Напишите сочинение о любом произведении искусства в 75 слов.В сочинение надо рассказать о

Вставь буквы. Подчеркни лишнее слово.а) совет_ватьнегод_оватьогранич_ватьв) оруд_валинегод_ватьвысматр_валипроповед_ватьг)бесед_ватьучаств_ватьзагад_в
…

атьб) вслуш_валисьпосме_валисьскоманд_вали​

Выделенные глаголы разберите Письменно. Текст какого стиляя бы в лётчики пошёл —Пусть меня научат.Наливаю в бак бензинЗавожу пропеллер.В небеса мотор
…

вези,Чтоб взамен низинРядом птицы пелиБояться не надоНи дождя ни града(В. Маяковский)Разобрать слово «Бояться»Даю 10 б!!!!!​

Ильяс ЖансугуровИграй свой кюй, домбра, играй, Да десять пальцев, что вольныНапев чудесный разливай,Любые вызывать ветра.Журчи, как горные ручьи,Скачи
…

те, пальцы, словно конь,На сердце радость напевай.B прекраснейшей из всех погонь,Чтоб весь туман в горах исчез. Играй ещё сильней, домбра!Чтоб тучи все сошли с небес, Эй, слушай, трудовой народ,Чтоб всё заслушалось тебя,Как сладостно домбра поётТвои напевы полюбя,В руках народного кюйши. Ещё сильней, домбра, играй! И даль степей, и страсть души -Три колышка да две струны,Всё обращает в кюй игра!Да девять узелков — домбра, Играй ещё сильней, домбра!найди однородные предложение!помогите пожалуйста❤заранее спасибо​

Представьте, что вы учёный-астроном, который открыл новую звезду. Напишите рассказ об этом событии. ЗАВТРА СОЧ !!! помогите пж 40 БАЛЛОВ ДАЮ

545 Ответьте на вопросы.50 баллов пж«Тонкие» вопросы«Толстые вопросы1. Какой народ жил в «градебогатом»?1. Почему люди жили счастр-ливо в этом городе?
…

2. Как встречал гостей народ?2. Что любили люди этогогорода?3. Какое чувство сталосъедать людские сердца?3. Почему люди «другойстороны» решили напастьна город?4. Как поступили с посламивраги?4. Кого послали жители горо-да в неприятельский стан?5. Что делали жители городавесь оставшийся день и всюночь?5. Что поняли жителигорода?​

Всё на фото помоги пж пж пж пж пж пж пж​

Здравствуйте помогите пожалуйста срочно нужно!
Выполните задания:
1 Выделите те части слова,в которых пропущены буквы. объясните их написание
2 Выпишит
…

е несколько слов: а)с проверяемой гласной в корне;б)непроверяемой гласной в корне
(Текст в фото)

588. Устно составьте небольшое сочинение-рассуждение в научном стилеречи, раскрывая смысл высказывания русского писателя К. Паустовского:«Нет таких зв
…

уков, красок, образов и мыслей, для которых не нашлось быв русском языке точного выражения».СРОЧНО!!!!! СРОЧНО!!!! СРОЧНО!!!! СРОЧНО!!!! ​

Составить небольшой текст, включив в него не менее 10 слов с изученными орфограммами (5 Класс). Орфограммы обозначить (зачет).

помогите пожалуйста!!!надо зделать задания после текста ​

Произведение искусства – HiSoUR История культуры

Термины произведения искусства и художественной работы – это имена, которые даются произведению творчества в области искусства, творение, которому приписывается эстетическая или социальная функция. Учитывая классическую идентификацию понятия «искусство» с изобразительным искусством, понятие произведения искусства обычно ограничивается произведениями этих произведений: пластических искусств, называемых основными искусствами (живопись, скульптура и архитектура), литературные произведения и музыкальные произведения.

Термин шедевр в контексте искусства и эстетики, как правило, зарезервирован для тех произведений, будь то художественных или просто технических, по какой-либо причине считается особенно достойным восхищения. Происхождение термина «шедевр» восходит к гильдиям средневековья в Европе в отношении ремесленного произведения, сделанного любым аспирантом, который в гильдии хотел получить титул мастера. Со временем этот термин стал синонимом magnum opus, то есть работы, которая считается самой ценной среди всех тех, которые производятся ремесленником, художником или писателем. В нынешнем смысле этого слова «шедевр» все чаще используется в качестве хвалебного термина, независимо от того, ссылается ли он на лучшую работу автора (в этом смысле часто признается, что художник, например, художник, написал больше шедевра).

контекст
Конкретный художественный объект часто рассматривается в контексте художественного движения или имеет более широкий художественный характер, как жанр, эстетическую конвенцию, культуру или основанную на региональном и национальном различии. Его также можно рассматривать как часть «набора работ» художника.

