к ее созданию [3].

Особое место в структуре искусствознания занимает художественная критика. Критика (от греч. kritike – разбирать, судить) – это вид литературного творчества, состоящий в истолковании, объяснении и оценке художественных произведений. Определение художественной критики дал А.С. Пушкин. «Критика – наука открывать красоты и недостатки в произведениях искусства и литературы. Она основана: 1) на совершенном знании правил, коими руководствуется художник или писатель в своих произведениях, 2) на глубоком изучении образцов и на деятельном наблюдении современных замечательных явлений» [4, с. 175].

Исследуя и оценивая художественные произведения, критика входит составной частью в искусствознание и сферу наук о конкретных видах искусства. В то же время она сама является частью художественного процесса.

Художественная критика активно влияет как на творцов, так и на потребителей искусства. Тех и других, хотя и по-разному, она ориентирует в художественном процессе, помогая определить место каждого нового художественного произведения в нем, тенденции развития искусства, ценностные ориентации. Опираясь на теоретические основы философии и эстетики, художественная критика обладает возможностью глубокого осмысления не только искусства, но и самой жизни и происходящих в ней процессов.

Роль художественной критики в разных обществах, в разные исторические периоды неодинакова. В нашей стране, где искусство оказывалось почти единственной формой общественного сознания, в которой хоть в какой-то мере могли проявляться самостоятельная мысль, неофициальные воззрения, отличающиеся от устанавливаемых и навязываемых взглядов, художественная критика становилась общественной трибуной.

В середине XIX века литературная критика стала главным выразителем демократических идей общества. В статьях В.Г. Белинского, А.И. Герцена, Н.Г. Чернышевского, Н.А. Добролюбова, Д.И. Писарева не только глубоко анализировалось творчество А.С. Пушкина, Н.В. Гоголя, Н.А. Островского, ИА. Гончарова и других писателей, но и осмысливались общественные процессы. Через взгляд на литературу литературные критики оценивали и рассматривали саму жизнь и предлагали возможные с их точки зрения пути решения социальных конфликтов.

Такой же была литературно-художественная критика в советское время. Лучшие ее представители, такие, как И.А. Дедков, В.Я. Лакшин и некоторые другие, становились выразителями прогрессивных идей своего времени.

Сейчас, когда можно писать обо всем и оценивать художественные произведения с разных точек зрения, когда голоса критиков, ставящих проблемы общественного значения, почти не слышны, заговорили об отсутствии художественной критики и даже о ненужности ее. С этим нельзя согласиться.

Литературно-художественная критика существует. Есть яркие, мыслящие критики, оценивающие искусство нелицеприятно, дающие объективный анализ литературно-художественного процесса. В условиях, когда нарастает поток низкопробных произведений, когда Интернет захлебывается от писаний графоманов и все это вместе снижает художественный и нравственный уровень культуры и приучает людей к такому искусству, задача художественной критики – сохранить критерии оценки художественных произведений, сформированные и апробированные всей историей мировой художественной культуры, и тем самым остановить процесс девальвации искусства, вновь обрести общественное звучание.

Процесс художественного творчества протекает в обществе, и на него влияют, а во многом и определяют его те взгляды, воззрения, представления, которые сложились в данном обществе. Жить в обществе и быть свободным от общества – нельзя. Но общество, а тем более государство пытается руководить творчеством, влиять на творческий процесс. Во многих государствах эту задачу выполняют министерства или комитеты культуры, существующие при правительстве. Они определяют культурную политику, делают государственные заказы и тем самым направляют творчество художников в нужное для данного государства русло. Они же организуют системы специальных учебных заведений, готовящих художников, музыкантов, артистов.

Часто сами деятели искусств образуют объединения с целью творческого общения и решения некоторых важных для данного искусства задач: популяризации творчества, организации выставок, заказов, издания произведений и т. д. Как правило, объединение происходит на основе общности творческих принципов.

Так, в XIX веке в России композиторы входили в творческое содружество «Могучая кучка», художники образовали «Товарищество передвижных выставок», которое продолжало свою деятельность и в XX веке. Артисты создали «Русское театральное общество» с целью содействовать развитию театрального дела.

После революции 1917 года у нас в стране существовало много разнообразных творческих объединений писателей, художников и др.

В 30-е годы все они были ликвидированы и созданы творческие союзы, объединившие деятелей искусства по видам искусства: союзы писателей, композиторов, художников и т. д. Их целью было организационное и идеологическое руководство искусством.

С распадом СССР творческие союзы утратили свое идеологическое содержание, но и лишились государственной поддержки. Сейчас они осуществляют задачу организационно-творческого единения деятелей искусства, что особенно важно для художников, писателей, композиторов и др., творчество которых носит индивидуальный характер.

Как видим, структура художественной культуры сложна и включает в себя много разнородных элементов. Но все они существуют в тесной взаимосвязи друг с другом и вместе образуют определенную целостность.

Итак, художественная культура включает в себя: производство художественных ценностей; сами художественные ценности – произведения искусства; их распространение, воспроизведение, репродуцирование; потребление; искусствознание и науки о конкретных видах искусства; художественную критику; художественное образование; институты и организации, обеспечивающие существование и хранение художественных ценностей – музеи, выставочные залы, картинные галереи, театры, кино, библиотеки и др.; творческие объединения и организации.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

1 Художественная культура и искусство » СтудИзба

Лекция 1.     Художественная культура и искусство. Функции искусства

1.       Специфика художественной культуры, ее особенности.  Искусство как феномен культуры.

2.       Природа и сущность искусства.

3.       Функции искусства. Роль искусства в жизни человека, развитии человеческого общества и преобразование окружающей действительности.

Литература:

Борзова, Е.П. История мировой культуры / Е.П. Борзова. – СПб.: Изд-во «Лань», М.: ООО Изд-во «Омега – Л», 2005. – С. 28 – 55.

Губарева, М.В. 100 великих шедевров изобразительного искусства / М.В. Губарева, А.Ю. Низовский. – М.: Вече, 2006. – 480 с.

Дмитриева, Н.А. Краткая история искусства / Н.А. Дмитриева. – М., 1986. – С. 5 – 118.

Елинек, Я. Большой иллюстрированный атлас первобытного человека. – Прага: Артия, 1983. – 559 с.

Культурология: история мировой культуры / Под ред. Т.Ф. Кузнецовой. – М.: «Академия», 2003. – С. 33 – 79.

Мировая художественная культура: в 2 т./ Под ред. Б.А. Эренгросс. – М.: Высш. шк., 2005. – Т. 1. –  С. 85 – 153.

Тайлор, Э.Б. Первобытная культура / Э. Б. Тайлор. – М.: Политиздат, 1989. – 572 с.

Художественная культура занимает особое место как в системе культуры в целом, так и в духовной культуре. По уровню ее разви­тия, по характеру созданных произведений судят об эпохе. Антич­ность, Средневековье, Возрождение и другие исторические перио­ды узнают главным образом по художественной культуре, создан­ной в это время. Часто именами творцов обозначают время, в ко­торое они жили: «эпоха Шекспира», «век Пушкина», хотя каждый из них прожил исторически короткий срок – одну человеческую жизнь.

Происходит это потому, что в художественной культуре прояв­ляются самые существенные черты духовной жизни общества, по­тому что она активно воздействует на все другие формы общест­венной и духовной жизни – на мораль, религию, науку, политику и т. д., испытывая, в свою очередь, их влияние, взаимодействуя с ними. В различные исторические эпохи ведущими, определяющи­ми лицо эпохи, оказывались то одни, то другие формы обществен­ного сознания. Так, доминантой средневековой культуры Европы было христианство, что в значительной степени определило свое­образие искусства этого времени. Особенности культуры XX века формировались под влиянием нового видения мира, открытого наукой. Очень важной для развития всей культуры, и художествен­ной в том числе, оказалась философия.

Теснейшим образом художественная культура связана с мора­лью, вбирая в себя определенные нравственные ценности и утвер­ждая их с только ей присущей активностью.  Художественная культура непосредственно воздействует на человека, постоянно находится в контакте с ним, независимо от того, осознает он это или нет, приобщается к ней сознательно или, как ему кажется, без­различен к ней.

Художественная культура активно участвует в формировании духовного мира личности. Именно поэтому так важно понять свое­образие художественной культуры, особенности ее проявления, ее роль в развитии общества и место в современной жизни.

Особенности художественной культуры

Обычно понятие «художественная культура» отождествляется с искусством. И это не случайно: искусство – центральный и системообразующий элемент художественной культуры. Оно облада­ет огромной культурогенной способностью, создавая целый ряд связанных с ним форм деятельности – художественное творчест­во, художественное восприятие, художественная критика и т.д., образуя вокруг себя «культурное поле».

В научной литературе нет единого мнения в определении со­ставляющих художественную культуру элементов. Но при всем различии воззрений все авторы включают в художественную куль­туру три основных элемента, обеспечивающих ее функционирова­ние: производство, распределение и потребление (восприятие, ос­воение) художественных ценностей — произведений искусства.

От соот­ношения и взаимодействия составных элементов художественной культуры зависит возможность формирования творческой лично­сти, востребованность (или невостребованность) произведения, созданного творцом, соответствие системы художественного про­изводства, распределения, потребления художественных ценно­стей назначению искусства.

Художественная культура складывается исторически по мере развития общества и расширения сферы художественной деятель­ности и, оставаясь открытой системой, вбирает в себя новые фор­мы и виды творчества.

Художественно-творческая деятельность, в результате которой создаются произведения искусства, появилась в глубокой древно­сти. Все остальные элементы художественной культуры возникали постепенно, на разных этапах развития человечества. Появление их было обусловлено многими причинами: развитием общества и его потребностями, развитием самого искусства, возникновением в нем новых видов и форм, необходимостью создания условий для творческой деятельности, собиранием и хранением произведе­ний искусства, расширением возможностей для потребления художественных ценностей, необходимостью осмысления и изучения искусства и т. д.

Таким образом, художественная культура стала представлять собой совокупность процессов и явлений духовно-практической деятельности по созданию, распространению, освоению произве­дений искусства или материальных предметов, обладающих эсте­тической ценностью.

Каждый из составляющих ее элементов связан с искусством.

Так, для создания произведений искусства – художественных ценностей недостаточно только таланта художника, нужны еще условия, при которых его талант и потребность в творчестве могут реализоваться. Это профессиональная подготовка мастера, предполагающая определенную организацию специального художест­венного образования; создание условий, при которых обладаю­щий способностью к художественному творчеству человек мог бы обеспечить своим творчеством свое существование, то есть систе­ма приобретения художественных произведений, оплаты труда ху­дожника и др.

Искусство создается для людей – читателей, слушателей, зри­телей.

Значит, необходимо издавать, репродуцировать, исполнять, экспонировать художественные произведения. А это, в свою оче­редь, приводит к развитию разных форм культурной деятельности: книгопечатанию, издательской деятельности, организации выставок и салонов, постановке спектаклей и концертов и т. д. Вначале эта деятельность была достаточно хаотичной, но со временем она обрела определенные формы. Появляются специальные выста­вочные помещения и музеи, концертные залы и театры, библиоте­ки и другие культурно-просветительные учреждения. Совокуп­ность таких учреждений образует фундамент художественной культуры.

Художественные музеи – это просветительные, науч­но-исследовательские учреждения, где хранятся, изучаются, экс­понируются и пропагандируются произведения искусства. Библи­отеки — собирают, хранят, изучают, распространяют, пропаган­дируют книги. Письменная культура с момента появления книго­печатания стала средоточием накопленной человечеством инфор­мации.

Художественная культура во многом определяется культурной политикой государства.

Важным элементом художественной культуры является по­требление, восприятие художественных ценностей. Это особый вид творческой деятельности, состоящий в восприятии произве­дения искусства как художественной ценности, сопровождаю­щийся эстетическим переживанием. Отношение к искусству не возникает стихийно. Оно складывается в зависимости от среды, в которой формируется человек, от образования, эстетического вку­са, жизненного опыта, ценностных ориентации. Особенно важны первые сведения, которые человек получает об искусстве. В зависимости оттого, какое отношение к искусству он встретит в начале своего жизненного пути – уважение и лю­бовь или пренебрежение, как к чему-то пустячному и необязатель­ному для жизни, – во многом зависит будущее отношение к искус­ству: появится устойчивая потребность в нем или сложится инте­рес только к его развлекательной функции. Первая информация всегда создает определенную установку, на которую, как на фон, накладываются все последующие представления. Данное обстоя­тельство обусловливает огромное значение организации системы художественного и эстетического воспитания, что должно стать одним из направлений культурной политики государства.

Приобщение к искусству формирует уважительное отношение к нему, понимание его непреходящей ценности, осознание его особенностей, своеобразия каждого его вида.

В процессе развития искусства возникает потребность в глубо­ком осмыслении этого уникального феномена, что и приводит к появлению науки об искусстве – искусствознания.

Искусствознание — совокупность наук, исследующих искусст­во. Оно изучает происхождение искусства, его социальную и эсте­тическую сущность, закономерности его развития, природу худо­жественного творчества, функции искусства, его место и роль в ду­ховной и общественной жизни.

Искусствознание представляет собой общую теорию искусства как особой формы художественно-творческой деятельности. Но наряду с ним существуют теории, изучающие конкретные виды искусства: литературоведение, искусствоведение, музыковедение, театроведение, киноведение и др. Каждая из этих частных наук имеет свой объект исследования, обладает самостоятельностью, но входит в общую систему наук об искусстве.

Очевидно, что при всем различии конкретных видов искусства они обладают общей природой и каждое конкретное искусство может представлять всю сферу художественного творчества, так как каждый вид искусства не только специфичен, но и несет в себе универсальные характеристики всего искусства в целом.

Художественно-творческая деятельность протекает в общест­ве. Творческий процесс реализуется в двух формах – индивидуаль­ной и коллективной. На творческий процесс влияют, а во многом и определяют его те взгляды, воззрения, представления, которые сложились в обществе. Жить в обществе и быть свободным от об­щества – нельзя. Но общество, а тем более государство, пытается руководить творчеством, влиять на творческий процесс. Во мно­гих государствах эту задачу выполняют министерства или комитеты культуры, существующие при правительстве. Они определяют культурную политику, делают государственные заказы и тем са­мым направляют творчество художников в нужное для данного го­сударства русло. Они же организуют системы специальных учеб­ных заведений, готовящих художников, музыкантов, артистов.

Часто сами деятели искусств образуют объединения с целью творческого общения и решения некоторых важных для данного искусства задач: популяризации творчества, организации выста­вок, заказов, издания произведений и т. д. Как правило, объедине­ние происходит на основе общности творческих принципов.

Так, в XIX в. в России композиторы входили в творческое со­дружество «Могучая кучка», художники образовали «Товарищество передвижных выставок», которое продолжало свою деятельность и в XX веке. Артисты создали «Русское театральное общество» с це­лью содействовать развитию театрального дела.

После революции 1917 г. у нас в стране существовало много разнообразных творческих объединений писателей, художни­ков и др.

В 30-е годы все они были ликвидированы и созданы творче­ские союзы, объединившие деятелей искусства по видам искусст­ва: союзы писателей, композиторов, художников и т. д. Их целью было организационное и идеологическое руководство культурой.

С распадом СССР творческие союзы не только утратили свое идеологическое содержание, но и лишились государственной под­держки. Сейчас они осуществляют задачу организационно-твор­ческого единения деятелей искусства, что особенно важно для ху­дожников, писателей, композиторов и др., творчество которых но­сит индивидуальный характер.

Как мы видим, структура художественной культуры сложна и включает в себя много разнородных элементов. Но все они суще­ствуют в тесной взаимосвязи друг с другом и вместе образуют оп­ределенную целостность.

Итак, художественная культура включает в себя производство художественных ценностей, сами художественные ценности – произведения искусства, их распространение, воспроизведение, репродуцирование, потребление, искусствознание и науки о кон­кретных видах искусства, художественную критику, художествен­ное образование, институты и организации, обеспечивающие су­ществование и хранение художественных ценностей,— музеи, вы­ставочные залы, картинные галереи, театры, кино, библиотеки и др., творческие объединения и организации.

Природа и сущность искусства

Искусство – одно из самых удивительных созданий человече­ства. Изображая на полотне одного человека, создавая пейзаж, на­тюрморт, описывая в романе какой-то период жизни, судьбы лю­дей, а в рассказе – только случай или эпизод, сочиняя музыкаль­ное произведение, возводя здание, творец говорит о своем време­ни, об эпохе и о себе – художнике, создавшем все это.

Такой способностью к обобщению обладает только филосо­фия. Но если философия выражает открывшуюся ей сущность яв­лений в обобщенно-абстрактной форме, лишенной жизненных красок, то искусство, давая обобщенное отражение действитель­ности, сохраняет ощущение всей полноты жизни. Искусство отра­жает действительность как некую жизненную целостность. Также целостно оно воздействует на человека, захватывая од­новременно и его ум, и его сердце. Такой способностью целостно­го отражения мира и целостного воздействия на человека не обла­дает никакое другое его творение.

Глубина постижения действительности в художественном про­изведении зависит от художника – его таланта, профессиональ­ного мастерства, от его взглядов, одним словом, от своеобразия личности творца.

Искусство отражает действительность. А так как действитель­ность сложна и постоянно развивается, то и искусство, отражаю­щее ее, сложно.       Сложность объекта отражения определяет слож­ность искусства. Она проявляется в том, что искусство существует во многих видах: художественная литература, архитектура, музы­ка, изобразительные искусства и синтетические: театр, кино. Каж­дый из видов искусства включает в себя несколько жанров. Оста­ваясь одним и тем же, оно меняется во времени.

Так, например, древнегреческий театр скорее напоминал ны­нешний стадион, где собирались сотни зрителей. Представление начиналось на рассвете и продолжалось до позднего вечера. Звук трубы возвещал о начале каждой новой пьесы. Если она не нрави­лась, бурная реакция зрителей могла прервать ее действие и выну­дить актеров перейти к другой. Играли актеры в масках, без кото­рых они были бы плохо видны далеко сидящим. Маски закрывали не только лицо, но и голову. Большие размеры (больше головы) маски позволяли создавать укрупненные, обобщенные образы – трагические, выражающие страдание, или комические, карика­турные. Мимика актеру не была нужна. Но к голосу, дикции предъявлялись особые требования. Ведь играли одни и те же акте­ры с утра и до вечера множество самых разных ролей, в том числе мужчины-актеры играли и женские роли. Артисты должны бы­ли не только произносить текст, но и петь и танцевать и достигали во всех этих видах театрального искусства большого совершенства. Таким был античный театр.

Театр эпохи классицизма совершенно иной. Отказ от воспро­изведения реальной жизни, стремление к идеализации действи­тельности и облагораживанию ее породило и своеобразие формы. Герои Корнеля и Расина – крупнейших драматургов этого перио­да – переживали особые возвышенные чувства, совершали зна­чительные поступки, изъяснялись изысканно и торжественно. И это тоже театр. И в это же время во Франции возникает еще один, совсем особый театр. Это театр высокой комедии, театр Мольера. Здесь жизнь показана в ее естественном течении, драматургия ни на пядь не отступает от действительности. На подмостках театра Мольера вереницей пройдут люди, оказавшиеся в разнообразных узнаваемых жизненных ситуациях. Здесь будут обманутые мужья и верные жены, истинное благородство и эгоизм; здесь прозвучат злые насмешки над семейным деспотизмом и ханжеством, над пу­стотой аристократов и их показным благородством, над искусст­венной речью и вычурными манерами.