Помимо «произведения искусства», которое может быть использовано для любой работы, рассматриваемой как искусство в самом широком смысле, включая произведения из литературы и музыки, эти термины применяются в основном к осязаемым, переносимым формам визуального искусства:

Пример изобразительного искусства, такого как живопись или скульптура
Объект, который был разработан специально для его эстетической привлекательности, например, ювелирного изделия
Объект, который был разработан для эстетической привлекательности, а также функционального назначения, как в дизайне интерьера и много народного искусства
Объект, созданный для принципиально или полностью функциональных, религиозных или других неэстетических причин, которые стали восприниматься как искусство (часто позже или посторонние культуры)
Нефемерная фотография, фильм или визуальная компьютерная программа, такая как видеоигра или компьютерная анимация
Работа монтажного искусства или концептуального искусства.
Используется в более широком смысле, этот термин реже применяется к:

Прекрасная работа архитектуры или ландшафтного дизайна
Производство живых выступлений, таких как театр, балет, опера, исполнительское искусство, музыкальный концерт и другие исполнительские искусства, а также другие эфемерные, неосязаемые творения.
В этой статье рассматриваются термины и понятия, используемые в визуальных искусствах и применяются к ним, хотя в других областях, таких как звуковая и письменная словесная литература, есть похожие проблемы и философии. Термин объект искусства предназначен для описания произведений искусства, которые не являются картинами, отпечатками, рисунками или крупными или средними скульптурами или архитектурой (например, предметы домашнего обихода, фигурки и т. Д., Некоторые чисто эстетические, некоторые также практические). Термин oeuvre используется для описания полного объема работ, выполненных художником на протяжении всей карьеры.

Определение
Произведение искусства в изобразительном искусстве представляет собой физический двух- или трехмерный объект, который профессионально определяется или иным образом считается выполненным в первую очередь независимой эстетической функцией. Особый художественный объект часто встречается в контексте более масштабного художественного движения или художественной эпохи, таких как: жанр, эстетическая конвенция, культура или регионально-национальное различие. Его также можно рассматривать как предмет в «работе» художника или творчестве. Этот термин обычно используется кураторами музеев и культурного наследия, заинтересованной общественностью, коллекцией коллекционеров художественных патронов и частных художников и художественными галереями.

Физические объекты, которые документируют нематериальное или концептуальное искусство, но не соответствуют художественным соглашениям, могут быть переопределены и реклассифицированы как объекты искусства. Некоторые концептуальные и готовые работы Dada и Neo-Dada получили позднее включение. Кроме того, некоторые другие примеры архитектурных рендерингов и моделей незастроенных проектов, таких как Витрувий, Леонардо да Винчи, Фрэнк Ллойд Райт и Фрэнк Гери.

Продукты экологического дизайна, в зависимости от намерения и исполнения, могут быть «произведениями искусства» и включать в себя: сухопутное искусство, художественное оформление, архитектуру, сады, ландшафтную архитектуру, монтажное искусство, наскальное искусство и мегалитические памятники.

Юридические определения «произведения искусства» используются в законодательстве об авторском праве; см. Изобразительное искусство § Авторское определение авторского права на визуальное искусство.

Теории
Марсель Дюшам критиковал идею о том, что произведение искусства должно быть уникальным продуктом труда художника, представляющим их техническое мастерство или художественный каприз. Теоретики утверждают, что объекты и люди не имеют постоянного значения, но их значения формируются людьми в контексте их культуры, поскольку они обладают способностью что-то означать или означать что-то.

Художник Майкл Крейг-Мартин, создатель дубового дерева, сказал о своей работе: «Это не символ. Я изменил физическое вещество стакана воды на дуб. Я не изменил его внешний вид. фактический дуб физически присутствует, но в виде стакана воды ».

Отличительные особенности
Некоторые теоретики и писатели уже давно проводят различие между физическими качествами предмета искусства и его статусом идентичности как произведения искусства. Например, картина Рембрандта имеет физическое существование как «масляная живопись на холсте», которая отделена от ее идентичности как шедевр «произведение искусства» или магнум-опус художника. Многим произведениям искусства вначале отрицают «качество музея» или художественные достоинства, а затем становятся принятыми и ценными в музейных и частных коллекциях. Примерами являются работы импрессионистов и нерепрезентативных абстрактных художников. Некоторые из них, такие как «Readymades» Марселя Дюшана, включая его печально известный писсуар, позже воспроизводятся в качестве реплик качества музея.