Речь мольеровских героев будет естественна, характеры их жизненны, а ситуации, в которых они оказываются, достоверны. И это тоже театр.

В каждой стране театральное искусство имеет какие-то свои особенности. И в одно и то же время театр французский, англий­ский, русский и т. д. будут обладать всеми признаками этого вида искусства, будут своеобразными, непохожими друг на друга.

         Представим себе традиционный японский театр Кабуки или театр Но (китайский театр). Они настолько не похожи на привычные для европейцев теат­ральные формы, что без некоторой подготовки просто непонятно, что происходит на сцене, даже если известно, о чем пьеса.

В театре Кабуки сложная своеобразная драматургия. Пьеса включает драматическую основу, музыку, танцы, пантомиму (игру без слов), балет. В каждой пьесе обязательно есть два типа персо­нажей: один представляет мощь, силу, величие, независимо отто­го проявляется оно в добре или зле. Такой персонаж называется «арагото». Другой тип – «вагото» – мягкость, покладистость. Действие происходит на трех сценических площадках: сцена, авансцена и цветочная тропа: невысокий помост, проходящий че­рез зрительный зал (ханамити).

Свои особенности имеет и игра актеров. Речь, действие, дви­жение на сцене иные, чем в жизни. Главное в игре актера – пре­дельная выразительность. Для этого одну и ту же реплику могут произносить несколько актеров, она может быть расчленена на со­ставные части, и каждую часть ее произносят разные исполнители, а заканчивают все вместе и т.д. Игра актера находится на грани то­го, что «совсем как в жизни» и «в жизни так не бывает».

Но в одной и той же стране, в одно и то же время существует много разных театров. У каждого из них свои особенности, свой почерк, своя манера исполнения, и хотя они иногда ставят одни и те же пьесы, но создают совершенно разные спектакли.

То же самое можно заметить в каждом виде искусства. Живо­пись – это и наскальные росписи 20-25-вековой давности, и иконопись. Живопись эпохи Возрождения, голландская живопись XVII в., живопись передвижников и художников-авангарди­стов – все это живопись, один из видов изобразительного искус­ства, но как различаются произведения живописи разных эпох!

И в наше время существует много разных живописцев, и каж­дый из них по-своему интересен.

«Каждый из них – это цельный мир, цельное восприятие ми­ра, – говорил о художниках М.С. Сарьян, – это цвет, свет, тень, перспектива, музыка, через которые видит художник мир. Но на что был бы похож мир, если бы на земном шаре возник лишь один тип цивилизации и один тип живописи. Искусство любит много­образие как с исторической, так и с национальной точки зрения»

Искусство очень сложно. Оно сложно по своей структуре, по своему многообразию, оно меняется от вида к виду, от жанра к жанру, от одного художника к другому. И хотя люди, создающие художественные произведения, делают все, чтобы их замысел до­шел до зрителей, читателей, слушателей, понять его, раскрыть для себя — чрезвычайно непросто. Этому надо учиться. И нау­читься этому можно, лишь обращаясь к искусству.

Когда мы говорим о сложности искусства, важно учитывать и еще одну особенность: восприятие художественного произведе­ния зависит не только от него самого, но и от нас. От того, научи­лись ли мы воспринимать искусство, понимать его язык, его осо­бенность, природу, присущую ему условность, зависит многое: поймем ли мы, откроем ли для себя его содержание, получим ли все то неповторимое богатство, которое в нем заключено, или нет. Неприятие какого-то художественного произведения обусловлено многими причинами: неподготовленностью к встрече с искусст­вом, желанием увидеть нечто определенное, не совпадающее с тем, что представлено в произведении, привычкой воспринимать новое, по аналогии с тем, что было увидено и услышано раньше, и т. д.

Картины великого голландского живописца XIX в. Винсента Ван Гога часто вызывают недоумение. Пейзаж и люди на его по­лотнах изображены непривычно. Цвет не совпадает с цветом изо­бражаемого предмета, своеобразен рисунок. Все изображенное ка­жется ярче. Вот как объясняет художник те изменения, которые он производит в своих картинах:

«Допустим, мне хочется написать портрет моего друга – ху­дожника, у которого большие замыслы и который работает так же естественно, как поет соловей, такая уж у него натура. Этот чело­век светловолос. И я хотел бы вложить в картину все свое восхище­ние, всю свою любовь к нему. Следовательно, сначала я пишу его со всей точностью, на ка­кую способен. Но полотно после этого еще не закончено. Чтобы закончить его, я становлюсь необузданным колористом. Я преувеличиваю светлые тона его белокурых волос, доходя до оранжевого, хрома, бледно-лимонного. Позади его головы я пишу не банальную стену убогой комна­тушки, а бесконечность – создаю простой, но максимально интенсивный и богатый синий фон, на какой я способен, и эта нехит­рая комбинация светящихся белокурых волос и богатого синего фона дает тот же эффект таинственности, что звезда на темной ла­зури неба. Точно тем же путем я шел в портрете крестьянина»

Функции искусства

Искусство выполняет множество функций, его роль и значе­ние в жизни человека и общества не исчерпываются утилитарны­ми задачами. Оно самоценно.

В научной литературе нет единого мнения в определении ко­личества функций искусства и их иерархии.

Назовем наиболее значимые из них:

1.     познавательная,

2.     ценностно-ориентационная (ак­сиологическая),

3.     коммуникативная,

4.     воспитательная,

5.     знаковая (се­миотическая),

6.     творческая (эвристическая),

7.     эстетическая,

8.     идеоло­гическая.

Искусство также обладает способностью предвидения (прогностическая, или футуристическая, функция), его восприя­тие доставляет людям радость, удовольствие (гедонистическая функция). Есть и другие, вплоть до психотерапевтической.

Трудно выделить ту функцию, которая может быть определена как наиболее значимая. Как правило, в художественном произве­дении наличествуют почти все. Превалирование какой-либо од­ной за счет других влияет на качество произведения, делая его то дидактически-поучающим, то поверхностно-развлекательным, и не больше.

Очень важна познавательная функция искусства. Историче­ские события стираются в памяти людей. О них вспоминают, изу­чая историю или тогда, когда современность напоминает о них.

История знает множество сражений не только на суше, но и на море. Во многих из них гибли корабли, гибли люди. Иногда проиг­равшим сражение морякам предлагали сдаться, гарантируя при этом условии жизнь. И нередко команда корабля отказывалась от этой милости, предпочитая смерть плену. Только военные истори­ки помнят имена погибших кораблей. Но о гибели крейсера «Ва­ряг» благодаря песне знает вся Россия. Забыто имя автора, а песня живет, воскрешая в памяти людей трагический и прекрасный факт истории русского флота.

Нередко, особенно на уровне обыденного сознания, познава­тельные возможности искусства отрицают, поскольку полагают, что эту функцию полностью выполняет наука.

Наука и искусства – разные грани творческой человеческой деятельности, они по-разному отражают действительность и дают знания о ней. Наука дает знания об определенных сторонах и свойствах действительности. Искусство – знание жизни. Наука открывает новые факты и законы. Искусство отражает закономер­ные явления. В знакомом и известном оно открывает незнакомое и неизве­стное: не раскрываемую наукой и эмпирическим знанием красоту природы, внутренний мир человека, неповторимую сложность че­ловеческих отношений. Искусство обладает способностью откры­вать красоту в самом обычном. Кажущиеся малопривлекательны­ми человеческие лица, серенькие пейзажи, увиденные глазами по­этов и художников, оказались прекрасными, и, благодаря их твор­честву, изменились, расширились наши представления о красоте. Вспомните стихотворения Н. Заболоцкого «Некрасивая девочка», «Красота человеческих лиц», пейзажи средней полосы России, на­писанные И. Левитаном и И. Шишкиным, «Грачи прилетели» А. Саврасова и др.

«Произведением искусства… может быть признано только та­кое, в котором заключается раскрытие чего-либо нового, доселе неизвестного людям», – считал Л.Н. Толстой. О способно­сти искусства открывать людям незамеченное ими ранее, но очень важное, составляющее сущность человека, говорит он и в своих произведениях.

В искусстве все личностно. Личность художника проявляется в процессе художественного творчества и в его результате. Одни и те же явления действительности разные художники видят, воспри­нимают и воспроизводят различно. Так же как и читатели, зрите­ли, слушатели, которые видят в художественном произведении ка­ждый свое.

Более того, восприятие художественного произведения и его оценка у одного и того же человека могут меняться. Подлинно ху­дожественное произведение так многогранно, что не увиденное раньше может открыться позднее.

«Через каждые пять лет перечитывай «Фауста» Гете. Если ты каждый раз не будешь поражен, сколько тебе открывается нового, не будешь недоумевать, как же раньше ты этого не замечал, – ты остановился в своем развитии»,— считает В.В. Вересаев. То же можно сказать о «Войне и мире», «Братьях Карамазовых» и других великих произведениях.

Но в этой способности открыть для себя новое в уже известном произведении обнаруживается не только многозначность самого художественного творения, но и еще одна особенность искусства: его восприятие носит творческий характер. Воспринимая произведения, мы сами становимся твор­цами. Созданное художником для каждого человека таково, каким он его для себя откроет. Открытое нами в искусстве начинает жить новой жизнью уже в нашем сознании, войдя в наш духовный мир. Так проявляет себя творческая – эвристическая – функция ис­кусства.

Значение ее не только в том, что восприятие искусства требует сотворчества, но и в том, что постоянное общение с искусством развивает эту способность и делает ее неотъемлемой частью любой деятельности. Узнанное и открытое благодаря искусству помогает человеку лучше понять самого себя, других людей и тем самым помогает в установлении контактов между людьми, облегчает взаимопонима­ние и общение между ними.

Коммуникативная функция искусства проявляет себя тем, что показано в художественном произведении, и по тому, как это показано, люди не просто узнают что-то новое, но обрета­ют определенный взгляд на мир, тот, который открыл им худож­ник. Воспроизводя определенные явления действительности, ав­тор неизбежно дает им какую-то оценку: утверждает или отрицает, говорит изображенному или описанному «да» или «нет». И такова сила воздействия искусства, что вслед за автором эту оценку восп­ринимаем и мы.

Действенная сила искусства такова, что нередко именно под воздействием ис­кусства люди начинают по-другому смотреть на жизнь, иначе оце­нивать происходящее и даже менять свои убеждения. Это не всегда переосмысление к лучшему, более глубокому и тонкому мировос­приятию. Все зависит от того, какое это искусство. Вот почему так важно идейное содержание искусства, чтобы оно заставляло вос­хищаться тем, что достойно этого, и вызывало гнев и ненависть ко всему гнусному, подлому, человеконенавистническому.

Действенная сила искусства безгранична, и оно должно слу­жить гуманистическим целям.

Искусство обладает способностью не только давать людям си­лы для жизни и выживания, что само по себе – неоценимо. Оно умеет заглядывать в будущее (футуристическая функция): ему открывается то, чего не видят другие.

О чем бы ни говорило художественное произведение, к какому бы виду или жанру оно ни принадлежало, оно всегда доставляет нам удовольствие, наслаждение. Читать книгу, смотреть картину, спектакль или кинофильм, слушать музыку – всегда радость. И в этом еще одно назначение искусства, его гедонистическая функция. С ней связана возможность переключиться, отвлечься, отой­ти от повседневных дел и забот, насладиться красотой.

Есть у искусства еще много разнообразных функций. Но все названные и неназванные собираются в единое целое, аккумули­руются способностью искусства не просто развлечь, отвлечь, по­радовать, но и дать особое переживание, вызвать особое чувст­во – эстетическое, непосредственное эмоциональное пережива­ние, возникающее при восприятии совершенных явлений. Это чувство могут вызывать не только прекрасные произведения ис­кусства, но и явления самой действительности: благородный по­ступок, самоотверженность, красота природы, человека или ре­зультат труда. 

Искусство по самой своей природе вызывает эсте­тическое чувство – удивления и восхищения его, искусства, спо­собностью глубинного постижения жизни, дающей возможность понять и увидеть окружающее по-новому, а также тем, как это сде­лано в художественном произведении, то есть совершенством ху­дожественной формы, возможностью прожить и пережить то, что показано, и тем самым испытать нравственное очищение. Искус­ство дает возможность испытать разные по характеру и направлен­ности душевные состояния. Эстетическое наслаждение – это сложный духовный процесс, проявляющийся в различного рода эстетических состояниях: радости от общения с прекрасным, вос­хищении совершенством созданного художником, потрясении от­крывшимся невиданным ранее миром и т. д.

Искусство всегда отражает действительность и отношение ху­дожника к ней. Но способностью дать понимание действитель­ности, заставить увидеть то, мимо чего люди проходили, предста­вить новый взгляд на мир, открыть его красоту, развить эстетиче­ское чувство и сформировать эстетический идеал искусство фор­мирует и самого человека – творца и созидателя культуры. Таким образом, искусство не только отражает действительность, но и создает ее.

Эстетическая функция искусства очень важна. Именно она формирует эстетические воззрения человека, его представления о красоте и прекрасном, уродливом и безобразном и др. Эти пред­ставления определяют не только то, какие внешние проявления красоты привлекают людей, их избирательность в одежде, предме­тах быта и т. д. И даже не только то, какие у них предпочтения в ис­кусстве, хотя это одно из проявлений художественного вкуса, ба­зирующегося на эстетических воззрениях. То, что человек считает прекрасным или безобразным, красивым или уродливым, в значи­тельной степени определяет его представления о красоте жизни, его образ жизни, его эстетический идеал.

Постоянное общение с искусством развивает в человеке эсте­тическое начало – эстетическое чувство, эстетический вкус, фор­мирует эстетический идеал. Именно поэтому искусство является важнейшим средством эстетического воспитания – целенаправ­ленной деятельности по формированию у человека способности воспринимать и оценивать прекрасное в жизни и в искусстве, жить, творить и взаимодействовать с миром по законам красоты.

24. Особенности художественной культуры 19 века.

Культура
XIX в. является культурой сложившихся
буржуазных отношений. К концу XVIII в.
капитализм как система полностью
сформировался. Он охватил все отрасли
материального производства, что повлекло
соответствующие преобразования в
непроизводственной сфере (политике,
науке, философии, искусстве, образовании,
быту, общественном сознании).

Для
культуры этого периода характерно
отражение внутренних противоречий
буржуазного общества. Столкновение
противоположных тенденций, борьба
основных классов — буржуазии и пролетариата,
поляризация общества, стремительный
взлет материальной культуры и начавшееся
отчуждение личности определили характер
духовной культуры того времени.

В
XIX в. происходит коренной переворот,
связанный с появлением машины, которая
отдаляет человека от природы, ломая
привычные представления о его
главенствующей роли, и превращает
человека в зависимое от машины существо.
В условиях интенсифицирующейся
механизации человек уходит на периферию
духовной жизни, отрывается от духовных
основ. Место ремесленного труда,
связанного с личностью и творчеством
мастера, занял монотонный труд.

Духовная
культура XIX в. развивалась и функционировала
под влиянием двух важнейших факторов:
успехов в области философии и
естествознания. Ведущей доминантой
культуры XIX в. была наука.

Различные
ценностные ориентации основывались на
двух исходных позициях: установлении
и утверждении ценностей буржуазного
образа жизни, с одной стороны, и критическом
неприятии буржуазного общества, с
другой. Отсюда — появление столь несходных
явлений в культуре XIX в.: романтизма,
критического реализма, символизма,
натурализма, позитивизма и т.д. Европейская
культура XIX в. является отражением тех
противоречивых начал, которые являет
собой развитое буржуазное общество,
но, тем не менее, она не имеет себе равных
по глубине проникновения в бытие и
духовный мир человека по творческому
напряжению в науке, литературе, философии
и искусстве. В развитии философии XIX в.
можно выделить три определяющих
направления: классическая немецкая
философия, диалектико-материалистическая
философия, философия позитивизма.

Немецкая
классическая философия представляет
собой важнейшее достижение буржуазной
философской мысли. Будучи идеологией
исторически прогрессивной для своего
времени немецкой буржуазии, она отражала
как своеобразные условия развития
капитализма в Германии конца XVIII — начала
XIX вв., так и крупнейшие социально-экономические
изменения, происходившие в более развитых
странах Европы.

Формирование
немецкой классической философии
происходило под влиянием революционных
преобразований во Франции, промышленной
революции в Англии, особенностей
социально-политической обстановки в
Германии, которая находилась в
экономическом застое. Философская мысль
Германии отражала особенности
мировоззрения своего времени и не
представляла единого целого. И. Кант
был дуалистом, И. Фихте — субъективным
идеалистом, Ф. Шеллинг и Г. Гегель —
объективными идеалистами, Л. Фейербах
— материалистом и атеистом. Но их
объединяла линия преемственности.
Стержневой линией развития немецкой
классической философии было исследование
форм всеобщности, которые у Канта и
Фихте рассматривались как формы мышления,
у Шеллинга и Гегеля — как формы бытия,
действительности, духовной реальности.
Классическую немецкую философию
объединяет идея развития, диалектика.
Завершает классическую немецкую
философию крупнейший материалист Л.
Фейербах, философская система которого
сложилась на основе гегелевской школы.
Эта философия определила мышление века
и стала методологической основой
развития духовной культуры XIX в. Ее
проблематика — это, прежде всего проблемы
человека, решаемые через создание
системной картины мира. Системы отношений
«мир-человек», предлагаемые немецкими
философами, почти все (кроме идей Л.
Фейербаха) идеалистичны в своей попытке
раз и навсегда объяснить место и
назначение человека. Огромное достижение
немецкой классической философии — учение
о развитии, диалектика, которая приобрела
форму научного знания и стала методом
исследования.

Значительный
вклад в развитие культуры составляют
марксистская философия и марксистская
теория, наложившие свой отпечаток на
философское и художественное мышление
XIX в. В программном документе — «Манифесте
Коммунистической партии» — было
представлено новое миропонимание,
распространяющееся на область социальной
жизни. Творчески переработав идеи
классической немецкой философии,
английской политической экономии,
французского и английского утопического
социализма, Маркс и Энгельс открыли
законы общественного развития, указали
пролетариату научно обоснованный путь
для улучшения условий его существования.
Помимо этого, философия марксизма имеет
историческое и культурологическое
значение для развития любого научного
исследования, в том числе и исследований
в области культуры. На этой теории
основывается метод диалектического
материализма, универсальный метод
исследования развивающегося природного,
мыслимого или социального объекта. На
основе этого метода реалистическое
искусство обратилось к отражению
противоречий внутреннего мира человека
и его противоречивых связей с процессами
общественной жизни. Судьба марксизма
драматична, но его роль в культуре
неоспорима. Позитивистское сознание
сложилось под влиянием позитивистской
философии. Конфликт гуманистических
идеалов и прозаической повседневности
вылился в признание научного факта.
Позитивизм опирался на философию Нового
времени, на программу практического
господства науки как рациональной
системы опытного достоверного знания,
отбросив метафизические представления
и став предтечей сциентизма. В развитии
критических тенденций в культуре XIX в.
было два этапа. Первый был связан с
революционным движением, второй — с
зарождением и распространением
социалистических идей и духовным
кризисом буржуазного общества, т. е. с
неверием в возможность духовного
прогресса, в осуществимость гуманистических
идеалов. Все это привело к появлению
пессимизма, апатии, безразличия, что
нашло отражение в таких формах
художественной культуры, как импрессионизм,
натурализм, символизм, эстетизм и
декаданс.