Существует неопределенное различие для текущих или исторических эстетических предметов: между предметами «изобразительного искусства», сделанными «художниками»; предметы народного творчества, ремесла или «прикладного искусства», созданные дизайнерами, ремесленниками и ремесленниками «первого, второго или третьего мира». Вот некоторые примеры современного и археологического местного искусства, предметов промышленного дизайна в ограниченном или массовом производстве и мест, созданных экологическими дизайнерами и культурными ландшафтами. Этот термин постоянно доступен для обсуждения, пересмотра и переопределения.

Шедевры и история
С требованием о «шедевре», в котором было продемонстрировано превосходство в области торговли, гильдии регулировали со времен средневековья доступ художников к состоянию учителя к различным искусствам, как и в других ремеслах. Ренессанс, разделяя искусство и ремесла, все еще поддерживая гильдийские учреждения, поощрял появление полных художников, которым удалось преуспеть в более чем одном из изобразительных искусств или во всех них, выполняя идеал гуманизма (Леонардо да Винчи , Мигель Анхель). В Испании некоторым художникам удалось выступить в трех основных искусствах.

Формы и жанры

В литературе:
литературное произведение
стих
Повествование: басня, рассказ, художественная сказка, повесть, роман, эпос, versepos
Эссе, афоризм

На сцене:
Исполняющий обязанности: Комедия, трагедия
Сингспиль: опера, оперетта, мюзикл
Балет, танцевальный театр, современный танец
Кабаре: кабаре (литературно-политический)

На радио:
радиопостановок
особенность
на экране и экране:
кинофильмы
короткий фильм
экспериментальная пленка
ТВ-фильм

В музыке: музыкальная работа
Опера, оперетта, оратория, кантата
Песня, мадригал, шансон, куплет
Соната, струнный квартет, симфония …

В изобразительном искусстве:
Пластмасса, скульптура, предметное искусство, коллаж, Décollage, окружающая среда, помощь
Картины, городское искусство, граффити, графика, гравюра, размытие
Фотография, фотомонтаж, плакат
Performance, Happening,

В публичном пространстве
Фонтаны, памятники, мемориалы, порталы (бронзовая дверь)
Действие Искусство, Происшествие, Fluxus
Землеустройство, монтаж, граффити, уличное искусство

Междисциплинарная:
Gesamtkunstwerk

Современное искусство
В современном искусстве область изобразительного искусства расширилась и снова включена в престижное прикладное искусство в рамках дизайна, а также включает в себя новые виды искусства: фотографии (с ее последовательными технологическими вариантами и новыми опорами, такими как аниме, мультфильмы, кинематография, телевидение , манга, видеоарт, видеоигры и т. д.), комиксы и сложнее классифицировать проявления, такие как / производительность, концептуальные искусства и так называемые художественные инсталляции.

Теоретические аспекты
Цель эстетики и теории искусства состоит в том, чтобы определить природу, цель и функцию искусства, и, таким образом, если целью произведения искусства является подражать природе (мимесис), ограничиться тем, что оно является объектом искусства. красота сама по себе (с абстракцией любой другой ссылки), быть средством выражения художника или общения с зрителем, придавать некоторый смысл или символизм (в которых сосредоточены семиотика и иконография). Свободный характер искусства (бескорыстное искусство или искусство для искусства) понимает произведения искусства, а не полезные или практические предметы, хотя многие из них имеют утилитарные функции (например, жилье или распространение политических или религиозных сообщений).

Произведения искусства, поразившие меня (сочинение-описание) | краткое содержание, анализ, биография, характеристика, тест, отзыв, статья, реферат, ГДЗ, книга, пересказ, сообщение, доклад, литература | Читать онлайн

Тема: «П». Сочинения на свободную тему

Конечно, существует очень много произведений искусства, которыми восхищается не одно поколение людей, но мне хочется рассказать об обыкновенной картине, которая висит на стене у меня в комнате. Как-то мы с мамой пошли на вернисаж. Картин было великое множество, так что очень трудно было остановить свой выбор на чем-то конкретном. От всевозможных пейзажей, написанных в разных стилях, разболелись глаза. Был самый разгар лета, и все изнывали от жары. И вдруг как будто откуда-то повеяло прохладой. Мой взгляд остановился на картине средних размеров. Она была написана так живо, что на мгновение мне показалось, будто я перенеслась на зеленую живописную полянку, усеянную цветами. Вековые дубы по обеим сторонам дороги, проходящей через поляну, дают прохладную тень, сквозь их густые кроны пробиваются яркие лучи солнца. А дальше — река и бесконечные заливные луга. Мне показалось, будто распахнулось окно и впустило в комнату прохладу и свежесть. Захотелось разуться и босиком побежать по дороге к реке и посмотреть, что там за поворотом. Мы купили эту картину. Дома мы долго определяли, куда повесить ее. Наконец нашли место для нее: в моей комнате, на стене против окна, выходящего на восток. И снова произошло чудо. В замкнутом пространстве картина совершенно преобразилась: краски ее стали более глубокими и яркими. И что самое удивительное: рассматривая картину, каждый раз я находила в ней что-то новое. Мне порой даже кажется, что она живая. Днем она дышит покоем и умиротворенностью. Вечером на картине тоже наступают сумерки. Лес темнеет, только светлыми пятнами выделяются небо и река, и на фоне неба ветки деревьев. Материал с сайта //iEssay.ru Все становится таинственным и загадочным. Ранним утром цветы на поляне и зеленая трава такие свежие и чистые, словно только умытые росой! Хочется подойти к дубу и потрогать шероховатую кору, согретую солнцем.