Импрессионизм
сложился под влиянием позитивизма.
Ориентируясь на точную фиксацию «факта»
(момента в изображении действительности)
и отказываясь от широких обобщений,
мировоззрение импрессионизма не смогло
обрести устойчивых схем. Это течение
опиралось на новейшие научные открытия
в области биологии, физиологии, физики
и химии, в области изучения звуковых и
зрительных ощущений атурализм.

В
нем ярчайшим образом проявилось влияние
позитивизма. Его кредо — «природа как
она есть». Натуралисты отвергали произвол
воображения и сравнивали творчество
писателя и художника с трудом исследователей
природы — естествоиспытателей. Результат
такой деятельности — наблюдение сквозь
темперамент. Буквальное отражение
биологического аспекта человеческой
жизни выразилось в профанации искусства,
предопределившей ее скандальный успех
в мещанской среде, в появлении эстетики
«физиологического искусства».

Но
самым существенным сдвигом в духовной
культуре XIX в. и жизни общества было
формирование романтизма, претендующего
на целостное мировоззрение и стиль
мышления наряду с другими — классицизмом
и реализмом.

Романтизм
— явление, порожденное буржуазным строем.
Как мировоззрение и стиль художественного
творчества он отражает его противоречия:
разрыв между должным и сущим, идеалом
и действительностью. Осознание не
реализуемости гуманистических идеалов
и ценностей Просвещения породило две
альтернативные мировоззренческие
позиции. Суть первой — презреть низменную
действительность и замкнуться в скорлупе
чистых идеалов. Суть второй — признать
эмпирическую реальность, отбросить все
рассуждения об идеальном. Исходным
пунктом романтического мировоззрения
является открытое неприятие
действительности, признание непреодолимой
пропасти между идеалами и реальным
бытием, неразумности мира вещей.

Для
него характерны негативное отношение
к действительности, пессимизм, трактовка
исторических сил как находящихся вне
реальной повседневной действительности,
мистификация и мифологизация. Все это
побуждало к поискам разрешения
противоречий не в реальном мире, а в
мире фантазий.

Романтическое
миропонимание охватило все сферы
духовной жизни — науку, философию,
искусство, религию. Оно выразилось в
двух вариантах:

Первый
— в нем мир представал бесконечной,
безликой, космической субъективностью.
Творческая энергия духа выступает здесь
началом, созидающим мировую гармонию.
Для этого варианта романтического
миропонимания характерен пантеистический
образ мира, оптимизм, возвышенные
чувства.

Второй
— в нем человеческая субъективность
рассматривается индивидуально-личностно,
понимается как внутренний самоуглубленный
мир человека, находящегося в конфликте
с внешним миром. Такому мироощущению
свойственен пессимизм, лирически-грустное
отношение к миру.

Исходным
принципом романтизма было «двоемирие»:
сопоставление и противопоставление
реального и воображаемого миров. Способом
выражения этого двоемирия был символизм.

Романтический
символизм представлял органическое
соединение мира иллюзорного и реального,
что проявилось в появлении метафоры,
гиперболы, поэтических сравнений.
Романтизму, несмотря на тесную связь с
религией, были присущи юмор, ирония,
мечтательность. Образцом и нормой для
всех областей искусства романтизм
объявил музыку, в которой, по мнению
романтиков, звучала сама стихия жизни,
стихия свободы и торжества чувств.

Возникновение
романтизма было обусловлено рядом
факторов. Во-первых, социально-политическими:
Французская революция 1769- 1793 гг.,
наполеоновские войны, война за
независимость Латинской Америки.
Во-вторых, экономическими: промышленный
переворот, развитие капитализма.
В-третьих, он формировался под влиянием
классической немецкой философии.
В-четвертых, сложился на основе и в
рамках существующих литературных
стилей: просвещения, сентиментализма.

Расцвет
романтизма приходится на период 1795-
1830 гг. — период европейских революций и
национально-освободительных движений,
и особенно ярко романтизм проявился в
культуре Германии, Англии, России,
Италии, Франции, Испании.

Романтическая
тенденция оказала большое влияние в
гуманитарной области, а позитивистская
— в естественно-научной, технической и
практической.

Термин
«реализм» следует понимать двояко: как
исторически определенное направление,
тип художественного мышления и как
правдивое, объективное отражение
действительности (на языке того или
иного искусства). Реализм эволюционировал,
начиная с первобытных форм культуры.
Как художественный метод реализм возник
в недрах романтизма в первой трети XIX
в., когда в Европе утверждается принцип
правдивого изображения как оппонент
романтизму.

Поэтому
в реализме предметом изображения
становится не мир фантазий и мечты, а
современная действительность. Значение
реализма в культуре трудно переоценить.

Критический
реализм. Во второй половине XIX в. становится
господствующим художественным мышлением
и методом. Критический реализм вовсе
не означает негативное отношение к
действительности. Это форма оппозиции
к существующей (господствующей) идеологии.
Ведущая роль в критическом реализме
принадлежит литературе. Реалистическое
отражение действительности определяется
не теми или иными приемами, а общим
отношением к действительности, т. е.
художественной правдой, которая включает
в себя две стороны: правдивое отражение
существующих сторон жизни и истинность,
соответствие эстетическому идеалу. В
первой половине XIX в. реализм функционировал
в тесной связи с романтизмом.

Романтизм
в Германии. Основные принципы литературной
теории романтизма были сформулированы
Ф. Шлегелем и Новалисом. Ф. Шлегель первым
начал разрабатывать теорию романтической
иронии, одного из самых блестящих и
оригинальных творений романтического
гения. Эстетические взгляды Новалиса
выражены в теории искусства, которое
должно соединять реальное с идеальным,
должно стремиться к универсальности.
Особое место в романтической литературе
Германии принадлежит Генриху Клейсту,
Эрнсту Гофману.

Реализм
в Германии. Проявился не столь ярко, как
в других европейских странах, но среди
представителей этого направления стоит
назвать Генриха Гейне (1797-1856), Георга
Бюхнера (1813-1856), которые стремились к
некой идеализации действительности.

Романтизм
в Англии. Самой яркой фигурой среди
романтиков Англии следует считать
Джорджа Гордона Байрона (1788-1824), одного
из величайших поэтов-лириков в мировой
литературе. К числу выдающихся английских
романтиков принадлежат Перси Шелли
(1792-1822) и Вальтер Скотт (1871 -1892). Английские
романтики утверждали оптимизм, пафос
борьбы против тирании и религиозного
фанатизма, в их произведениях ярко
проявляются эпическое начало, страстная
публицистичность, реалистические
тенденции.

Реализм
в Англии. Отличается большим своеобразием
— ярко выраженным дидактизмом и критическим
реализмом. Самыми знаменитыми английскими
писателями-реалистами были Чарльз
Диккенс (1812-1870), Вильям Теккерей (1811
-1863). Романтическое направление в
английской литературе представлено
творчеством сестер Шарлотты и Эмилии
Бронте.

Романтизм
во Франции. На его развитие повлияли
Великая Французская революция, классицизм
и Просвещение. Возникновение романтических
идей связано с именами Ж. де Сталь, Ф. Р.
де Шатобрианом. Вершину французского
романтизма составляет творчество В.
Гюго, П. Мериме, Ж. Санд, и др. В их
произведениях романтическая эстетика
сочетается с тонким психологизмом и
силой характеров.

Реализм
во Франции. Проходит в своем становлении
несколько этапов и характеризуется
мгновенным откликом на значительные
события общественной жизни. Творчество
Стендаля, Оноре де Бальзака, Постава
Флобера можно отнести к наиболее ярким
проявлениям реализма во Франции.

НОУ ИНТУИТ | Лекция | Европейская культура XX века

Вступление

Основой современной европейской культуры становится такая модель мира, где центральными идеями становятся идея субъективности как основополагающего качества совершенного, свободного, творящего человека и идея линейности, неограниченности развития. Этими качествами данная эпоха принципиально отличается от предыдущих и особенно от эпохи Средневековья с ее традиционализмом и настроенностью на воспроизводство лишь бывшего в опыте, а также низким уровнем самооценки личности, связанным с господством теологического мировоззрения.

10.1. Социокультурные доминанты развития современной западной культуры: гуманизм, сциентизм, европоцентризм

Ведущей отличительной особенностью современной европейской культуры стала ее гуманистическая ориентация, но это не элитарный гуманизм Возрождения, значимый для избранных, а универсальный, демократический, ориентированный на каждого, любого человека и провозглашающий право каждого на жизнь, благосостояние, свободу. Гуманистическая ориентация культуры проявляет себя во всех областях: экономике, искусстве, нравственности. В области политической культуры эта тенденция отразилась в создании Всеобщей декларации прав человека, основные идеи которой были выработаны во Франции эпохи революции и зафиксированы в Декларации прав человека и гражданина (1789).

Существенной чертой культуры этого времени является сциентизм — представление о научном знании как о наивысшей культурной ценности, а о науке как о способной решать все проблемы, стоящие перед человечеством. Эта тенденция оформилась уже в XVIII в., в эпоху Просвещения, в XX в. наука превращается в производительную силу, что приводит к резкому ускорению научно-технического прогресса и феномену НТР. Мировая научная целостность следствием имела экономическую целостность мира, образование транснациональных корпораций и компаний (на их долю приходится более 1/3 промышленного производства, более 1/2 внешней торговли, почти 80% новой техники и технологий).

В то же время вера в безграничные способности науки не является всеобщей и формируется антисциентистская установка — принижение научного знания, обвинение науки в том, что она вызвала кризисы: экономический, экологический, национальный, а сама наука воспринимается как «чума XX века». Данная ситуация обрисована Ч.-П. Сноу в книге «Две культуры», где автор противопоставляет художественной интеллигенции интеллигенцию научную — в частности, ученых-физиков.

Характерно, что в XX в. многие истины и ментальные установки обращаются в свои противоположности — такие изменения наблюдаются по отношению к европоцентризму — культурфилософской и мировоззренческой установке, согласно которой духовный уклад Европы является центром мировой культуры и цивилизации. Подобные культурцентристские воззрения характерны для любой культуры, особенно же отчетливо они проявили себя еще в Древней Греции, для которых разграничение Запада и Востока было формой обозначения противоположности эллина и варвара, цивилизованности и дикости. В эпоху Средневековья Европа воспринималась как «круг земель, возрожденных духом Христовым», и это ощущение религиозной исключительности привело к Крестовым походам, Великим географическим открытиям и христианизации новых земель, колониальным войнам.

Для Просвещения характерна вера в прогресс и человеческие знания, где под прогрессом понималось проникновение европейской цивилизации во все регионы мира. Идея европоцентризма исходила из мысли, что все народы рано или поздно пройдут путем западной культуры, Восток мыслился как зона «недовыполненного человечества», а дикие народы — как несостоявшиеся европейцы.

На рубеже XIX-XX вв. наблюдается кризис европоцентризма. О. Шпенглер в своей книге «Закат Европы» отмечал, что Европа вступила в стадию цивилизации, характеризующуюся высоким развитием науки и техники, но падением уровня литературы и искусства, потерей народом «души культуры», омассовлением всех сфер жизни. Европоцентризм в XX в., с точки зрения Шпенглера, не имеет смысла, так как Европа — небольшое пятнышко на карте мира, и китайский историк может построить всемирную историю, исключив из нее, к примеру, Крестовые походы или эпоху Возрождения.

10.2. Социокультурные доминанты развития современной западной культуры: кризис культуры, рождение феномена массовой культуры, глобальные проблемы современности

Таким же устойчивым стереотипом современного сознания становится констатация кризиса западной культуры. Однако в процессах развития культуры кризис становится обязательным явлением, свидетельствующим о смене одного типа культуры другим, что сопровождается переоценкой слагаемых духовно-смыслового ядра культуры. Критерием упадка культуры является внутреннее ощущение человека в культуре — психологический комфорт или чувство неустроенности (отметим, что в числе таких переходных, кризисных эпох была эпоха эллинизма с ее лозунгом «проживи незаметно», барокко, где скепсис, тяга к изображению страданий, преувеличенному пафосу стали отражением неверия в гармоничность мироустройства). Подобные эпохи Мартин Бубер в своей книге «Два образа веры» назвал эпохами «обустроенности» и «бездомности». Между тем Даниэл Белл в работе «Конец идеологии» отмечал, что в истории было мало периодов, когда человек чувствовал, что его мир прочен.

В качестве основных признаков кризиса выделяются:

• распад постоянного образа и представления культуры о себе самой, утрата самотождественности — разрушение конкретного типа целостности — мифологической, ценностной, политико-идеологической, религиозной. Так, К. Ясперс в книге «Истоки истории и ее цель» первым великим кризисом назвал время разрушения обособленных культур и создание империй;
• высокий уровень науки и техники, но упадок в области литературы, искусства;
• подмена образования пустым знанием;
• урбанизм;
• исчезновение традиционной культуры;
• тревожное сознание, рост смертности, суицидов, наркомании, обращение к таким средствам снятия психоэмоционального напряжения, как алкалоиды и наркотические вещества;
• «смерть Бога» (понятие Ф. Ницше) как идеала и организующего начала мира и культуры, превращение религии в простую формальность.

О. Шпенглер, Х. Ортега-и-Гассет, Н. Бердяев в качестве одного из ведущих признаков кризиса отмечали демократизацию культуры, ее омассовление, стандартизацию человека, рождение ее «среднего», посредственного субъекта и формирование антиэлитарного менталитета («…герои исчезли, остался хор». Х. Ортега-и-Гассет).

Писатели-гуманисты (А. Швейцер, М. Ганди, Т. Манн, Р. Роллан, Л. Толстой) в качестве отрицательного качества современной культуры выделяли ее элитарность, отсутствие ориентации на простого человека, утрату любви, милосердия, отказ от традиции и многовековой мудрости.

Перечисленные особенности культуры XX в., а также развитие средств массовой коммуникации естественным образом приводят к рождению феномена массовой культуры, основными функциями которой становятся:

• политическая, где массовая культура выступает в качестве механизма манипуляции общественным сознанием;
• экономическая, где массовая культура выступает как товар;
• психологическая — рекреативная, защитная, направленная на восстановление психического и эмоционального потенциала человека, позволяющая осуществить человеку виртуальное бегство от действительности, спастись от ее сложностей. Это качество массовой культуры принято называть эскапизмом (от англ. escape — бежать, спасаться).

Характерные особенности массовой культуры:

• ориентация на неразвитое сознание;
• формирование нетворческой личности;
• развлекательность;
• клишированность, стереотипичность;
• опора на нижние пласты сознания и ориентация на архетипы (по К. Юнгу, это базовые представления, выработанные человечеством в процессе развития): героя, матери, отца, учителя, сокровища, женщины-соблазнительницы, дара, полета, жертвы и т. д.

Между тем не все исследователи рассматривали динамику XX в. как негативную, были и мыслители, оптимистично воспринимающие процессы развития. Так, в работах В.И. Вернадского, А.Л. Чижевского, Тейяра де Шардена представлены идеи космической культуры. Основными из них стали идея активной эволюции, когда разум становится ведущей силой мирового развития, а человек берет на себя ответственность за космическую эволюцию и должен проникнуться духом космической этики, и идея о единстве забот о космическом целом и нуждах конкретных людей.

По мнению названных мыслителей, гуманистический оптимизм основан на законах развития культуры и самой природы. Причинами появления ноосферы, по Вернадскому, становятся развитие науки, НТР, объединение человечества и процессы глобализации.

Но объективно глобализация культуры приводит и к появлению ее глобальных проблем (от лат. globus — земной шар) — это экологический кризис, истощение природных источников энергии, технологический детерминизм, неравномерность развития передовых европейских стран и стран третьего мира, демографический взрыв и т. п.

Основными причинами их возникновения становятся:

• целостность современного мира;
• возросшая экономическая мощь человека;
• неравномерность развития стран и культур с различной степенью развития общественного сознания.

В качестве задач по преодолению глобальных проблем выступают:

• задача преодоления экологического кризиса;
• предотвращение войны с применением оружия массового уничтожения;
• борьба с голодом, нищетой, неграмотностью;
• нахождение новых источников сырья.

Художественная культура как феномен

Художественная культура как феномен: Материалы региональной научно- практической конференции. 11 — 12 апреля 2002 г., г. Тюмень / Под науч. ред. И. Н. Гнездиловой. Тюмень: Издательство Тюменского государственного университета, 2002. 184 с.

Рассматриваются методологические проблемы исследования теории и истории художественной культуры, вопросы истории мировой художественной культуры, а также некоторые аспекты художественной культуры Тюменского региона и региональные особенности подготовки специалистов в области художественной культуры. Кроме того, включены материалы круглого стола на тему «Туризм и художественные ценности. Проблемы межкультурных коммуникаций».

Адресуется студентам, аспирантам, преподавателям учебных заведений культуры, а также всем интересующимся данной проблематикой.