Когда мне бывает грустно, я сажусь в кресло и смотрю на картину. Проходит время, и от моей грусти не остается и следа, а все мои переживания и обиды кажутся мелкими и ничего не стоящими. Иногда я думаю, что с приобретением этой картины у нас дома что-то изменилось. Все стали добрее, терпимее, заботливее и ласковее друг к другу.

На этой странице материал по темам:

• произведения искусства сочинение
• произведение искусства которое поразило меня
• отзыв о произведение искусства
• доклад о произведении искусства
• сочинение отзив о произведении исскуства

Сочинение-рассуждение по обществознанию: Что такое искусство?

• Сочинения
• Свободная тема
• Мое любимое произведение искусства

Я своим любимым автором считаю Уильяма Шекспира, а его Гамлет величайшей работой. У этого есть несколько причин, которые я продемонстрирую примерами и пояснениями. Одна из многих причин такого утверждения — изящное использование слов Шекспиром. Лучшую шекспировскую речь лучше всего озвучивает, пожалуй, лучший драматический персонаж, когда-либо написанный, Гамлет.

Гамлет становится эффективным рупором слов Шекспира, поскольку сам Гамлет, кажется, придумывает слова и признает их силу. Одна из сцен, которая выражает фантазию Гамлета словами, это когда он думал о найме актеров и постановке пародии в своем стремлении к мести. Гамлет думал о том, чтобы устроить симуляцию убийства своего отца, которая была дополнена его комментариями, в качестве средства расследования, виновен ли Клавдий в убийстве своего отца. Есть несколько случаев в пьесе, которые предполагают, что Гамлет любит эту фразу и осознает их потенциал. Эта тяга к словам привела его к постановке пьесы, пародии с твердым убеждением, что слова могут помочь ему в его стремлении к мести.

В некотором смысле, по-моему мнению, произведение построено так, что Гамлет сам видится мне автором. Гамлет даже выразил волнение, когда услышал, что прибывает актерская труппа: «О, Иеффай, судья Израиля, какое сокровище у тебя!». Волнение Гамлета прибытием актерской труппы может быть связано с его пристрастием к словам. То, что может предложить актерская труппа, это игра, пародия, форма общения, которая использует повышенный язык. Время Шекспира можно считать одной из золотых эпох пьес. Игры рассматриваются как эффективный способ общения, так как они обычно непосредственно направлены на эмоции аудитории. Гамлет хотел напасть на эмоции Клавдии и посмотреть, не потрясет ли он организованное использование слов.

Однако, любимым моим произведением Гамлет является, потому что в нём содержится огромный культурный и лингвистический смысл. Чтобы поддержать утверждение, что Гамлет доверял словам как своему первоначальному оружию для мести, в пьесе есть и другие случаи, когда Гамлет использовал слова, чтобы достичь того, к чему он стремится. Это особенно заметно в его любовных письмах к Офелии. Такие красивые слова могут сделать холодное сердце женщины более мягким: «к небесному идолу моей души, самой украшенной Офелии «(Шекспир 107, Акт 2, Сцена 2, Линии 109-119). Слова, использованные в этом стихотворении, были настолько эффективны, что Гамлет смог поймать любовь Офелии. Эти слова, вероятно, могли добавить к причинам безумия Офелии. Невероятное построение из смысла и метанаратива делает Гамлета фундаментальной работой, которую я прочту ещё множество раз.

Моя будущая профессия программист

Я хочу быть программистом. Я интересуюсь компьютерами. Это целый новый мир.

Многие люди идут по стопам своих родителей или дедушек и бабушек, но со мной дело обстоит наоборот. Моя мать – учительница, а отец – врач. Но я не хочу быть ни учителем, ни врачом.

Мои любимые предметы в школе – математика, физика и, конечно, программирование. Я не интересуюсь такими предметами, как география, биология или химия. Мое хобби – компьютерные игры и программирование.

Подробнее…

Произведения искусства, поразившие меня (сочинение-описание)

Конечно, существует очень много произведений искусства, которыми восхищается не одно поколение людей, но мне хочется рассказать об обыкновенной картине, которая висит на стене у меня в комнате. Как-то мы с мамой пошли на вернисаж. Картин было великое множество, так что очень трудно было остановить свой выбор на чем-то конкретном. От всевозможных пейзажей, написанных в разных стилях, разболелись глаза. Был самый разгар лета, и все изнывали от жары. И вдруг как будто откуда-то повеяло прохладой. Мой взгляд остановился на картине средних размеров. Она была написана так живо, что на мгновение мне показалось, будто я перенеслась на зеленую живописную полянку, усеянную цветами. Вековые дубы по обеим сторонам дороги, проходящей через поляну, дают прохладную тень, сквозь их густые кроны пробиваются яркие лучи солнца. А дальше — река и бесконечные заливные луга. Мне показалось, будто распахнулось окно и впустило в комнату прохладу и свежесть. Захотелось разуться и босиком побежать по дороге к реке и посмотреть, что там за поворотом. Мы купили эту картину. Дома мы долго определяли, куда повесить ее. Наконец нашли место для нее: в моей комнате, на стене против окна, выходящего на восток. И снова произошло чудо. В замкнутом пространстве картина совершенно преобразилась: краски ее стали более глубокими и яркими. И что самое удивительное: рассматривая картину, каждый раз я находила в ней что-то новое. Мне порой даже кажется, что она живая. Днем она дышит покоем и умиротворенностью. Вечером на картине тоже наступают сумерки. Лес темнеет, только светлыми пятнами выделяются небо и река, и на фоне неба ветки деревьев. Материал с сайта //iEssay.ru Все становится таинственным и загадочным. Ранним утром цветы на поляне и зеленая трава такие свежие и чистые, словно только умытые росой! Хочется подойти к дубу и потрогать шероховатую кору, согретую солнцем.

Когда мне бывает грустно, я сажусь в кресло и смотрю на картину. Проходит время, и от моей грусти не остается и следа, а все мои переживания и обиды кажутся мелкими и ничего не стоящими. Иногда я думаю, что с приобретением этой картины у нас дома что-то изменилось. Все стали добрее, терпимее, заботливее и ласковее друг к другу.

Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском ↑↑↑

На этой странице материал по темам:

• отзыв на произведение искусства
• произведение искусства и литературы сообщение
• отзыв на тему произведение искусства
• произведение искусства которое поразило меня
• произведение искусства которое меня поразило

Сочинение на тему “Великая Отечественная Война”

Прошло уже семьдесят лет с тех пор, как кончилась великая война. Тогда стояла цветущая весна. На улицах обнимались незнакомые люди, у радиоприемников выстраивались очереди: послушать радостные новости. Той весной наш народ начал с энтузиазмом восстанавливать руины страны: врага прогнали, пора навести порядок в доме.
Мы не любим войн, потому что их начинают за свои интересы политики, богачи или фанатики. Но Отечественная война называется Великой, потому что велик был народный подвиг.

Подробнее…

Популярные сочинения

• Характеристика и образ Епиходова в пьесе Вишневый сад
  В произведении Вишневый сад Чехов показывает безнадежность, с которой сталкиваются аристократы, а после этого и вся страна. Старое поколение аристократов, которых олицетворяет Гаев, не имеет возможности
• Сочинение по картине Владимирка Левитана (описание)
  Произведение относится к зрелому периоду творчества художника, написанное им с натуры во время проживания автора во Владимирской губернии и являющееся одним из трех крупных по размеру полотен художника.
• Сочинение-описание картины Саня Маликов (Пластов)
  Картина Пластова «Саня Маликов» довольно таки трогательна и мила. Основным героем на холсте является рыжеволосый мальчик лет 12-ти от роду. Узенькое и бледное лицо ребенка указывает на то

«Искусство в нашей жизни»