СОДЕРЖАНИЕ

Секция № 1. Методологические проблемы исследования теории и истории художественной культуры
Дерябина В. А., Дерябин Ю. И. (Тюмень)

ПСИХОЛОГИЯ ТВОРЧЕСТВА: СПЕЦИФИКА ХУДОЖЕСТВЕННОГО МЫШЛЕНИЯ
Ересько М. Н. (Тюмень)

ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ТИП СИМВОЛА: ПРОБЛЕМА ГЕНЕЗИСА
Лазутина Т. В, (Тюмень)

ТИПЫ МУЗЫКАЛЬНЫХ СИМВОЛОВ
Климович А. Г. (Тюмень)

СОЦИАЛЬНОЕ КОНСТРУИРОВАНИЕ РЕАЛЬНОСТИ И ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА
Гнездилова И. Н. (Тюмень)

ЭКЗИСТЕНЦИАЛЬНОЕ И ХУДОЖЕСТВЕННОЕ: АСПЕКТЫ ВЗАИМОСВЯЗЕЙ И ПРОБЛЕМЫ ИССЛЕДОВАНИЯ (На примере кинематографа Ф. Феллини)
Муравьев И. Б. (Тюмень)

ИСКУССТВО: ДИАЛОГ ПРОШЛОГО И СОВРЕМЕННОСТИ
Михеев С. Н. (Тюмень)

СОЦИАЛЬНАЯ ЗНАЧИМОСТЬ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЫ— ФОРМИРОВАТЬ ПРЕСТИЖ ПРОФЕССИИ
Земляных Т, П. (Тюмень)

РИТУАЛЫ В ПОВСЕДНЕВНЫХ КОММУНИКАЦИЯХ
Жебутинская Л. Г. (Тюмень)

ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ СРЕДСТВА РЕЛИГИИ
Кряжева М. Ф, (Тюмень)

ДОКУМЕНТИРОВАНИЕ КАК СПОСОБ СОХРАНЕНИЯ ПРОИЗВЕДЕНИЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ: документы на вещественных и полевых носителях
Любимова Е. А. (Тюмень)

КУЛЬТУРА ИНФОРМАЦИОННОГО ОБЩЕСТВА
Маклакова Е. В. (Тюмень)

ИНФОРМАЦИОННАЯ КУЛЬТУРА КАК ЧАСТЬ КУЛЬТУРОЛОГИЧЕСКОГО ОБРАЗОВАНИЯ
Автократова Т. М. (Тюмень)

ПИСАТЕЛЬСКАЯ КРИТИКА КАК ЯВЛЕНИЕ КУЛЬТУРЫ: «Литературная коллекция» А. И. СОЛЖЕНИЦЫНА
Букаринов Д. Н. (Тюмень)

СИНЕРГЕТИЧЕСКИЙ ПРИНЦИП В ИЗУЧЕНИИ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЫ
Ларин Ю. В, (Тюмень)

ПРОБЛЕМЫ ИЗУЧЕНИЯ КУЛЬТУРЫ В БАДЕНСКОЙ ШКОЛЕ НЕОКАНТИАНСТВА

Секция № 2. История мировой художественной культуры
Ханова Э. Ф. (Урай)

АТРИБУТИКА ДРЕВНЕГРЕЧЕСКИХ ОЛИМПИЙСКИХ БОГОВ КАК КУЛЬТУРОЛОГИЧЕСКАЯ ПРОБЛЕМА
Митриковская Л, С. (Нижневартовск)

МУЗЫКАЛЬНЫЙ СТИЛЬ В МИФОЛОГИЧЕСКИХ ОБРАЗАХ ГРЕЧЕСКОГО ПАНТЕОНА
Фадеева И. А. (Урай)

ОСОБЕННОСТИ ЭРОТИЧЕСКОГО ИСКУССТВА КЛАССИЧЕСКОЙ АНТИЧНОСТИ
Клименко Е. Л. (Тюмень)

ТЕМА «КОНЬ И ЧЕЛОВЕК» В СКАЗОЧНОЙ ТРАДИЦИИ НАРОДОВ МИРА.
Разумкова Н. В. (Тюмень)

РУССКИЙ РАЗГОВОРНЫЙ ТЕКСТ И СТРУКТУРА
Тухтиева Г. Т. (Нижневартовск)

ИДЕЯ ЕДИНСТВА В ХУДОЖЕСТВЕННОМ СОЗНАНИИ ИСЛАМА
Попова О. А. (Тюмень)

ПОЛИТИЧЕСКАЯ САТИРА В НЕМЕЦКОЙ ЛИТЕРАТУРЕ ПЕРИОДА

РЕФОРМАЦИИ (по творчеству Ульриха Фон Гуттена)
Хорькова О, И. (Тюмень)

ОСОБЕННОСТИ ФРАНЦУЗСКОЙ РОКАЙЛЬНОЙ ЛИТЕРАТУРЫ: Творчество Эвариста Парни
Таштамирова Л. Ш. (Тюмень)

ИСТОКИ ВАГНЕРИЗМА В МУЗЫКЕ ФРАНЦУЗСКОГО РОМАНТИЗМА

Лопарева М. В. (Тюмень)

ГРОТЕСК И МИСТИФИКАЦИЯ В ТВОРЧЕСТВЕ ЭДГАРА ПО

Гнездилова И. Н. (Тюмень)

ПАРАЛЛЕЛЬ «ЛИТЕРАТУРА — МУЗЫКА» В ДУХОВНОЙ КУЛЬТУРЕ РОССИИ ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XIX ВЕКА

Обласова Т. В. (Тюмень)

ФИЛОСОФСКАЯ ИДЕАЛИСТИЧЕСКАЯ КРИТИКА КАК ЯВЛЕНИЕ КУЛЬТУРЫ СЕРЕБРЯНОГО ВЕКА

Волошенко А. И. (Тюмень)

ПОСТАНОВКА «САЛОМЕИ» В ТЕАТРЕ ВЕРЫ КОМИССАРЖЕВСКОЙ

Чистякова М. Г. (Тюмень)

АВАНГАРД КАК ФИЛОСОФСКО — ХУДОЖЕСТВЕННАЯ УТОПИЯ

Мухин В. В. (Нижневартовск)

ПОСТМОДЕРНИЗМ В ТРАДИЦИОННЫХ И НЕТРАДИЦИОННЫХ ВИДАХ ИСКУССТВА

Гнездилова И. Н. (Тюмень)

ФЕЛЛИНИ — ЛИТЕРАТОР: К постановке проблемы

Емельянова О. Ю. (Тюмень)

ОБРАЗ ГОРОДА В ГРАФИКЕ ФРАНЦА МАЗЕРЕЛЯ

Кораблина М. В. (Тюмень)

ТОЛЕРАНТНОЕ СОЗНАНИЕ КАК ОСНОВА ГОЛЛАНДСКОГО МЕНТАЛИТЕТА (На примере функционирования художественных институтов)

Карымова М. Г. (Тюмень)

ГИПЕРТЕКСТ В ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ЛИТЕРАТУРЕ ХХ ВЕКА

Старченкова Н. Н. (Тюмень)

АНТИЧНАЯ МИФОЛОГИЯ В МУЗЫКЕ ХХ В. (А. Н. Скрябин, Д. Мийо, Дж. Энеску)

Новикова М. М. (Нижневартовск)

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ХХ ВЕКА: ИСКУССТВО БЕЗ АЛТАРЯ?

Секция № 3. Художественная культура Тюменского региона

Захарова Л. Н. (Тюмень)

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ТЮМЕНСКОГО РЕГИОНА КАК СИСТЕМА

Скульмовская Л. Г. (Нижневартовск)

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА — ЧАСТЬ ДУХОВНОЙ КУЛЬТУРЫ ГОРОДА (На примере Нижневартовска)

Балина Л. Ф. (Тюмень)

ОСОБЕННОСТИ СМЕХОВОЙ КУЛЬТУРЫ НАРОДОВ ХАНТЫ И МАНСИ

Софронова М. Н, (Тобольск)

ДОМОВАЯ ДЕРЕВЯННАЯ РЕЗЬБА XIX — НАЧАЛА ХХ ВЕКА КАК РЕГИОНАЛЬНАЯ

ОСОБЕННОСТЬ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЫ СИБИРИ

Вануйто В. Ю. (Салехард)

ДРАМАТИЗМ СУДЬБЫ И ПОЭЗИИ ПЕТРА ЕРШОВА

Молоков С. М. (Тюмень)

МАЛОЧИСЛЕННЫЕ НАРОДЫ СЕВЕРА ТЮМЕНСКОЙ ОБЛАСТИ: Художественная культура в условиях промышленного освоения территории

Вануйто В. Ю. (Салехард)

ОБРАЗЫ И ТЕМЫ ТВОРЧЕСТВА ЯМАЛЬСКОГО ХУДОЖНИКА ЛЕОНИДА ЛАРА

Лутошкин Г. Д. (Тюмень)

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА И ПРЕОБРАЗОВАНИЕ ТЮМЕНСКОГО РЕГИОНА

Кошкин И. С. (Тюмень)

НАРОДНОЕ ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ТВОРЧЕСТВО И ПОЛИТИКА ГОСУДАРСТВЕННОГО ПРОТЕКЦИОНИЗМА

Лабунец Н. В. (Тюмень)

ДИАЛЕКТНЫЙ СЛОВАРЬ В АСПЕКТЕ РЕГИОНАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЫ

Козлова В. Л. (Тюмень)

СРАВНИТЕЛЬНЫЙ ОБОРОТ КАК ХУДОЖЕСТВЕННО— ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ СРЕДСТВО БЫТОВОЙ ДИАЛЕКТНОЙ РЕЧИ: Анализ говоров Вагайского района

Тюменской области

Белякова С. М. (Тюмень)

ТЕМПОРАЛЬНАЯ ЛЕКСИКА РУССКИХ ГОВОРОВ КАК ЭТНОКУЛЬТУРНЫЙ ФЕНОМЕН

Секция № 4. Региональные особенности подготовки специалистов в области

художественной культуры

Лар Л. А. (Тобольск)

ИННОВАЦИОННЫЕ ТЕХНОЛОГИИ В ИЗУЧЕНИИ ХУДОЖЕСТВЕННО—ГРАФИЧЕСКИХ ДИСЦИПЛИН

Демидова С. Е. (Тюмень)

ФОРМИРОВАНИЕ ЛИЧНОСТНЫХ КАЧЕСТВ СТУДЕНТОВ В ПРОЦЕССЕ ПРЕПОДАВАНИЯ ПРОФЕССИОНАЛЬНЫХ ДИСЦИПЛИН

Толстоухова И. В. (Тюмень)

ВЛИЯНИЕ ЧТЕНИЯ НА СЕМЕЙНОЕ ВОСПИТАНИЕ

Бындикова 3. А. (Тюмень)

КУЛЬТУРОТВОРЧЕСКАЯ СРЕДА KAK УСЛОВИЕ ФОРМИРОВАНИЯ ЛИЧНОСТИ УЧЕНИКА

Селиванова Е. А. (Стрежевой Томской области)

ИННОВАЦИИ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ОБРАЗОВАНИЯ (Из опыта работы детской школы искусств)

Савицкая В. В. (Нижневартовск)

АРХЕТИПЫ ДЕТСКОГО ТВОРЧЕСТВА: Анализ графических представлений об АЭС

Шварц Л. П. (Тюмень)

ПРИОБЩЕНИЕ К РУССКОЙ НАРОДНОЙ КУЛЬТУРЕ (работа с детьми дошкольного и младшего школьного возраста)

Мальцева Г. А. (Тюмень)

ДЕВИАНТНАЯ ЛИЧНОСТЬ В ОБЩЕСТВЕ АНОМИИ

Трушников Д. Ю, Дударева Л. Г, (Тюмень)

НОВЫЙ ГУМАНИЗМ КАК ПУТЬ К УСТОЙЧИВОМУ РАЗВИТИЮ

Парфенова Э. В. (Тюмень)

САМОСТОЯТЕЛЬНОСТЬ СТУДЕНТА И УСЛОВИЯ ЕЕ ФОРМИРОВАНИЯ

Галяветдинова М. М. (Тюмень)

КРИЗИС В ТВОРЧЕСКОЙ СРЕДЕ СТУДЕНТОВ

Земляных Т. П. (Тюмень)

КУЛЬТУРОВЕДЧЕСКАЯ НАПРАВЛЕННОСТЬ ОБУЧЕНИЯ ИНОСТРАННЫМ ЯЗЫКАМ В ТВОРЧЕСКОМ ВУЗЕ

Никитина А. С. (Тюмень)

ПРИМЕНЕНИЕ СОВРЕМЕННЫХ МУЛЬТИМЕДИА ТЕХНОЛОГИЙ ПРИ ИЗУЧЕНИИ ИНОСТРАННЫХ ЯЗЫКОВ В ХУДОЖЕСТВЕННОМ ВУЗЕ

Кононова Т .М. (Тюмень)

ЛИЧНОСТЬ ХХ1 ВЕКА: РАЗВИТИЕ ТВОРЧЕСКОГО НАЧАЛА ПРИ ИЗУЧЕНИИ ИНОСТРАННОГО ЯЗЫКА

Покотило О. А. (Тюмень)

МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ И ФОРМИРОВАНИЕ ЛИЧНОСТИ

Рожко К. Г. (Тюмень)

МУЗЫКА И ФИЛОСОФИЯ В МИРОВОЗЗРЕНИИ СТУДЕНТА ХУДОЖЕСТВЕННОГО ВУЗА

Петухов В. И. (Тюмень)

РЕПЕРТУАР — ОСНОВА ВОСПИТАНИЯ И ОБУЧЕНИЯ БАЯНИСТА

Романова И. А. (Тюмень)

ДИРИЖЕР ГЛАЗАМИ ПУБЛИКИ: ПРОБЛЕМА СЛУШАТЕЛЬСКОГО ВОСПРИЯТИЯ ДИРИЖЕРСКОЙ ТЕХНИКИ

Трифонов С. В. (Тюмень)

АНАЛИЗ ПРОИЗВЕДЕНИЯ (МЕЛОДИИ, ПОЛИФОНИИ, ГАРМОНИИ) В РАБОТЕ СТУДЕНТА НАД ПАРТИТУРОЙ

Жданова Т. А. (Тюмень)

ОБЩЕНИЕ ДИРИЖЕРА С ОРКЕСТРОМ И КОММУНИКАТИВНЫЕ ПРОЦЕССЫ .

Кутьмин С. П. (Тюмень)

РУБЕЖ ВЕКОВ: ЛЮБОВЬ НА СОВРЕМЕННОЙ СЦЕНЕ

Жабровец М. В, (Тюмень)

СТРАТЕГИЯ И ТАКТИКА ЭМОЦИОНАЛЬНОГО ВОВЛЕЧЕНИЯ ЗРИТЕЛЯ В СПЕКТАКЛЬ

Головинская Е. Н. (Тюмень)

СПЕЦИФИКА РЕЧЕВОЙ ПОДГОТОВКИ АКТЕРА КУКОЛЬНОГО ТЕАТРА

Истомин В. С. (Нижняя Тавда)

ПРЕПОДАВАНИЕ МИРОВОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЫ В СЕЛЬСКОЙ ШКОЛЕ

Новикова Н. М. (и. Междуреченский Ханты — Мансийского автономного округа)

ФОРМИРОВАНИЕ ТВОРЧЕСКОЙ ИНДИВИДУАЛЬНОСТИ В ТЕАТРАЛЬНОМ КОЛЛЕКТИВЕ (Из опыта работы с детьми 7 — 1б лет)

Бындикова 3. А., Трубников Д. Ю. (Тюмень)

ГУМАНИСТИЧЕСКОЕ ОТНОШЕНИЕ К ПРИРОДЕ: Факторы и условия экологического воспитания

Круглый стол. Туризм и художественные ценности. Проблемы межкультурных коммуникаций

Сабитова Н. И. (Тюмень)

АКТУАЛЬНЫЕ ВОПРОСЫ РАЗВИТИЯ ИСКУССТВОВЕДЧЕСКОЙ ЭКСКУРСИОННОЙ ТЕМАТИКИ В ТЮМЕНСКОМ РЕГИОНЕ

Захарова Л. Н. (Тюмень)

ТУРИЗМ В КОНТЕКСТЕ МЕЖДИСЦИПЛИНАРНОГО ПОДХОДА В ВУЗЕ ИСКУССТВ

Морозова И. Г. (Тюмень)

РОЛЬ СТУДЕНЧЕСКОГО ТУРБЮРО В ОСВОЕНИИ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЫ РЕГИОНА

Осинцева В. М. (Тюмень)

ОЦЕНКА ЭФФЕКТИВНОСТИ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ УЧРЕЖДЕНИЙ КУЛЬТУРЫ

Гавриличева Г. П. (Тюмень)

РЕЧЕВАЯ СИТУАЦИЯ КАК ФОРМА МЕЖКУЛЬТУРНОЙ КОММУНИКАЦИИ

Кузьмина Е. М. (Тюмень)

ТУРИЗМ И ДИАЛОГ КУЛЬТУРНЫХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ТРАДИЦИЙ

Хвощ Р. Н. (Тюмень)

«КУЛЬТУРНЫЙ БАРЬЕР» КАК ПРОБЛЕМА ИЗУЧЕНИЯ ИНОСТРАННОГО ЯЗЫКА

Октябрьский М, Ю. (Тюмень)

КУЛЬТУРА ПОВСЕДНЕВНОСТИ: ОСОБЕННОСТИ ФРАНЦУЗСКОЙ ДЕЛОВОЙ КУЛЬТУРЫ

Кононова Т. М. (Тюмень)

СПЕЦКУРС «ИСКУССТВО И КУЛЬТУРА ВЕЛИКОБРИТАНИИ» КАК ОДИН ИЗ СПОСОБОВ ПРЕОДОЛЕНИЯ КОНФЛИКТА КУЛЬТУР

Поломкина Е. В. (Тюмень)

РОЛЬ КОММУНИКАТИВНЫХ ЗАДАЧ И УЧЕТ СИТУАЦИЙ ОБЩЕНИЯ ПРИ ОБУЧЕНИИ ЧТЕНИЮ В ВУЗЕ ИСКУССТВА

Лазарева О. П. (Тюмень)

СОЦИОКУЛЬТУРНЫЕ ОШИБКИ ПРИ ИЗУЧЕНИИ ИHOCTPAHHЫX ЯЗЫКОВ

Ушакова А. П. (Тюмень)

ЦЕРКОВНОСЛАВЯНИЗМЫ В ЯЗЫКЕ ГАЗЕТ

Насырова Р. 3. (Тюмень)

КУЛЬТУРА ЯЗЫКА НА РУБЕЖЕ ВЕКОВ

Путпилова Л. А. (Тюмень)

ЛИНГВОКУЛЬТУРОЛОГИЧЕСКИЙ ПОДХОД И ФОРМИРОВАНИЕ КОММУНИКАТИВНОЙ КУЛЬТУРЫ ЛИЧНОСТИ

Презентация к уроку МХК по теме «Особенности художественной культуры Месопотамии». 10 класс.

План изучения материала

• Возникновение письменности.
• Архитектура Месопотамии.
• Изобразительное искусство.
• Музыкальное искусство.

Древнейшая культура Месопотамии — шумеро-

аккадская (от названия двух частей территории, южной

и северной). Зарождение и развитие древнейшей в

Передней Азии цивилизации Месопотамии относится к

IV-III тыс. до н. э.

долину Сеннаар — Двуречье, а древние греки дали ей имя Месопотамия («Страна между реками», или «Междуречье»).

Азиатский народ шумеры, семитский народ аккады.

Долина Сеннаар — Двуречье, древние греки дали ей имя Месопотамия

(«Страна между реками», или «Междуречье»).

Периоды развития культуры Месопотамии

1. По названию городов-государств Шумер и Аккад на севере культура Месопотамии IV – II тыс. до н.э. именуется шумеро-аккадской .

2. По Вавилону на юге (1894-732 гг. до н.э.) и Ассирии на севере (1380-625 гг. до н.э.) — ассиро-вавилонской.

3. Новый Вавилон обусловил появление культуры, стиль которой продолжался в художественных традициях Персии, нововавилонская , или халдейская культура (626-538 гг. до н.э.).

Особенности культуры Междуречья

• Неоднородность культуры (наслоение культурных традиций нескольких государств).

• Культурная преемственность.

3. Сосуществование первобытной и древней культур (неравномерность развития городов).

принадлежало

материальной

культуре

(становление

ирригационной

системы из-за

разливов рек).

Множество источников свидетельствуют о высоких астрономических и математических достижениях шумеров , их строительном искусстве (именно шумеры построили первую в мире ступенчатую пирамиду). Они авторы древнейшего календаря, рецептурного справочника, библиотечного каталога.

Самым весомым вкладом

древнего Шумера в мировую

культуру является

«Сказание о Гильгамеше»

(«все видевшем») —

древнейшая на земле

эпическая поэма.

Вавилоняне внесли в мировую культуру позиционную систему счисления, точную систему измерения времени, они первыми разделили час на 60 минут, а минуту на 60 секунд, научились измерять площадь геометрических фигур, отличать звезды от планет и посвятили каждый день ими же придуманной семидневной недели отдельному божеству (следы этой традиции сохранились в названиях дней недели

в романских языках).