Искусство это одна из важнейших ступеней в эволюции ҹеловека. Искусство помогает ҹеловеку смотреть на мир с разных тоҹек зрения. Многие люди посвящают себя полностью одному из загадоҹных явлений в мире, а некоторые сҹитают его священной религией. История искусства, как такового, наҹинается с древних времен, когда люди общались между собой посредством настенной живописи. Вскоре ҹеловек открыл письменность, но он даже не догадывался, каким сильным толҹком это явилось для развития искусства. С каждой эпохой, с каждым столетием оно все более и более совершенствуется ҹеловеком. Во все времена искусство помогало ҹеловеку развивать свои способности, улуҹшать абстрактное мышление. На протяжении столетий ҹеловек старался все сильней изменять искусство, улуҹшать его, углублять свои познания. Искусство это великая тайна мира, в которой скрыты секреты истории нашей жизни. Искусство это наша история. Порой в нем можно найти ответы на те вопросы, на которые не могут ответить даже самые древние манускрипты. Искусство играет важнейшую роль в нашей жизни и в жизни молодежи, помогая морально расти будущим поколениям. Каждое поколение вносит свой вклад в развитие ҹеловеҹества, культурно обогащая его. Не будь искусства, мы вряд ли бы смогли посмотреть на мир с разных тоҹек зрения, по-другому, заглянуть за рамки обыденного, ҹувствовать немного острее. Искусство, как большая религия, соҹетающая в себе разные веры, состоит из разлиҹных видов: литературы, живописи, скульптуры, танца, театра, кино. Искусство, как и ҹеловек, имеет много маленьких прожилок, кровеносных сосудов, органов. Без литературы мы бы никогда не узнали, ҹто когда-то давно на свете жил замеҹательный ҹеловек и писатель Виктор Гюго или, например, Александр Сергеевиҹ Пушкин. Мы бы ниҹего не знали о том времени, когда они жили. Без литературы мы никогда бы не узнали, ҹто такое религия, и никогда не ведали, ҹто где-то на небе существует Бог, а под землей Сатана, и между ними веҹная вражда между Добром и Злом. Известный советский писатель Михаил Афанасьевиҹ Булгаков в своем романе Мастер и Маргарита описывает веҹную вражду между Добром и Злом. Все прекрасное в мире создано добротой, но если это прекрасное притягивает к себе с дьявольской силой, то оно создано злом. Булгаков представляет в романе силы Зла, охватившие город смутой и перевернувшие все с ног на голову. Чертовщина расползлась по всему городу, делая прекрасное, созданное Добротой, дьявольски прекрасным, которое притягивает к себе, и забыть его невозможно. Затем силы искусно, как скульпторы, лепят из людей то, ҹто им приходит на ум. Героиня романа Маргарита полуҹила у Злых сил особенное назнаҹение, и для этого они дали Маргарите волшебный крем, намазавшись которым, она стала необыҹайно красивой: Кожа-то! Кожа, а? Маргарита Николаевна, ведь ваша кожа светится. Но Булгаков, по какой-то приҹине, делает Сатану оҹень гуманным, он не изменяет Прекрасное, а только усиливает его воздействие на всех. Этот роман помогает более глубоко понять, ҹто такое Зло и ҹто такое Добро, давая в полной мере осознать, ҹто Доброе Прекрасное неприметно, по сравнению с Дьявольски Прекрасным. Искусство можно ставить на одну ступень с наукой, возможно, даже выше, потому ҹто в первую оҹередь ҹеловек должен науҹиться ҹувствовать окружающий мир, видеть и осознавать себя неотъемлемой его ҹастью. Литература имеет огромный запас тайн и огромный объем истории, благодаря которой мы луҹше понимаем окружающий мир, становимся мудрее. Благодаря литературе мы становимся образованнее, узнаем историю своих предков. Историю можно также узнать из книг замеҹательного писателя, нашего современника, Бориса Акунина. Его романы насыщены историҹескими событиями, приклюҹениями, интригами это настоящие произведения литературного искусства. Для меня литература не является увлеҹением. Но ҹто бы мы делали без литературы? Наверное, умирали бы со скуки. Наши предки нам в наследство оставили великое множество литературных произведений и были бы не против, если бы мы заглянули в них хоть одним глазком. Искусство делает мир людей более прекрасным, живым и ярким. Например, живопись: сколько до нашего времени дошло старинных картин, по которым можно определить, как жили люди два, три, ҹетыре и более веков назад. Сейҹас много картин, написанных нашими современниками, и ҹто бы это ни было: абстракция, реализм, натюрморт или пейзаж, живопись это прекрасное искусство, при помощи которого ҹеловек науҹился видеть мир ярким и красоҹным. Архитектура еще один из важнейших видов искусства. По всему миру рассеяно огромное колиҹество прекраснейших памятников, и они не просто называются памятниками они содержат в себе велиҹайшие тайны истории и память о них. Иногда эти тайны не могут разгадать уҹеные всего мира. Искусство помогает нам осваивать науки и постепенно углублять свои знания. И как уже упоминалось выше, оно является важнейшей ҹастью ҹеловеҹеского развития. Итак, искусство влияет на нашу жизнь со всех сторон, делает ее разнообразной и яркой, живой и интересной, насыщенной, помогая ҹеловеку все луҹше и луҹше понимать свое предназнаҹение в этом мире.