Оставили вавилоняне

потомкам и астрологию,

науку о предполагаемой

связи человеческих

судеб с расположением

небесных светил.

Возникновение письменности

Пиктографическое (рисуночное) письмо геометрические

знаки (треугольники, ромбы, полоски, пальмовые ветки).

Писали на «дощечках» по мягкой глине тростниковыми или

деревянными палочками, оставляя след в виде клина.

Затем таблички обжигали и хранили в течение длительного

времени.

Писали вначале справа

налево, потом – слева

направо.

Пиктография

превратилась в

клинопись.

1. Библиотека царя Ашшурбанипала (правил в 669 – ок. 633 г. до н. э.) находилась в его дворце в Ниневии.  Его отец Асаргаддон пред-полагал сделать Ашшурбанипала верховным жрецом, поэтому он изучал все науки того времени, сохранив любовь к ним до конца жизни.

2. Ашшурбанипал собрал первую библиотеку на Древнем Востоке. Сохранилось около 30 000 табличек и фрагментов. Это была первая  в  мире систематически подобранная библиотека,    где таблички  были разложены в определенном порядке, имелся каталог.

3. Составлялась в течение 25 лет.

Значительную долю фондов составляли тексты заговоров, пророчеств, магических и религиозных ритуалов, мифологических сказаний,

большое собрание медицин-ских текстов.

Здесь имелись многочисленные списки литературно-эпических сказаний, таблички с песнями, молитвами, юридическими документами, хозяйственными и административными запися-ми, письмами, астрономиче-

скими и историческими труда-ми, записями политического характера, списками царей и поэтическими текстами.

Архитектура Месопотамии

• Из-за того, что на этих землях было недостаточно дерева и камня, храмы возводились из непрочного кирпича-сырца и в условиях повышенной влажности требовали постоянного обновления.
• Храмовые сооружения «жилища бога» строились на высоких насыпных подножиях (зиккураты – многоступенчатые храмы, состоящего из поставлен-ных друг на друга кубических объёмов, причём каждый последующий объём был по объёму меньше предыдущего.

• Ступенчатые башнеобразные храмы выражали идею иерархического устройства Вселенной и использова- лись для совершения культовых обрядов, а позднее – и для астрономических наблюдений.

Зиккурат – ступенчатый храм. Реконструкция

Зиккурат бога Луны в городе Уре. ХХ I в. до н.э

3иккурат Этеменнигyру в Уре

Зиккурат Этеменанки ( VI в. до н.э.).Реконструкция

• Зиккурат Этеменанки ( VI в. до н.э.).Реконструкция
• Зиккурат Этеменанки ( VI в. до н.э.).Реконструкция
• Зиккурат Этеменанки ( VI в. до н.э.).Реконструкция
• Зиккурат Этеменанки ( VI в. до н.э.).Реконструкция

Сводчато-арочные конструкции

• Использовались в архитектуре Древнего Рима.

2. Пирамидальная конструкция террас положила начало традиции разведения садов на их ступенях. Состояла из четырех ярусов, которые были одновременно выступающими балконами и террасами. Держались ярусы благодаря 25-и метровым колоннам.

3. Впервые была использована

конструктивная идея

водоснабжения.

4. В нижних этажах созданы

гроты замысловатых форм с

множеством статуй богов,

священных животных и птиц.

Висячие сады Семирамиды – одно из семи чудес света.

• Ворота Иштар представляют собой громадную полукруглую арку, ограниченную по сторонам гигантскими стенами и выходящую на так называемую Дорогу Процессий, вдоль которой тянулись стены.
• Ворота посвящены богине Иштар и сооружены из кирпича, покрытого ярко-голубой, жёлтой, белой и чёрной глазурью. Стены дорожки украшают около 150000 барельефов львов.
• Стены ворот покрыты перемежающимися рядами изображений сиррушей (драконов) и быков. Всего на воротах около 575 изображений животных. Крыша и двери ворот были изготовлены из кедра.

Львы Дороги Процессий

Ворота Иштар. Реконструкция

Изобразительное искусство

1. Изобразительное искусство Месопотамии представ-лено главным образам рельефами и мозаикой, которые украшали внутренние покои парадных залов ассиро-вавилонских дворцов. А также скульптурами, в том числе и произведениями мелкой пластики.

2. Предпочтение отдавалось батальным сценам, ритуальному подношению даров, царской охоте, а также декоративным узорам, основу которых составляет изображение крылатых быков и крылатых гениев с «древом жизни» — божеств возрождающейся весенней природы.

Штандарт войны и мира – трехъярусная мозаичная плита.

Большая львиная охота. Рельеф из дворца Ашшурбанипала в Ниневии

Охота Ашшурбанипала. Рельеф из дворца Ашшурбанипала в Ниневии

Раненая львица. Рельеф из дворца Ашшурбанапала в Ниневии

Стела царя Нарамсина

Дань от царя Израиля. Рельеф из дворца в Кальху

Саргон II, царь Ассирии. Рельеф Крылатый бык Шеду из дворца Саргона II

Сановник Эбих-Иль Голова богини Иштар из Урука

Характерной особенностью

рельефов является условное

изображение фигуры человека,

облик животного передавался

очень правдоподобно.

Нарушение пропорций,

передавалась экспрессия

движений.

Тщательно передавались

мельчайшиедетали.

Первоначально рельефы

раскрашивались.

Хаммурапи перед богом солнца Шамашем. Рельеф

Музыкальное искусство

Памятники музыкальной культуры не сохранились. О них

мы узнаем из произведений литературы и изобразитель-

ного искусства:

• «учебники» по пению, имена музыкантов;
• песни-плачи, которые исполняли музыканты-жрецы;
• придворные ансамбли (до 150 человек), публичные концерты;
• религиозные церемонии, народные праздники, возвращение войск из походов, царские приемы, пиры и торжественные процессии.

Музыкальные инструменты:

арфа, тарелки, двойной гобой, продольные флейты,

лютни и лиры.

В Междуречье исполняли музыку, сочиняли ее, развивали

музыкальную теорию

Литература:

1. История искусства зарубежных стран. Т.1. – М.: «Просвещение», 1998

2. Данилова, Г.И. Мировая художественная культура. От истоков до XVII века. 10 класс: учебник для общеобразоват. учреждений / Г.И.Данилова. – М.: Дрофа, 2008

3. Дмитриева, Н.А.. Искусство древнего мира. / Н.А.Дмитриева, Н.А.Виноградова. -– М.: «Просвещение», 1986

4. Любимов, Л.Д. Искусство древнего мира. /Л.Д.Любимов. – М.: «Просвещение», 1980

Интернет-ресурсы:

• История древнего мира [Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://www.mystic-chel.ru/east/mesopotamia/481.html
• Новый Акрополь [Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://www.newacropol.ru/Alexandria/civilization/egypt
• Культурология [Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://http://kultprosvet.in/istoriya-mirovoy-kulturi-shkoli-napravleniya-i-te/5-1-kultura-drevney-mesopotamii-dvurechya.html

• Энциклопедия Кругосвет. Универсальная научно-популярная энциклопедия

http://www.krugosvet.ru/enc/istoriya/MESOPOTAMIYA_DREVNYAYA_

TSIVILIZATSIYA.html

Художественная культура России в первой половине XIX века. Литература. Театр

XVIII век подготовил
благодатную почву для развития культуры. Люди все больше интересовались
искусством, литературой, театром.

На этом
уроке вам предстоит узнать особенности культуры России в первой половине XIX века.
Познакомиться с ее основными направлениями. Больше узнать о литературе и
театральном искусстве этого времени.

Начнем
с особенностей развития культуры. В этот период проявилось стремление
людей к свободе. Этому способствовала победа в Отечественной войне 1812
года, когда участники военных действий оказались на территории других
государств и познакомились с местными условиями жизни. К тому же появилась вера
в великое предназначение русского народа.

Начали
зарождаться общественные движения, целью которых было
переустройство государства. Немаловажную роль в этом процессе сыграла литература,
которая имела большое влияние на умы россиян.

С
другой стороны царское правительство прилагало максимум усилий к тому, чтобы
вольнолюбивые произведения не просачивались в народ. Вводилась жесткая
цензура.

В
ходе урока нам предстоит столкнуться с разными направлениями культуры. Одно из
них вам уже знакомо – это классицизм. Основой его являются патриотизм
и внесословное отношение к личности. Однако в XIX веке в этом
направлении в большей степени проявились идеи служения государю и
Отечеству. Классицизм этого периода характеризуется простотой образов, монументальностью. 

В
начале XIX века в России
стало популярно еще одно направление – сентиментализм. В нем делался акцент
на чувствах людей, их внутренних переживаниях, которые возникнут после
прочтения произведения. Для сентиментализма были характерны следующие черты:

·  личностный подход к миру;

·  нравственная чистота;

·  особое внимание уделялось природе;

·  описание переживаний простого человека,
которого больше волнуют личные чувства, а не занятия делами государства.

Сентиментализм
стал основой для развития следующего направления культуры – романтизма.
Он отображает духовную жизнь человека, страсти, которые кипят внутри. В
русском романтизме прослеживалось недовольство существующим положением, жалоба
на неоправдавшиеся надежды. У поэтов он проявился в бунтарском духе их
произведений, критическом взгляде на окружающее, это заметно на примере
стихотворений Михаила Юрьевича Лермонтова. Также для России было
характерно внимание к фольклору, русским традициям.

Еще
одно направление, характерное для начала XIX века – реализм,
целью которого было правдивое отражение действительности со всеми ее
недостатками. Одним из его течений стал критический реализм, который
связывает человека и обстоятельства, в которых он оказывается. В произведениях
появляется анализ поступков человека с точки зрения психологии. Происходит
сближение искусства и реальной жизни. Развитие этого направления было
обусловлено революционными событиями, происходившими как в Европе, так и в
России.

Культура России в первой половине XIX века

Литература. В начале XIX века литература
была одним из ведущих направлений культуры. Люди с нетерпением ждали выхода
новых произведений. А авторы осознавали важность своей работы и то, как она
влияет на умы населения России. Познакомимся с ведущими литераторами этого
периода.

Николай
Михайлович Карамзин.
Был сыном дворянина среднего достатка. После учебы служил в петербургском Преображенском
гвардейском полку. Большое влияние на его творчество оказало его пребывание
в Париже во время Французской революции. Там он написал «Письма русского
путешественника», которые принесли ему известность как литератору.
Вернувшись в Россию, он начал издавать «Московский журнал», затем
выпускал три альманаха, в которых печатал собственные произведения,
стихотворения и переводные статьи иностранных авторов.

Карамзин
был удостоен звания «историограф», которое ни до, ни после него никому не
присуждалось. В феврале 1818 года выпущены первые 8 томов «Истории
государства Российского». В дальнейшем были Изданы еще четыре тома. После
выхода этого исторического сочинения Николай Карамзин сблизился с императорским
двором и лично Александром I.

Карамзин
стал реформатором русского языка. Именно он ввел в употребление такие
привычные нам слова, как влюбленность, ответственность,
достопримечательность. Одним из первых Карамзин стал употреблять букву
«Ё».

Он
был представителем сентиментализма. Рассмотрим произведения
Николая Карамзина. В повести «Бедная Лиза» рассказывается о судьбе
крестьянки, которая полюбила дворянина. Карамзин обратил внимание читателей на
то, что человеческая жизнь ценна независимо от того, к какому сословию
принадлежит человек. Крестьянская девушка предстает здесь полной красоты и
благородства. Как и все представители сентиментализма, Карамзин с осуждением
относится к власти денег над человеком. Находкой автора стало описание
конкретных мест, где развивались события, прежде этим приемом никто из
писателей не пользовался. Читая повесть, мы можем представить, как выглядело
Подмосковье 200 лет назад.

В
исторической повести «Марфа-Посадница, или Покорение Новогорода» рассказывается
о событиях завоевания Новгорода Москвой. Здесь образ Карамзина как писателя
отделяется от образа Карамзина как историка. Некоторые факты намеренно
искажаются, чтобы придать им более лирический сентиментальный характер. Главная
героиня повести Марфа Борецкая, вдова посадника Новгорода. Она пытается
защитить город от захвата Московским князем и в своих действиях опирается на
вече, которое до сих пор существует в Новгороде. Николай Карамзин сравнивает
два способа управления, склоняясь к вечевому, как исконно русскому.

Николай Михайлович Карамзин

Представителем
русского романтизма был Василий Андреевич Жуковский, автор
первого российского гимна. Ярким примером его творчества является баллада «Светлана».
Здесь встречается и мистика, и народные приметы и суеверия, и русский быт. Все
это характерно для романтизма этого периода.

Кондратий
Федорович Рылеев,
поэт, декабрист. В своем творчестве он часто искал сюжеты в русской истории.
Все творчество Рылеева проникнуто идеями декабристов. Оно было призвано
воззвать к доблестям людей, описывая подвиги их предков. Рылеев написал цикл
стихотворных рассказов, которые назвал «Думы». Самые известные из
них «Святослав», «Смерть Ермака», «Рогнеда», «Иван Сусанин». Главный
герой всех произведений – это человек, который борется за независимость своего
государства.

Вильгельм
Карлович Кюхельбекер.
Как и Рылеев был декабристом, что отразилось на его творчестве в значительной
степени. Герой его произведений сражался с тиранией, не сомневаясь, шел в бой.
Поэт в представлении Кюхельбекера был борцом за будущее народа, предсказателем.
Среди его произведений можем выделить «Оду на смерть Байрона», «Аргивяне»,
«Участь русских поэтов».

Среди
представителей русского реализма возвышаются фигуры Александра
Сергеевича Пушкина и Михаила Юрьевича Лермонтова.

Творчество
Пушкина позднего периода – проникнуто новым направлением в культуре. В
произведениях появляется изображение людей и событий такими, какими они
существуют в действительности. У Пушкина начинает прослеживаться интерес к исторической
тематике. Драму «Борис Годунов» можно считать первым произведением
русского реализма. В романе «Арап Петра Великого» Пушкин высоко
оценивает деятельность императора. Появляется новый взгляд на образы
персонажей, окружающую их обстановку. Александр Сергеевич Пушкин помещает своих
героев в реальную бытовую среду, где все события закономерны, а поступки
мотивированы. Примером может служить роман «Евгений Онегин», в котором
автор хотел показать кризис, наступивший в дворянской культуре, противостояние
личности и общества. 

Большинство
произведений Михаила Юрьевича Лермонтова относятся к романтическому
направлению. Среди них выделяется роман «Герой нашего времени»,
написанный в духе реализма. Герой романа Григорий Печорин является
отражением всего современного Лермонтову поколения. Он оказывается в самых
разных ситуациях и предстает перед читателем всегда по-новому. Лермонтов при
написании романа использовал прием «дневниковых записей», что
также является чертой реализма.

Познакомимся
с творчеством представителей критического реализма в России.

Критический реализм

В
комедии Александра Ивановича Островского «Свои люди – сочтёмся»
можно встретить невежество и духовную пустоту русского купечества, постоянное желание
наживы и обогащения. Она очень быстро приобрела популярность, но по настоянию
цензоров была запрещена к дальнейшему изданию и постановке в театре. Не все
представители купечества были способны проанализировать собственную жизнь и
свои недостатки.

Николай
Васильевич Гоголь
использовал приемы сатиры, чтобы наиболее ярко представить российскую
реальность XIX века. Он словно
насмехается над людьми, но при этом автор хочет, чтобы читатель задумался над
своей жизнью и событиями в России. Каждый персонаж Гоголя является продуманным
до мелочей, подвергшимся анализу с точки зрения психологии. Это ярко
представлено в поэме «Мертвые души» и «Ревизор».

Необычным
и новым для того времени является творчество Дмитрия Васильевича Григоровича,
который в своих повестях изобразил реальный крестьянский быт. До этого,
описания жизни крестьян были наполнены сентиментализмом, когда простые
люди говорили абсолютно грамотно, используя сложные речевые конструкции.
Григорович же показал жизнь в русской деревне, как она есть, ничего не
приукрашивая. Славянофилы, которые превозносили простой русский народ, зная о
нем только в теории, не приняли творчества Григоровича.

Таким
образом, в литературе первой половины XIX века существовало смешение
стилей. В это время появился и развивался новый русский язык, более легкий
для чтения, который заметно отличался от языка произведений XVIII века. Литература
стала голосом поколения, она, как зеркало, отражала все проблемы,
существовавшие в обществе. 

Театр. В начале XIX века в русском
театре сменились несколько направлений – от классицизма до реализма, и
каждое из них внесло свой вклад в становление этого искусства.

На
сцене театра зритель видел события, описывающие то, что происходит в России.
Так, например, во время Отечественной войны шли пьесы, посвященные борьбе за
Родину. В Большом театре Петербурга зрители овациями встречали актеров
пьесы «Дмитрий Донской». Особенно тронула всех фраза «Лучше смерть в
бою, чем мир бесчестный», произнесенная в спектакле накануне заключения Тильзитского
мира.

Популярными
были пьесы Гоголя и Островского, раскрывающие жизнь общества России. Однако
чтобы зритель принял и пьесу, и спектакль были нужны люди, актеры, которые
могут донести замысел автора до зрителя. Среди них можно выделить следующих.

Павел
Степанович Мочалов. Игра
этого актера захватывала тем, что он перерабатывал каждый образ и делал его
современным зрителю. Актер не отличался красивой внешностью, но он настолько
перевоплощался в своих героев, что наблюдающие за его игрой забывали обо всем.
За свою жизнь Мочалов сыграл более 250 ролей.

Михаил
Семенович Щепкин. Являлся
основоположником актерской школы России. На протяжении жизни он играл в более чем
30 спектаклях. Этому актеру одинаково превосходно давались как мужские, так и
женские роли. Кроме того, Щепкин не только играл в драматическом театре, он еще
и пел в опере. Специально для него Белинский написал пьесу «Пятидесятилетний
дядюшка, или Странная болезнь». Именем Михаила Семеновича Щепкина
названо театральное училище при Малом театре Москвы.

Примечательно,
что оба актеры были выходцами из крепостных, впоследствии получившими вольную.

Пришла
пора узнать о театрах, на сценах которых развивались события. С 1780
года центром театральной жизни Москвы был Петровский театр.
Однако осенью 1805 года здание театра сгорело, и актеры стали относится к
дирекции Императорских театров. Они играли на самых разных
сценах. Интересно то, что в 1803 году труппа театра уже начала
разделяться на драматических актеров и актеров оперы и балета. Но вплоть до
1825 года все актеры были универсальными, они могли исполнять любые роли. В
1825 году было построено новое здание Петровского театра,
прозванного Большим. Теперь здесь ставились в основном оперы и балет.
Драматические актеры получили Малый театр, перестроенный из особняка
купца.

Театр России в первой половине XIX века

В
Петербурге самым знаменитым был Александринский театр, названный в честь
Александры Федоровны, супруги императора. Это старейший национальный театр
России.

XIX век стал временем
расцвета театральной культуры России. Театральные постановки обращались
к патриотическим чувствам зрителей, изображали реальную жизнь, критиковали ее.
В это время зародилась русская актерская школа.

Таким
образом, в культуре первой половины XIX века одновременно существовали
несколько направлений – классицизм, сентиментализм, романтизм и реализм.
Происходила реформа русского литературного языка. Литература отражала события и
проблемы России. Авторы критически их оценивали. Начала зарождаться русская
театральная школа.

Назначение искусства | Культурная антропология

Коврик навахо, изготовленный примерно в 1880 году

Искусство на протяжении своей истории выполняло множество различных функций, что затрудняет абстрагирование или количественное определение его цели для какой-либо отдельной концепции. Это не означает, что цель искусства «расплывчата», но что у него было много уникальных, разных причин для создания. Некоторые из этих функций Art представлены в следующей схеме. Различные цели искусства могут быть сгруппированы в зависимости от немотивированных и мотивированных (Леви-Стросс).

Миниатюра Mozarabic Beatus. Испания, конец 10 века

Немотивированные функции искусства

Немотивированные цели искусства — это те, которые являются неотъемлемой частью человеческого бытия, выходят за пределы личности или не служат определенной внешней цели. В этом смысле искусство как творчество — это то, что люди должны делать по самой своей природе (то есть никакой другой вид не создает искусство), и, следовательно, бесполезно.

1. Основной инстинкт человека к гармонии, равновесию, ритму. Искусство на этом уровне — это не действие или объект, а внутреннее восприятие баланса и гармонии (красоты), и, следовательно, аспект человеческого бытия вне всякой пользы.
   
   

   «Таким образом, подражание — это один из инстинктов нашей природы. Далее идет инстинкт «гармонии» и ритма, причем метры явно являются частями ритма. Поэтому люди, начиная с этого природного дара, постепенно развивали свои особые способности, пока их грубые импровизации не породили Поэзию ». -Аристотель ^[1]

2. Опыт загадочного. Искусство дает возможность познать себя во вселенной. Этот опыт часто может быть немотивированным, так как человек ценит искусство, музыку или поэзию.
   
   

   «Самое прекрасное, что мы можем испытать, — это таинственность. Это источник всего истинного искусства и науки ». -Альберт Эйнштейн ^[2]

3. Выражение фантазии. Искусство предоставляет средства для выражения воображения неграмматическими способами, которые не связаны с формальностью устной или письменной речи.В отличие от слов, которые входят в последовательность и каждое из которых имеет определенное значение, искусство предоставляет ряд форм, символов и идей со значениями, которые можно подобрать.
   
   

   «Орел Юпитера [как образец искусства] не является, подобно логическим (эстетическим) атрибутам объекта, понятием возвышенности и величия творения, а скорее чем-то другим — чем-то, что дает воображению стимул к распространению. его полет над целым рядом родственных представлений, которые вызывают больше размышлений, чем допускают выражения в понятии, определяемом словами.Они предоставляют эстетическую идею, которая служит вышеупомянутой рациональной идее в качестве замены логического представления, но с соответствующей функцией, однако, оживлять ум, открывая для него перспективу в поле родственных представлений, простирающихся за пределы его понимания » -Иммануил Кант ^[3]

4. Ритуалистические и символические функции. Во многих культурах искусство используется в ритуалах, представлениях и танцах как украшение или символ. Хотя они часто не имеют конкретной утилитарной (мотивированной) цели, антропологи знают, что они часто служат цели на уровне смысла в рамках определенной культуры.Это значение не придает какой-либо один человек, но часто является результатом изменений многих поколений и космологических отношений внутри культуры.
   
   

   «Большинство ученых, которые имеют дело с наскальными рисунками или предметами, обнаруженными в доисторическом контексте, которые не могут быть объяснены в утилитарных терминах и, таким образом, классифицируются как декоративные, ритуальные или символические, знают о ловушке, созданной термином« искусство »». -Сильва Томаскова ^[4]

Мотивированные функции искусства

Мотивированные цели искусства относятся к преднамеренным, сознательным действиям со стороны художников или создателей.Они могут быть связаны с политическими изменениями, прокомментировать какой-либо аспект общества, передать определенные эмоции или настроение, обратиться к личной психологии, проиллюстрировать другую дисциплину, (с помощью коммерческого искусства) продать продукт или просто как форма коммуникации.

1. Связь. Искусство в простейшем виде — это форма общения. Поскольку большинство форм общения имеют намерение или цель, направленные на другого человека, это мотивированная цель. Иллюстративное искусство, такое как научная иллюстрация, является формой искусства как коммуникации.Карты — другой пример. Однако содержание не обязательно должно быть научным. Эмоции, настроения и чувства также передаются через искусство.
   
   

   «[Искусство — это набор] артефактов или изображений с символическим значением в качестве средства коммуникации». -Стив Митен ^[5]

2. Искусство как развлечение . Искусство может стремиться вызвать определенную эмоцию или настроение с целью расслабить или развлечь зрителя. Это часто является функцией художественной индустрии кино и видеоигр.
3. Авангард. Искусство для политических перемен. Одной из определяющих функций искусства начала двадцатого века было использование визуальных образов для осуществления политических изменений. Художественные направления, преследовавшие эту цель — дадаизм, сюрреализм, русский конструктивизм, абстрактный экспрессионизм и другие — все вместе называются искусствами avante-garde .
   
   

   «Напротив, реалистичное отношение, вдохновленное позитивизмом, от святого Фомы Аквинского до Анатоля Франса, явно кажется мне враждебным любому интеллектуальному или моральному прогрессу.Я ненавижу это, потому что оно состоит из посредственности, ненависти и тупого самомнения. Именно такое отношение порождает сегодня эти нелепые книги, эти оскорбительные пьесы. Он постоянно питается газетами и черпает силу из них, ставя в тупик и науку, и искусство, усердно потворствуя самым низким вкусам; ясность, граничащая с глупостью, собачьей жизнью ». -Андре Бретон (Сюрреализм) ^[6]

4. Искусство как «свободная зона» , снято с действия общественного порицания.В отличие от авангардных движений, которые стремились стереть культурные различия для создания новых универсальных ценностей, современное искусство усилило свою терпимость к культурным различиям, а также к своим критическим и освободительным функциям (социальное исследование, активизм, подрывная деятельность, деконструкция …). становится более открытым местом для исследований и экспериментов. ^[7]
5. Искусство для социальных исследований, подрывной деятельности и / или анархии. Подобно искусству для политических изменений, подрывное или деконструктивистское искусство может ставить под сомнение аспекты общества без какой-либо конкретной политической цели.В этом случае функция искусства может заключаться просто в критике некоторых аспектов общества.

   Граффити аэрозольной краской на стене в Риме

   Граффити и другие виды уличного искусства — это графика и изображения, которые наносятся распылением или наносятся по трафарету на общедоступных стенах, зданиях, автобусах, поездах и мостах, как правило, без разрешения. Некоторые формы искусства, такие как граффити, также могут быть незаконными, если они нарушают законы (в данном случае вандализм).

6. Искусство для общественных целей. Искусство можно использовать для повышения осведомленности по самым разным причинам. Ряд художественных мероприятий был направлен на повышение осведомленности об аутизме, ^{[8] [9] [10]} рака, ^{[11] [12] [13]} торговли людьми, ^{[ 14] [15]} и ряд других тем, таких как охрана океана, ^[16] права человека в Дарфуре, ^[17] убитых и пропавших без вести женщин-аборигенов, ^[18] жестокое обращение с пожилыми людьми, ^[19] и загрязнение. ^[20] Мусор, использующий мусор для создания моды, практикуемый такими художниками, как Марина ДеБрис, является одним из примеров использования искусства для повышения осведомленности о загрязнении.
7. Искусство психологического и лечебного назначения. Искусство также используется арт-терапевтами, психотерапевтами и клиническими психологами в качестве арт-терапии. Серия диагностических рисунков, например, используется для определения личности и эмоционального функционирования пациента. В этом случае конечный продукт не является главной целью, а скорее ищется процесс исцеления посредством творческих действий.Полученное в результате произведение искусства может также предложить понимание проблем, с которыми сталкивается субъект, и может предложить подходящие подходы для использования в более традиционных формах психиатрической терапии.
8. Искусство для пропаганды или коммерциализации. Искусство часто используется как форма пропаганды и, таким образом, может использоваться для тонкого влияния на популярные концепции или настроение. Точно так же искусство, которое пытается продать продукт, также влияет на настроение и эмоции. В обоих случаях цель искусства состоит в том, чтобы тонко манипулировать зрителем в определенной эмоциональной или психологической реакции на определенную идею или объект. ^[21]
9. Искусство как индикатор пригодности. Утверждалось, что возможности человеческого мозга намного превышают то, что было необходимо для выживания в среде предков. Одно из объяснений эволюционной психологии состоит в том, что человеческий мозг и связанные с ним черты (такие как художественные способности и творческие способности) являются человеческим эквивалентом хвоста павлина. Утверждалось, что целью экстравагантного хвоста самца павлина является привлечение самок (см. Также принцип бегства по рыбам и гандикапа). По мнению Маурицио Болоньини, это связано не только с постмодернистским отказом от всех канонов, но и с процессом секуляризации искусства, который, наконец, рассматривается как «простая (хотя и существенная) условность, поддерживаемая и воспроизводимая системой искусства (художники, галереи, критики, коллекционеры), предоставляя свободную зону, то есть более открытое место для экспериментов, освобожденное от ограничений практической сферы »: см. Маурицио Болоньини (2008). Постцифровая . Даттон, Денис. 2003. «Эстетика и эволюционная психология» в Оксфордское руководство по эстетике . Издательство Оксфордского университета.

Искусство и доминирующая культура — Современные семьи: объектив справедливости

Элизабет Б. Пирс, Джессика Н. Хэмптон, Ханна Морелос и Кэти Нимейер

Искусство было частью истории и повседневной жизни на протяжении веков, но то, что считается «художественным» и ценным с точки зрения финансовой ценности, было сформировано теми же предпочтениями и угнетением, которые формируют другие аспекты нашей повседневной жизни.Многие люди сталкиваются с дискриминацией и недопредставленностью по признаку пола, расы, сексуальной ориентации или других социальных характеристик. Даже в 20-м веке мы видим видимые различия между мужским и женским искусством в том, как художников часто описывают в средствах массовой информации. Почему женщину называют «художницей»? Цветной человек как «черный фотограф»? Или «скульптор латиноамериканца»? Напротив, когда он создан Белым человеком, раса и пол обычно не упоминаются.

Тема белизны как доминирующей культуры может быть неудобной для многих, в то время как для других она кажется очевидной.Доминирующая культура выражается в Соединенных Штатах как «типичный» или «обычный» образ жизни. Иногда белые люди заявляют, что на самом деле у них нет культуры. Это часть ощущения белизны. Когда мы описываем этот опыт, он включает власть, данную определенной группе людей, и угнетение другой группы людей, иначе известное как привилегия белых. «Белоснежное искусство» можно охарактеризовать как предоставление привилегий группе людей на основе их социальных характеристик и увековечение системы, благоприятствующей евроамериканцам (в основном, белым).

Когда мы говорим о белизне в искусстве, это дает нам возможность избавиться от слоя отрицания. Западная экспансия и доминирование коренных общин — одна из причин предпочтения белых и прозападных произведений искусства и институтов. Интересно отметить, что неявная предвзятость, «установки и стереотипы, влияющие на наши действия, о которых мы не подозреваем, могут повлиять на то, как и что мы чувствуем и думаем о слове« искусство », когда мы его слышим».

Что вы думаете об «искусстве»? Примером неявной предвзятости может быть, когда человека из западной культуры спрашивают об искусстве, относительно распространенное предубеждение — думать об искусстве в контексте доминирующих социальных характеристик.Например, такие социальные характеристики, как «мужской» или «белый», преобладают в западной культуре, особенно в Соединенных Штатах. Статуя Давида , созданная одним из самых известных и уважаемых художников 14 века, Микеланджело Буонарроти из Флоренции, Италия, широко известна и является одной из самых известных скульптур в мире. Скульптура David создана людьми, обладающими доминирующими социальными характеристиками, которые по ассоциации сделали искусство практикой, в которой преобладают белые и мужские.Мы учимся в США в раннем детстве благодаря нашему опыту работы в социальных учреждениях.

Социальные институты — это сложные системы, которые влияют как на своих членов, так и на отдельных людей. Например, школы и музеи являются примерами учреждений, в которых участвуют дети и семьи. Они знакомятся с искусством, которое по большей части является белым и в котором преобладают мужчины, благодаря процессу отбора, который происходил на протяжении всей истории. Повышение осведомленности об этих предубеждениях привело к выставкам и наставничеству лиц в недостаточно представленных группах, связанных с полом, этнической принадлежностью, расой, сексуальностью, способностями и другими социальными характеристиками.Отдельные лица и союзники вносят свой вклад в институты, выступая за перемены. Примеры в этой главе показывают как встроенные предубеждения, так и способы, которыми художественное выражение помогает нам выйти за рамки социально сконструированных предубеждений, предпочтений и идей; это расширяет наши определения искусства и красоты.

Искусство, раса, этническая принадлежность и культура

Кен Монкман — североамериканский художник, известный своими картинами, пересматривающими прошлое. В рамках своей работы он отмечает, что прошлый опыт существенно влияет на настоящее.Монкман описывает свое использование визуального искусства для изучения опыта коренных народов Северной Америки как в период колонизации, так и в результате воздействия на нынешние семьи. Его картины изображают насилие, которое европейские поселенцы применяли к коренным народам, и культурные верования, которые заставили замолчать. Он создает произведения искусства, которые рассказывают историю с точки зрения тех, кто пострадал, и подчеркивает героизм коренных семей, небинарный аспект гендера, который они выражают, и другие культурные аспекты.

В видео ниже Монкман описывает свое использование визуального искусства для изучения опыта коренных народов Северной Америки как в период колонизации, так и в продолжающемся влиянии на нынешние семьи.

Кехинде Вили — еще один художник, известный тем, что использует свои работы для разоблачения лицемерия в обрамлении европейской истории, например, в эпоху разума или эпоху Просвещения, которая известна своим прогрессом в свободе, универсализме, разделении церкви и государства и Свобода.Этот же период известен колониализмом многих коренных народов и цветных людей, включая самого Наполеона Бонапарта, который восстановил рабство во французских колониях через год после того, как была написана знаменитая картина Жака-Луи Давида Бонапарт пересекает Альпы .

Рис. 8.15. Две картины Наполеон ведет армию через Альпы. Художники Кехинде Вили (слева) и Жак-Луи Давид (справа).

Переосмысление этой картины Уайли, Наполеон ведет армию через Альпы , изображает молодого черного человека в той же позе, но таким образом, который ставит под сомнение героизм и смягчает военную мужественность, изображенную в оригинале.Он противостоит и критикует изображение чернокожих в искусстве.

Картины висят бок о бок в Бруклинском музее до мая 2020 года.

Искусство, пол и гендер

В искусстве, отражающем общество, преобладали мужчины. Мужские работы с большей вероятностью будут спонсироваться, заказываться, показываться, рекламироваться и сохраняться. Женщин-художников часто считали второстепенными. Известная художница Фрида Кало была мексиканской художницей, которая была вдохновлена ​​артефактами своей культуры и использовала стиль народного искусства.Она исследовала темы идентичности, постколониализма, класса, расы и пола. Яркий пример маргинализации, имевший место при жизни Фриды Кало, произошел, когда она жила в Детройте, замужем за художником-мужчиной по имени Диего Ривера. В Детройте Фрида Кало никогда не показывала свои портреты ни на каких выставках; однако у нее все же была возможность дать интервью. Хотя за эту возможность ее хвалили за ее работу, когда вышла статья, она была озаглавлена ​​«Жена главного художника-настенного художника радостно балуется произведениями искусства».”

Рис. 8.16. Los cocos Фриды Кало (слева) и плакат — Фрида Кало Вагнер Борхес (справа).

Через эту линзу Фрида Кало была известна своим сверстникам и миру как «жена Диего Риверы», а не как художник. Но работы Кало превзошли работу Риверы с точки зрения художественного и общественного признания. Кало умерла в 1954 году в возрасте 47 лет, и ее работы стали наиболее известными между 1970-ми и 1990-ми годами. Она считается иконой движения за гражданские права чикано, феминизма и сообщества ЛГБТК +.

Многие картины, которые считаются классическими изображениями древних мифов и событий, написаны мужчинами. Кармен МакКормак, выпускница программы бакалавриата изящных искусств Университета штата Орегон в 2019 году, воссоздала некоторые работы с точки зрения женщин, феминисток и лесбиянок. Например, она переосмыслила картину Франсуа Буше 1741 года « Леда и лебедь», , в которой рассказывается история соблазнения или изнасилования Леды Зевсом в виде лебедя.

Рис. 8.17. Картина Леда и Лебедь , Франсуа Буше (слева), Кармен МакКормак (справа).

«Я хотела переосмыслить это как феминистка, как женщина и как современный художник», — сказал МакКормак в интервью Corvallis Gazette-Times . «В оригинале (женщины) улыбались, что интересно мужчине-художнику, потому что оно переосмысливает историю сексуального насилия — это не отрадно». Версия Маккормака показывает темный, бурный фон, а выражение лица и язык тела женщин наводят на мысль о большем страхе и сопротивлении, чем в оригинале.

Столетия назад гендеры притеснялись и недопредставлялись в их творческих аспектах.Мы можем признать, что, несмотря на улучшение ситуации, все еще существуют группы, пол и отдельные лица, которые сталкиваются с недопредставленностью, дискриминацией и угнетением. Нью-Йорк известен как центр искусства, и тем не менее, по оценкам, от 76% до 96% произведений искусства, выставленных в художественных галереях, созданы художниками-мужчинами. Мы видим, что по сей день в индустрии искусства существует гендерный разрыв, который сохраняется и в 21 веке.

Пленка

Кино, еще одно визуальное средство, является частью повседневной жизни многих семей.Мейнстримные фильмы доступны американцам во многих форматах. Хотя женщины и цветные люди представлены в аудитории в большем проценте, чем их население, они значительно недопредставлены на ведущих ролях как на экране, так и за его пределами. В 2018 году только одна женщина, Грета Гервиг, и один цветной человек, Джордан Пил, были номинированы на премию «Оскар» за лучшую режиссуру. А при анализе говорящих ролей женщин в 900 самых популярных фильмах с 2007 по 2016 год женщинам досталось менее трети ролей.У небинарных людей репрезентация хуже, и когда исследуется пересечение цвета и пола.

Когда ребенок идет в кино, его видят самые разные люди. Что общего у большинства этих актеров и актрис, так это то, что они белые. По состоянию на 2017 год только 20% всех главных актеров и актрис на экране были цветными. Для детей, смотрящих эти фильмы, это большинство демографических представлений. Когда они видят выдающегося персонажа, который похож на них, это показывает им, что они могут вписаться в социальные роли.

Когда вышли такие фильмы, как Home , Black Panther или Crazy Rich Asians , цветные люди стекались их посмотреть. В этих фильмах отсутствуют явные стереотипы, а главные роли играют цветные. Фильмы с успешными цветными людьми важны, потому что без них они отодвинуты на задний план, и это укрепляет доминирующую культуру белого как нормы. Когда изображены цветные люди, родители имеют возможность показать своим детям главного героя с тем же цветом кожи или типом волос, что и их собственные.