Сочинение “День здоровья в школе”

Что в нашей жизни значит здоровье? Пока оно есть – не очень много, о нем даже не задумываешься, уделяя внимание другим вещам. Многое кажется нам важным, даже необходимым: деньги, карьера, учеба, друзья… И это действительно так, все это имеет вес, но стоит здоровью вас подвести, как все остальное уходит на задний план.

К сожалению, человеческий организм довольно хрупок, он подвержен болезням и повреждениям. А болезнь, в свою очередь, может спровоцировать множество разных факторов: это и вирусы, и бактерии, и разные патологии нашего организма. Можем ли мы всему этому противостоять? Конечно, да! Возможно, защититься от всего не получится, но попытаться нужно обязательно.
Подробнее…

Сочинение “Я хочу стать военным”

Когда меня спрашивают о том, кем бы я хотел стать в будущем, при ответе на этот вопрос у меня не возникает сомнений – я хочу стать военным. Посвятить свою жизнь службе родной стране и защите близких, что может быть отважнее и благороднее? Так сложилось, что все мужчины в моей семье были военными. Мой прадед героически сражался на Великой Отечественной войне и был награжден орденом Великого Красного Знамени посмертно, мой дед также добросовестно служил своей стране, а отец добровольно пошел в армию, несмотря на просьбы матери не делать этого.

Подробнее…

Реферат «Мое любимое произведение искусства»

Гребнева Тамара Александровна

15. 09.2015

Мой любимый вид искусства (мое любимое произведение искусства)

Одним из самых любимых мною видов изобразительного искусства является живопись, где с помощью красок создаются прекрасные произведения, авторы которых доносят до зрителя свое миропонимание, свое отношение к жизни, к происходящим в обществе событиям. «Живопись – важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей, обладает существенным социальным содержанием и разнообразными идеологическими функциями» — читаем мы в Советском Энциклопедическом Словаре. С помощью композиции, рисунка, цвета (колорита) конкретизируется идейный замысел произведения живописи. Выразительность живописи определяется и характером мазка, обработкой красочной поверхности. Передача объема и пространства связана с линейной и воздушной перспективой, светотеневой моделировкой, использованием тональных градаций и пространственных качеств теплых и холодных цветов. В зависимости от замысла художника, живопись разделяется на жанры: бытовой, исторический, батальный, портрет, пейзаж, натюрморт и др. Великий итальянский художник Леонардо да Винчи, кисти которого принадлежат прекрасные портреты, работал и в технике настенной живописи (фреска). Великими мастерами живописи были художники разных исторических периодов и разных народов. Нельзя умалить значение творчества художников, посвятивших свою жизнь служению искусству, оставивших свое наследие в виде шедевров живописи, глядя на которые мы учимся, наслаждаемся, становимся добрее.

Одним из ярких представителей художников-живописцев является Василий Иванович Суриков, творчество которого особенно проявилось в историческом жанре. Кисти его работ принадлежат такие произведения живописи, как «Утро стрелецкой казни», «Взятие снежного городка», «Переход Суворова через Альпы», «Степан Разин», «Меншиков в Березове», «Покорение Сибири Ермаком» и многие другие. Особенно мне нравится удивительное его произведение — «Боярыня Морозова».

Василий Иванович Суриков – великий русский исторический живописец, в искусстве которого воплотился национальный гений. Значение его творчества осознается не сразу, постепенно, когда человек приобретает опыт, воспитает в себе душевную мудрость. Автор замечательных живописных произведений: «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Взятие снежного городка», «Степан Разин» и многих других, Суриков отражает различные исторические события в своих произведениях, рассматривая которые, мы ощущаем себя частичкой этих событий, пытаемся оценить их содержание и мастерство художника. Но одно его произведение, на мой взгляд, не может оставить равнодушным ни одного зрителя, хоть немного почитающего живопись и искусство в целом – картина «Боярыня Морозова».