Тип, в доме , , молодая афроамериканка с натуральными волосами, которая помогает спасти положение и возвращает маму домой. Очень важно иметь сильного цветного ребенка. В одном исследовании исследователи обнаружили, что, когда дошкольников просили нарисовать главного героя из сказки, большинство учеников рисовали фигуру со светлыми волосами и светлой кожей. Это означает, что эти дети, даже цветные, видели, что Белая кожа означает счастливый конец. По их мнению, только светловолосым людям с белой кожей было позволено спасти положение и стать звездами.

Рисунок 8.18. Приведение типов в справке

Рис. 8.19. Приведение типов в «Зеленой книге».

Репрезентация в фильмах также относится к тому, как изображаются персонажи. Следуют ли они распространенным, иногда уничижительным стереотипам? Их считают злодеями? Они убиты первыми? В то время как фильм может иметь более разнообразный актерский состав, когда цветные люди представлены через стереотипы или типографию (когда человека неоднократно отбирают для одного и того же типа персонажа, обычно на основе взглядов), это проливает негативный свет на этих людей. .

В марте 2020 года журнал Washington Post представил проект, в котором актеров меньшинств спрашивали, какие роли они обычно исполняют и какие роли они хотели бы сыграть. Этот мощный сериал подчеркивает, как легко стереотипы могут быть внедрены в нашу сознание. Вы можете увидеть полную серию фотографий Харуки Сакагути и Гризельды Сан Мартин на сайте Typecast Project.

Придание типов людей способствует укреплению стереотипов о цветных людях и других меньшинствах; он подчеркивает центральную роль белых людей как нормы и как хранителей интересных сюжетных линий и жизненных историй.

Представление цветных людей

Как цветные люди представлены в визуальных средах? А какие цветные люди выделяются? Обратите внимание, что когда ведущие роли исполняются в визуальных средах, это часто люди с более светлой кожей. Это называется «колоризмом» и отличается от расизма тем, что демонстрирует предпочтение визуального образа, а не подразумевает, что существует неполноценность, основанная на расе. Недавний пример — выдающееся положение Дженнифер Лопес (Джей-Ло) и Шакиры в шоу перерывов Суперкубка 2020 года.Хотя обе женщины — латиноамериканки, многие цветные люди не чувствуют себя представленными людьми со светлой кожей, покрасившими свои волосы в блондинку.

Понимание «измов»

Другой способ, которым фильм может помочь нам понять мир, — это посмотреть, как «изм» влияет на группу, частью которой мы не являемся, например, понимание того, как женщины испытывают сексизм или черные люди переживают расизм. Но как определить, какие фильмы могут помочь нам понять, каковы реальные ощущения человека и какие ощущения от «измов»? Один из лучших способов — послушать члена группы, который это переживает.Подкасты, такие как программа Киноклуба 1A «Помощь не помогает» в июне 2020 года, могут помочь объяснить, как истории расизма, ориентированные на белых, не раскрывают реальный опыт дискриминации и не дают реалистичного и глубокого обучения. «Белоцентричный» относится к историям, которые рассказываются в основном с точки зрения Белого человека, с ведущими или ведущими, которые являются Белыми, и иногда содержат так называемый «Белый спаситель», что означает, что он берет кого-то, кто Бел чтобы решить проблему, спасти положение или иным образом исправить какой-либо аспект расизма.Вместо этого ведущие и гости подкаста рекомендуют, среди прочего, следующие фильмы:

• 13-я (2016)
• Blackkklansman (2018)
• Убирайся (2017)
• Я не твой негр (2016)
• Just Mercy (2019)
• Когда они нас видят (2019)

Рис. 8.20. Стол BlacKkKlansman с актерами Адамом Драйвером, Джоном Дэвидом Вашингтоном и режиссером Спайком в расслабленном состоянии во время рекламной паузы прямой трансляции 24-й ежегодной премии Critics ‘Choice Awards в январе 2019 года

Чтобы послушать оживленную дискуссию в киноклубе 1A и дискуссии о фильмах, тухлых помидорах и других системах рейтинга фильмов, расизме, здравоохранении, расовой эмпатии, истории и текущих событиях, слушайте здесь.

Киноклуб «1А»: почему «Помощь» не помогает

Работа

Хотя наше обсуждение было сосредоточено на представительстве и на последствиях отсутствия представительства для семей, важно упомянуть занятость. Очевидный результат меньшего количества цветных людей или других меньшинств в СМИ означает, что у людей в этих группах меньше возможностей трудоустройства. У человека с множественными перекрестными характеристиками еще меньше возможностей. В этом одноминутном видео актер Рози Перес рассказывает о том, как взаимосвязь цвета кожи, веса, сексуальности, этнической принадлежности и возраста влияет на ее занятость.Поскольку фильмы влияют на очень многих потребителей, влияние на Переса также косвенно сказывается на отдельных лицах и семьях, просматривающих средства массовой информации.

Описания Рози Перес подтверждены исследованиями. Семейные фильмы, снятые в период с 2006 по 2009 год в США и Канаде, изучались специально на предмет гендерных предубеждений, но при оценке также учитывались внешность и возраст. В этих фильмах представлены красивые женщины с нереалистичным типом телосложения, обнаженной кожей и такой крохотной талией, что они оставят «мало места для матки или любых других внутренних органов», причем 14-24% обладают этими чертами.Кроме того, чаще всего женщины моложе 39 лет (около 74%), а доля мужчин старше 40 лет выше.

Лицензии и авторство

Открытый контент, ранее использованный

Рисунок 8.15. «Наполеон, переходящий Альпы» Жака Луи Давида. Всеобщее достояние.

Рисунок 8.16. «Плакат — Фрида Кало» Вагнера Борхеса. Лицензия: CC BY-NC-ND 4.0.

Рисунок 8.17. «Леда и лебедь» Франсуа Буше.Всеобщее достояние.

Рисунок 8.20. «Адам Драйвер, Джон Дэвид Вашингтон и режиссер Спайк Ли на церемонии вручения награды Critics’ Choice Awards 2019 »Криса Миксанека. Лицензия: CC BY-SA 4.0.

Все права защищены. Содержание

Рисунок 8.15. «Наполеон ведет армию через Альпы» (с) Кехинде Вили. Изображение использовано в рамках добросовестного использования.

Рисунок 8.16. «Кокосы» Фриды Кало (c) Банк Мексики Диего Ривера и музейный фонд Фриды Кало. Изображение использовано в рамках добросовестного использования.

Рисунок 8.17. «Леда и лебедь» (с) Кармен МакКормак. Изображение использовано в рамках добросовестного использования.

Рисунок 8.18. Скриншот из The Help (c) Walt Disney Studios. Изображение использовано в рамках добросовестного использования.

Рисунок 8.19. Плакат из Зеленой книги (c) Universal Studios. Изображение использовано в рамках добросовестного использования.

«Стыд и предубеждение: история стойкости художника Кента Монкмана» (c) Университет Торонто. Условия лицензии: Стандартная лицензия Youtube.

«Рози Перес о роли цветных женщин» (c) PBS. Условия лицензии: Стандартная лицензия YouTube.

Искусство и культура | SwedBio

На протяжении всей истории искусство и культура различных видов и форм были частью эволюции наших обществ. Фестивали, изделия ручной работы, еда и песни несут истории и знания о связях между человеком и природой, в поколениях и между поколениями, и имеют жизненно важное значение для чувства принадлежности среди людей по всей планете.

Искусство обладает уникальной возможностью улавливать ветры перемен, одновременно влияя на формирование и развитие обществ и людей, живущих в них. У него есть потенциал для передачи сообщений, идей, выражений, в которых нет слов. Он может напрямую подключаться к сердцу и телу людей, иногда больше, чем к разуму, что позволяет искусству на самом деле изменить образ мышления более глубоким образом, чем другие формы общения.

Искусство и культура для многих людей в мире также тесно связаны с духовными системами верований, в том числе с местным пониманием взаимоотношений между природой, людьми и божествами.

С помощью этой новой функциональной области SwedBio намеревается как сделать текущую работу партнеров программы, связанную с искусством и культурой в различных формах, более заметной, так и узнавать и извлекать уроки из их опыта и , открытыми для обмена, чтобы вдохновлять других на развитие. новых перспектив. Искусство и формы культурного самовыражения могут быть, например, в форме театра, литературы, живописи, скульптуры, поэзии, музыки, танца, архитектуры, рассказывания историй, духовности и ритуалов.

Искусство и культура для многих людей в мире также тесно связаны с духовными системами верований, в том числе с местным пониманием взаимоотношений между природой, людьми и божествами.

Искусство и культура играют решающую роль в работе SwedBio и признаны:

• Подчеркнуть внутреннюю ценность искусства и культуры в работе наших партнеров
• Способствовать поиску более творческих решений глобальных проблем, связанных с изменением окружающей среды
• Стимулирование более глубокого понимания и демистификации сложных и, казалось бы, отдаленных или абстрактных вопросов, касающихся устойчивости, и проблем глобального изменения окружающей среды
• Поддержка изменений в направлении повышения социальной экологической устойчивости
• Содействовать принятию и признанию разнообразия имеющихся методов генерации знаний и их практического применения в различных культурах
• Покажите ценность разнообразия культур SwedBio сотрудничает с
• Укреплять связь между людьми — политиками, практиками, учеными и организациями гражданского общества — из разных культур и систем ценностей
• Стимулировать трансформационные изменения в мировоззрении, учреждениях, организациях и процессах принятия решений
• Действовать как инструмент для выражения озабоченности маргинализированных групп, таких как коренные и местные общины
• Анализировать и исследовать сложные проблемы, требующие трансдисциплинарной подготовки и мышления
• Содействовать совместному проектированию и совместному созданию знаний
• Стимулирует новое мышление, творчество, воображение, инновации, вызывает чувства, влияет на развитие ценностей
• Поддерживать более равное отношение к различным системам знаний и культурам и их оценку, а также способствовать расширению прав и возможностей маргинализированных групп
• Повышение ответственности за глобальные изменения окружающей среды
• Стимулировать разработку новых методов решения проблем
• Стимулируйте надежду
• Вдохновлять сочувствие, влияя на изменение поведения
• Действовать как инструмент для вовлечения большего числа людей в решение вопросов глобальной экологической устойчивости.

Что мы понимаем под искусством, художниками, культурой и промышленностью?

По мере того, как мы, индивидуально или коллективно, пытаемся доказать, что искусство имеет большое значение в сегодняшнем мире экономических потрясений и перемен, полезно четко понимать, что мы подразумеваем под такими терминами, как «искусство», «культура, культура». »И« отрасль », а также чтобы понять, что те же термины могут означать для других. Слова, которые мы используем, говорят. Их использование имеет историю, которая многое говорит о том, где работа, которую мы называем «искусством», пребывает в нашей коллективной жизни от одного периода к другому.Или, возможно, в зависимости от ваших интересов, вы можете подумать об «искусстве», «культуре», «музыке», «живописи», «литературе» или… Отношения между искусством, культурой, работой и обществом со временем эволюционировали. и всегда в движении. В следующей статье рассматривается вопрос о том, как эти термины развивались во время и после промышленной революции, а также в результате недавней технологической революции. Эта статья была написана в 2007 году. Как эти термины используются в вашем мире сейчас? Увидим ли мы снова изменение смысла в результате нынешних потрясений и изменений, которые они принесут? Повлияют ли действия, которые мы предпринимаем сейчас, на понимание искусства в будущем?

Есть несколько слов, столь же противоречивых и лишенных краткого смысла, как искусство, художник и культура .Тем не менее, ученые и политики часто не обращают на это внимания, обсуждая и формулируя политику в области искусства и культуры, в том числе тех, кто окружает работников сферы искусства и культуры. Хотя ряд важных исследований по этому сектору и его творческим отраслям был опубликован в Великобритании, США, Австралии, Канаде и других странах, лишь немногие из них имеют общую структуру определений и не включают одни и те же профессиональные группы или отраслевые классификации в свои подсчеты. . Одной из причин, почему это так, может быть непонимание исторической эволюции этих терминов и их влияния на занятость в сфере искусства и культуры, а также на динамику рабочих мест и межотраслевую динамику.

Корни современного использования можно найти в промышленной революции.

Первым ученым, который попытался проанализировать эти термины с исторической точки зрения, был социолог Раймонд Уильямс, отец-основатель «Новых левых» (1921–1988). Уильямс проследил, как современное понимание таких терминов, как культура, , эволюционировало с течением времени и как это происходило параллельно с изменениями связанных слов, таких как искусство, художник, промышленность, демократия и класс, с 1770 до середины 1950-х годов.Ключевой организационный принцип в аргументе Уильямса состоит в том, что как идея культуры, так и само слово «искусство», в общем современном использовании, вошли в английское мышление в период промышленной революции. В результате изменений в способах работы людей другие аспекты их жизни также претерпели радикальные изменения — в политическом, социальном и экономическом плане.

Например, до промышленной революции большинство людей в аграрных условиях в основном работали телом, а не разумом.В то время термин культура описывал стремление к естественному росту и, по аналогии, процесс обучения человека. Культура затем медленно эволюционировала от описания процесса выращивания чего-либо к культуре как вещи сама по себе. Он также стал связан с умственными привычками, человеческим совершенством и интеллектуальным развитием и стал ассоциироваться с основной частью искусств (живопись, скульптура, музыка, литература, поэзия и танец), а затем со всем образом жизни — материальным. , интеллектуальный, духовный.Во время промышленной революции люди начали переезжать в города, и работа была привязана к машинно-ориентированной среде. Уильямс предполагает, что значение слова культура сконцентрировалось в это время из-за великих исторических изменений, происходящих в промышленности, демократии, искусстве и классе.

Так как же в результате изменилось значение таких терминов, как art и, по ассоциации, artist ? Исходя из своего первоначального понимания человеческих качеств или навыков, Уильямс прослеживает, как искусство стало признанным как своего рода институт или набор действий — Arts .Кроме того, он утверждает, что термин «искусство» перешел от обозначения любого человеческого навыка к тому, который стал обозначать определенную группу навыков, относящихся к «творческому» или «творческому искусству».

Аналогичным образом, примерно в конце 18 века термин художник также начал меняться. Раньше художник означал квалифицированного человека из всех слоев общества, что отражено в термине ремесленник , но этот термин начал развиваться, чтобы описать навыки, связанные с воображением и творческими искусствами, и понятие класса стало фактором .Как добавляет Уильямс, искусство стало обозначать особый вид творческой истины, а художественного и культурного появились в приличном обществе. Начал формироваться романтический взгляд на роль художника как другого человека.

Концепция industry тоже претерпела значительные изменения во время промышленной революции. Подобно искусству, индустрия превратилась из тесно связанной с индивидуальным поведением и описанием человеческой черты — такой как трудолюбие — в черту, относящуюся к коллективной группе или учреждению — вещи сама по себе.Промышленность также стала рассматриваться как общее слово для обозначения производства и других форм производства. Уильямс утверждает, что Адам Смит в книге «Богатство народов » (1776 г.) был одним из первых, кто использовал этот термин таким новым способом, и что Industry , как учреждение, вскоре стало капитализироваться. Движущей силой, конечно же, было внедрение оборудования и новых производственных процессов для производства. Эта крупная технологическая революция изменила то, как люди работали и организовывали свою повседневную и коллективную жизнь, а также то, как действует общество вокруг них.

Тот же сдвиг повлиял на политический словарь. Термин « демократия» в современном понимании вошел в реальное употребление только во время американской и французской революций. До этого это было более абстрактное понятие, как demos , или «правительство народа», как использовали древние греки. Уильямс предполагает, что примерно в то же время концепция национальной идентичности, а также культуры и класса в том виде, в каком мы их теперь знаем, начала укрепляться. С наступлением промышленной революции культура стала пониматься как совершенно новый, взаимосвязанный, хотя и менее органичный образ жизни.Работа тоже стала менее привязанной к природе, а занятость стала новой концепцией, привязанной к крупным городам.

Какие параллели сегодня?

Во многих отношениях общество претерпевает аналогичную перестройку в связи с быстро развивающейся технологической революцией (или тем, что ранее называлось постиндустриальной революцией и веком информации). Это изменило то, как мы работаем, живем и коллективно организовываемся, как это произошло во время промышленной революции три столетия назад. Современные технологии привели к изменению моделей характера работы — производства, занятости и социальной организации.В свою очередь, эти изменения бросают вызов предыдущим определениям терминов культура, искусство, художник, и промышленность .

За последние два десятилетия цифровые технологии радикально изменили способ работы, общения, общения и образования людей. Его влияние на местную, национальную и глобальную культуру нельзя недооценивать. Причудливое представление Маршалла Маклюэна о глобальной деревне пришло и ушло. В эпоху цифровых технологий люди общаются с помощью iPod, а не голосами. Больше людей выполняют свою работу с помощью какой-либо формы электронных технологий, а не только своим телом — новая мантра — это мозг, а не мускулы.Социальное взаимодействие (особенно среди молодежи) происходит чаще, чем когда-либо прежде, онлайн и ежедневно. Работать можно дома самостоятельно или в команде по всему миру. Даже концепция того, что мы подразумеваем под работой, была революционизирована технологиями и глобализацией: крестики-нолики вместо лошадей и мотыг, миллибайты, а не мельницы, правят днем.

Исторический цикл понимания того, что значит быть художником, также снова поворачивается. В то время как мастера работали над реальными задачами, а искусство считалось делающим что-то хорошо, следующий цикл художников после промышленной революции не участвовал в повседневной работе, а скорее сосредоточился на возвышенных качествах искусства. воображение и творческое видение в поисках истины, красоты и смысла.Их также романтизировали как особенных, с дарами гения, которых не разделяли другие смертные. Творчество стало личным даром, а не коллективной чертой.

Сегодня художники варьируются от возвышенного индивидуального гения до коммерчески ориентированного работника, но для большинства они явно возвращаются к хорошему результату, а не к возвышенному. По данным последней переписи населения, только в Соединенных Штатах насчитывается почти 2,5 миллиона художников. ¹ Вряд ли все гении, но большинство — возможно, все — творческие или новаторские в каком-то отношении.Во многих отношениях технологическая революция последних двух десятилетий вернула представление о роли художника в более коллективную, командную концепцию, особенно в областях дизайна (и, что интересно, мы по-прежнему называем профессии работающими в соответствующих областях. ). Хотя некоторые студии и артисты по-прежнему работают как предыдущие поколения, цифровые художники — нет. Цифровые художники являются частью самых быстрорастущих групп в Соединенных Штатах и ​​в мировой экономике (Galligan and Alper, 2000), а также находятся в авангарде недавно получившей название «творческих индустрий».”

Итак, как это влияет на наше текущее понимание терминов искусство, художники, культура, и промышленность ?

Если смотреть с точки зрения занятости, эволюция становится более очевидной. Во многих отношениях искусство возвращается к существительным в нижнем регистре. Это не столько упражнение по раскрытию истины, сколько упражнение по созданию творческих товаров и интеллектуальной собственности — плодородных рабочих мест сегодняшнего дня.

Как и в первые дни промышленной революции, история все еще находится в процессе становления, и полное понимание последствий технологической революции еще предстоит реализовать.Мы не можем по-настоящему измерить творческие индустрии, потому что нам еще предстоит понять их масштабы или найти правильный словарь или рамки для их описания. Это не отрицает важность исследований, которые пытались сделать это на сегодняшний день, и не умаляет роли, которую коммерческое или изящное искусство играет в современном искусстве и культурном секторе. Скорее, это означает, что мы все еще находимся в большом периоде перемен и перемен. Плюс ко всему поменять.

Энн М. Галлиган — доцент и координатор кооперативного образования в Северо-Восточном университете в Бостоне и исполнительный редактор журнала Journal of Arts Management, Law and Society .Ранее она работала старшим научным сотрудником в Центре искусства и культуры в Вашингтоне, округ Колумбия. Авторские права © 2008 Heldref Publications. Более ранняя версия этого комментария была представлена ​​на 33-й конференции по социальной теории, политике и искусству, проходившей в Нью-Йоркском университете 11-13 октября 2007 г.

Сноска

1. Не все согласны с тем, что перепись — хорошая отправная точка для подсчета художников. Для более глубокого обсуждения этой темы см. «Матрица карьеры: конвейер для художников в США» Энн Галлиган и Нил Апер, 2000.

Список литературы

• Галлиган, Энн и Нил Альпер. 2000. «Матрица карьеры: трубопровод для художников в Соединенных Штатах». В Общественная жизнь искусств , изд. Джони Чербо и Маргарет Дж. Вышомирски, 173-201. Нью-Брансуик, Нью-Джерси: Издательство Университета Рутгерса.
• Маклюэн, Маршалл, 1964. Понимание СМИ: Расширения человека . Нью-Йорк: Макгроу-Хилл.
• Смит, Адам, 1776. Богатство народов .Эдинбург: нет данных
• Тоффлер, Элвин, 1970. Шок будущего . Нью-Йорк. Случайный дом.
• Уильямс, Раймонд. 1958. Культура и общество, 1780-1950 . Нью-Йорк: издательство Колумбийского университета.

Народное искусство, традиционные ремесла: история, характеристика

Японское искусство | История, характеристики и факты

Общие характеристики

Изучение японского искусства часто осложнялось определениями и ожиданиями, сложившимися в конце 19-го и начале 20-го веков, когда Япония была открыта для Запада.Случай резко возросшего взаимодействия с другими культурами, казалось, потребовал удобного обобщения японских эстетических принципов, и японские историки искусства и археологи начали разрабатывать методологии для классификации и оценки обширного материала, начиная от керамики эпохи неолита и заканчивая гравюрами на деревянных блоках. Сформулированные частично на основе современных научных оценок и частично на основе обобщений энтузиастов-универсалов, эти теории о характеристиках японской культуры и, в частности, японского искусства не неожиданно несли предрассудки и вкусы того времени.Например, существовала тенденция рассматривать придворное искусство периода Хэйан (794–1185) как вершину японских художественных достижений. Эстетическое предпочтение изысканности, изображений, тонко наделенных метафорическим смыслом, отражало возвышенные нюансы придворных нравов, которые допускали лишь косвенные ссылки на эмоции и ценили внушение смелым заявлениям. В тандеме с канонизацией придворной эстетики Хэйан существовало представление о том, что эстетические чувства, связанные с чайной церемонией, были типично японскими.Этот общинный ритуал, разработанный в 16 веке, подчеркивал сверхсознательное сопоставление найденных и искусно созданных предметов в упражнении, призванном привести к тонким прозрениям. Это также подчеркнуло центральную роль косвенности и преуменьшения в японской визуальной эстетике.

Одним из самых важных прозелитизеров японской культуры на Западе был Окакура Какудзо. Как куратор японского искусства в Бостонском музее изящных искусств, он раскрыл тайны азиатского искусства и культуры признательным бостонским браминам.Как автор таких работ, как The Ideals of the East (1903), The Awakening of Japan (1904) и The Book of Tea (1906), он охватил еще более широкую аудиторию, жаждущую найти противоядие. к звенящей стали и извергающимся дымным трубам западного модерна. Япония — и в целом Азия — рассматривалась как потенциальный источник духовного обновления для Запада. Уроки Окакуры были ироничными, когда совершенно современный японский флот превратил в фарш гордого русского флота, идущего через Цусимский пролив в решающий момент русско-японской войны (1904–05).Эта на удивление воинственная Япония явно была чем-то большим, чем чай и паутина, и казалось, что, возможно, чрезмерно избирательное определение японского искусства и культуры могло исключить полезные намеки на насилие, страсть и глубоко влиятельные разновидности инакомыслия.

В начале 21 века поверхностные впечатления от Японии все еще создавали назойливый шизофренический образ, сочетающий полярные характеристики элегантной утонченности и экономического мастерства. Однако подводные камни чрезмерного упрощения были отмечены выше, и столетие научных исследований, как японских, так и западных, предоставило достаточно доказательств того, что наследие визуального выражения столь же сложно и разнообразно, как и более широкая культура, которая его породила.Тем не менее, в разнообразии различимых моделей и наклонностей можно распознать и охарактеризовать японцев.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Большая часть японского искусства несет на себе отпечаток обширного взаимодействия с внешними силами или реакции на них. Буддизм, зародившийся в Индии и распространившийся по всей Азии, был самым стойким средством влияния. Он предоставил Японии уже хорошо зарекомендовавшую себя иконографию, а также предложил перспективу взаимосвязи между изобразительным искусством и духовным развитием.Заметный приток буддизма из Кореи произошел в VI и VII веках. Международный стиль Китайский Тан был фокусом японского художественного развития в 8 веке, в то время как иконографии китайского эзотерического буддизма имели большое влияние с 9 века. Основные иммиграции китайских буддийских монахов чань (яп. Дзен) в 13 и 14 веках и, в меньшей степени, в 17 веках оставили неизгладимый след в японской визуальной культуре. Эти периоды воздействия и ассимиляции принесли не только религиозную иконографию, но и обширные и в значительной степени непереваренные черты китайской культуры.Японцам были представлены целые структуры культурного самовыражения, от письменности до политических структур.

Таким образом, были выдвинуты различные теории, описывающие развитие японской культуры и, в частности, визуальной культуры как циклический паттерн ассимиляции, адаптации и реакции. Признак реактивности иногда используется для описания периодов, когда процветают наиболее явно уникальные и коренные черты японского искусства. Например, в течение X и XI веков периода Хэйан, когда по политическим причинам прекратились обширные контакты с Китаем, произошла консолидация и широкое развитие самобытных японских стилей живописи и письма.Точно так же огромное влияние эстетики китайского дзэн, которая характеризовала культуру периода Муромати (1338–1573 гг.) И характеризовалась пристрастием к монохромной живописи тушью, на заре периода Токугава (1603–1867 гг.) Затмил смелый красочный жанр. и декоративная живопись, воспевающая расцвет родной культуры недавно объединенного народа. Однако понятие циклической ассимиляции с последующим утверждением независимости требует значительных нюансов. Следует признать, что, хотя были периоды, когда доминировали либо континентальные, либо местные формы искусства, обычно эти две формы сосуществовали.

Еще одна характерная черта японского искусства — понимание мира природы как источника духовного понимания и поучительного зеркала человеческих эмоций. Местная религиозная восприимчивость, которая задолго до буддизма, считала, что духовное царство проявляется в природе ( см. синтоизм). Скальные породы, водопады и корявые старые деревья рассматривались как обители духов и воспринимались как их олицетворение. Эта система верований наделила большую часть природы сверхъестественными качествами.Это, в свою очередь, воспитывало чувство близости и близости с миром духа, а также веру в общую доброжелательность природы. Цикл времен года был глубоко поучительным и показал, например, что неизменность и трансцендентное совершенство не были естественными нормами. Все понималось как подчиненное циклу рождения, осуществления, смерти и распада. Таким образом, импортированные буддийские представления о быстротечности были объединены с исконной тенденцией искать наставлений у природы.

Внимательная близость к природе развила и укрепила эстетику, в которой обычно избегали искусственности.При производстве произведений искусства естественным качествам составляющих материалов уделялось особое внимание, и они понимались как неотъемлемая часть любого общего значения, которое исповедует произведение. Когда, например, японская буддийская скульптура IX века перешла от лепных или бронзовых моделей Тан и на какое-то время превратилась в натуральное, неполихромированное дерево, уже древние иконографические формы были объединены с уже существовавшим и многоуровневым уважением к дереву.

Союз с природой также был элементом японской архитектуры.Казалось, что архитектура соответствует природе. Симметрия планов храмов в китайском стиле уступила место асимметричным схемам, которые следовали определенным контурам холмистой и гористой местности. Границы, существующие между структурами и миром природы, были намеренно скрыты. Такие элементы, как длинные веранды и несколько раздвижных панелей, открывали постоянные виды на природу, хотя природа часто была тщательно продумана и изготовлена, а не дикой и реальной.

Совершенно сформированное произведение искусства или архитектуры, не подвергшееся воздействию погодных условий и первозданное, в конечном итоге считалось далеким, холодным и даже гротескным.Эта чувствительность проявлялась и в тенденциях японской религиозной иконографии. Упорядоченная иерархическая сакральная космология буддийского мира, в основном унаследованная от Китая, несла в себе черты земной имперской судебной системы Китая. Хотя некоторые из этих черт были сохранены в японской адаптации, существовала также сопутствующая и неудержимая тенденция к созданию легко доступных божеств. Обычно это означало возвышение вспомогательных божеств, таких как Дзидзо Босацу (санскрит: Кшитигарбха бодхисаттва) или Каннон Босацу (Авалокитешвара), до уровней повышенной преданности культу.Сострадание, присущее верховным божествам, было выражено через эти фигуры и их иконографию.

Взаимодействие духовного и природного мира также было восхитительно выражено во многих повествовательных картинах, написанных в средневековый период. Истории об основании храмов и биографии святых основателей изобиловали эпизодами, описывающими как небесные, так и демонические силы, бродящие по земле и взаимодействующие с населением в человеческом масштабе. Была заметная тенденция к удобному приручению сверхъестественного.Резкое различие между добром и злом было мягко уменьшено, и потусторонние существа приобрели черты человеческой двусмысленности, которые предоставили им уровень доступности, прозаически искажая идеальное из любой крайности.

Еще более очевидные декоративные работы, такие как ярко полихромная надглазурная эмаль, популярная с 17 века, отобрали преобладание изображений поверхности из мира природы. Повторяющиеся узоры на поверхностях текстиля, керамики и лака обычно представляют собой тщательно проработанные абстракции природных форм, таких как волны или сосновые иглы.Во многих случаях узор, как своего рода намек или предположение о молекулярной субструктуре, предпочтительнее тщательно переданного реализма.

Японские художники внимательно наблюдают за повседневным миром человеческой деятельности. Например, человеческая фигура в множестве повседневных поз была запечатлена на память художником-гравером Хокусаем (1760–1849). Причудливый и юмористический стиль редко ускользал от взгляда многих анонимных создателей средневековых ручных свитков или экранных картин 17-го века. Кровь и запекшаяся кровь, будь то битва или преступный беспредел, были решительно записаны как неоспоримые качества человека.Точно так же чувственное и эротическое были переданы восхитительно и без цензуры. Благоговение и любопытство к природе распространились от ботаники на все аспекты человеческой деятельности.

Таким образом, спектр японского изобразительного искусства обширен, и некоторые элементы кажутся действительно противоположными. Освещенный манускрипт сутры XII века и мрачная сцена сэппуку (ритуальное выпотрошивание), выполненные художником-гравером XIX века Цукиока Ёситоши, могут быть приобщены к общей эстетике только самым искусственным образом.Таким образом, зрителю рекомендуется ожидать поразительного разнообразия. Тем не менее, в пределах этого разнообразного тела выражения некоторые характерные элементы кажутся повторяющимися: искусство, которое агрессивно ассимилирует, глубокое уважение к природе как модели, решительное предпочтение восторга догматическим утверждениям при описании явлений, склонность давать сострадание и человеческий масштаб к религиозной иконографии, а также привязанность к материалам как важным носителям смысла.

Африканское искусство | История, характеристики, типы, картины, скульптуры и факты

Общие характеристики

Трудно дать полезное обобщение основных характеристик искусства стран Африки к югу от Сахары.Разнообразие форм и практик настолько велико, что попытка сделать это приводит к серии утверждений, которые оказываются столь же верными, например, в отношении западного искусства. Таким образом, некоторое африканское искусство имеет ценность как развлечение; некоторые имеют политическое или идеологическое значение; некоторые играют важную роль в ритуальном контексте; а некоторые имеют эстетическую ценность сами по себе. Чаще всего произведение африканского искусства сочетает в себе несколько или все эти элементы. Точно так же есть художники, работающие полный и неполный рабочий день; есть художники, фигурирующие в политическом истеблишменте, и те, кого подвергают остракизму и презирают; и некоторые формы искусства могут быть созданы кем угодно, в то время как другие требуют преданности эксперта.Утверждения об основополагающей панафриканской эстетике следует рассматривать как весьма спорную.

Ткань из рафии

Ткань из рафии, производство Куба, Демократическая Республика Конго, середина ХХ века; в Академии художеств Гонолулу.

Фотография Л. Мандла. Академия искусств Гонолулу, дар Фонда семьи Роджерсов, 2004 г. (13 043,1)

Однако можно сделать еще несколько общих замечаний относительно статуса доколониального искусства к югу от Сахары. Во-первых, в любом африканском языке понятие «искусство», означающее нечто иное, чем умение, было бы скорее исключением, чем правилом.Это происходит не из-за каких-либо врожденных ограничений африканской культуры, а из-за исторических условий, в которых европейские культуры пришли к своей концепции искусства. Западное отделение изящного искусства от низшего ремесла (то есть полезного мастерства) произошло в результате череды социальных, экономических и интеллектуальных изменений в Европе, которые не происходили в Африке как минимум до колониального периода. Это разделение, таким образом, не может применяться без оговорок к африканским традициям доколониального происхождения.Философы искусства на Западе могли бы согласиться с тем, что произведения искусства — это просто артефакты, созданные с намерением обладать эстетической ценностью, и в этом смысле искусство, которое будет включать как ремесленные изделия, так и произведения изобразительного искусства, действительно можно будет найти во всех частях мира. Африка (как и во всей человеческой культуре). Но даже в этом случае африканское искусство следует понимать через исследование и понимание местных эстетических ценностей, а не через навязывание категорий внешнего происхождения.Это может быть поле с кучей хорошо пропаханного батата (как, например, у тивов в Нигерии) или демонстрационный бык, кастрированный для усиления его визуального эффекта (как у скотоводов нуэр и динка в Южном Судане), который представляет собой значительное произведение искусства в данной области Африки.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Популярное представление об искусстве на Западе, однако, сильно отличается, поскольку считается, что оно включает маски и очень мало чего еще, кроме, пожалуй, «местного колорита».Это заблуждение было усилено вышеупомянутой европейской концепцией изобразительного искусства, но оно могло возникнуть из-за зависимости в течение первого периода западного интереса к африканскому искусству от коллекционных артефактов, некоторые из которых (например, скульптуры) полностью вписывались в категорию изобразительного искусства, в то время как другие (например, текстиль и керамика) были отклонены как ремесленные изделия. Долгое время считалось, что африканская живопись не существует в значительной степени, в основном потому, что ее можно было найти на коже человеческих тел, на стенах домов и на скалах, ни одна из которых не была предметом коллекционирования.Ясно, что эстетическое поле в Африке не так уж и ограничено.

Другое заблуждение состоит в том, что на Западе искусство создается ради искусства, в то время как в доколониальной Африке искусство было исключительно функциональным. Мотив создания любого произведения искусства неизбежно сложен как в Африке, так и в других местах, и тот факт, что большинство скульптурных артефактов, известных в Африке, были созданы с учетом некоторого практического использования (будь то для ритуальных или других целей), не означает что их нельзя одновременно оценивать как источники эстетического удовольствия.

Также часто предполагается, что африканский художник ограничен традициями, что контрастирует со свободой, данной западному художнику. Но, хотя есть традиции искусства, в которых ожидания покровителей требуют повторения определенной формы в африканском искусстве, существуют также традиции доколониального происхождения, требующие высокого уровня изобретательской оригинальности — например, шелковое ткачество Asante и вышивка из рафии Куба. . Есть и другие традиции, в которых стандартная форма может быть украшена настолько тщательно, насколько пожелает художник или покровитель.Важным моментом является то, что определенные традиции поощряют творчество.

При этом можно выделить некоторые общие характеристики африканского искусства. Среди них — новаторство формы, т. Е. Забота африканского художника об инновациях и творчестве; визуальная абстракция и стилизация; визуальное сочетание уравновешенной композиции и асимметрии; первенство скульптуры; преображение и украшение человеческого тела; и общая множественность значений.Следует также отметить, что основной составляющей традиционного африканского искусства является перформанс и сборка. Сочетание музыки, танца, одежды и телесных украшений, а также скульптуры и масок часто придает значимость и динамизм отдельным предметам искусства.

Стиль, племя и этническая принадлежность

Обычным местом критики африканского искусства было определение определенных стилей в соответствии с предположительно племенными именами, например, Асанте, Куба или Нуба.Однако концепция племени проблематична, и от нее обычно отказываются. Фактически, «племенные» названия иногда относятся к языку, на котором говорят, иногда к политическим образованиям, а иногда и к другим группам, однако границы между народами, говорящими на разных языках или признающими разных вождей, не обязательно совпадают с их соответствующими племенными границами. Более того, сама идея племени — это попытка навязать идентичность извне. То, что это произошло, понятно, учитывая требования колониальной администрации, но эта историческая случайность не может помочь в понимании динамики стилистических вариаций в Африке.Чувство идентичности, которое люди и группы, несомненно, имеют с другими, которое неправильно понималось как «племя», но которое лучше называть «этнической идентичностью», — это то, что проистекает из отношений, построенных через множество различных сетей: с кем можно жениться , язык и религиозная принадлежность, руководитель, авторитет которого каждый признает, кто его предки, вид работы, которую он выполняет, и так далее. Иногда африканское искусство играет в этом роль, например, когда религиозный культ, вождь или гильдия использует отличительные артефакты как знак уникальности.Иногда границы основаны на языковых различиях, но это может быть случайным совпадением.

Что касается различий в стилях, закономерностях формы и традициях, то можно отнести определенные африканские предметы искусства к определенным местам, регионам или периодам. Четыре различных переменных делают возможной такую ​​стилистическую идентификацию. Во-первых, это география: при прочих равных, люди в разных местах склонны делать или делать что-то по-разному. Во-вторых, это технология, поскольку в некоторых областях стили зависят от используемого материала.Третий — индивидуальность, в которой эксперт может идентифицировать работы отдельных художников; неспособность сделать это обычно происходит из-за незнания. Четвертый — институт, в котором создание произведений искусства происходит под влиянием социальных и культурных институтов, характерных для любого данного места. Но артефакты можно продать, а затем скопировать; сами художники могут путешествовать; учреждения вместе со связанными с ними артефактами могут перемещаться или распространяться из одной области в другую, иногда потому, что они копируются соседними людьми, иногда потому, что они покупаются, а иногда в результате завоевания.Конечным результатом является стилистическая сложность африканского искусства, не поддающаяся простой классификации.