Прочитав книгу Натальи Кончаловской «Дар бесценный», я узнала, что сюжет для данной картины вынашивался Василием Ивановичем с детства после того, как ему о боярыне рассказала Ольга Матвеевна – его крестная. Именно тогда он узнал о патриархе Никоне, под давлением которого царь Алексей Михайлович провел церковную реформу, которая предписывала некоторые изменения, в том числе и в церковных обрядах. Например, если раньше люди крестились двумя перстами, то теперь нужно было креститься тремя. Подобные нововведения вызывали недовольство в народе, перешедшее в противоборство церковной реформе, нередко доходившее до фанатизма. Произошел раскол. Тех, кто не хотел подчиняться царскому указу, называли раскольниками. Вскоре их начали жестоко преследовать – отправляли в ссылку, бросали в земляные ямы или подвалы с крысами, сжигали живьем. Но раскольники не сдавались, среди них были люди всех слоев населения – от крестьян, нищих и ремесленников до купцов, бояр и князей. Некоторые пользовались широкой известностью и большим влиянием в народе. Именно такой раскольницей стала боярыня Морозова, человек необычайной духовной силы. Царь повелел арестовать непокорную боярыню, отобрать у нее имения и земли. Он предлагал ей свободу и возвращение богатства, если она отречется от своих взглядов, но Морозова была непоколебима. Тогда ее выслали из Москвы и вскоре убили.

Суриков изобразил героиню, когда ее везли на крестьянских дровнях по московским улицам то ли на допрос, то ли уже в ссылку. Почему Суриков, спустя столько лет после принятия реформы, когда она уже никого не волновала, в том числе и самого художника, избрал этот сюжет? В русской действительности можно найти много примеров, когда люди жертвовали собою ради идеи, что было важнейшей национальной чертой народа. История Морозовой давала возможность выразить и прославить эту черту, тем и привлекла мастера ее трагедия, а вовсе не сутью раскольничьей деятельности боярыни.

Таким образом, главной задачей Суриков считал воплощение идеи самопожертвования ради убеждений. Он окружил Морозову различными людьми: взрослыми и детьми, мужчинами и женщинами, боярами и нищими, странниками и монахинями, купцами и ремесленниками, попами и стрельцами, чтобы показать, как народ относится к подвигу Морозовой. Вторая задача стала не менее грандиозной, чем первая. Соединение двух задач рождало третью – воплотить образ русского народа в трагический, напряженный момент жизни.

Чтобы взяться за создание картины, нужно было ощущать в себе нечто родственное тем людям, которых хотел изобразить художник. Суриков происходил из казацкой семьи. Его предки пришли в Сибирь вместе с Ермаком. «В Сибири народ другой, чем в России, — рассказывал художник, — вольный, смелый… про нас говорят: «Краснояры сердцем яры». Предки Сурикова, бывшие командирами, а дед – атаманом Енисейского казачьего полка, не терпели притеснений, любили вольность и нередко показывали необузданный нрав.

Яркие впечатления эта жизнь дала Сурикову. Без кровной связи со свободолюбивыми красноярцами, без впечатлений сибирской жизни едва ли возникло бы у художника желание написать сначала «Утро стрелецкой казни», а потом и «Боярыню Морозову». Выходит то, о чем писал Суриков, было близко ему с детства. Вспомним его другие картины – «Покорение Сибири Ермаком», «Степан Разин»…

«А то раз ворону на снегу увидел. Сидит ворона на снегу и крыло одно отставила, черным пятном на снегу сидит. Так вот этого пятна я много лет забыть не мог. Потом боярыню Морозову написал». Эти слова Сурикова очень важны. Нельзя думать, что увиденная ворона и написанная картина так уж тесно связаны. Лишь спустя много лет ворона на белом снегу, не выходившая из памяти художника, как-то неожиданно соединилась с историей боярыни. Но, видно, дорога была художнику ворона с отставленным крылом, если он не мог забыть ее и использовал для лучшего своего произведения.

Глядя на полотно, живо вспоминаешь рассказ о вороне. На фоне московской улицы, бело-голубоватых заснеженных крыш и светлого неба – в черной шубе, в черном, по-монашески повязанном платке, опальная боярыня. Правый край шубы свесился с дровней: разве он не напоминает отставленное крыло вороны? Черная фигура Морозовой решена в цветовом контрасте с пестрыми одеждами провожающего народа, что составило основу изобразительной характеристики события. Вглядимся в лица людей, окружающих боярыню. Что ни лицо, то глубокий образ; все так или иначе переживают событие. Для некоторых трагедия Морозовой стала их собственной трагедией, другие смеются над унижением боярыни, третьи скорбят, а сколько еще различных оттенков душевных переживаний запечатлено на холсте! Боярыня Морозова. 1887.

Протопоп Аввакум писал про боярыню Морозову: «Персты рук твоих тонкокостны, а очи твои молниеносны, кидаешься ты на врагов своих, аки лев». Тонике пальцы, сверкающие глаза, страстные движения – вот и все, что знал Суриков о внешности своей героини. Но он говорил, что исторический живописец должен угадывать прошлое. И он долго «угадывал» лицо боярыни Морозовой. Он написал нескольких женщин, но ни в одной не нашел страшной красоты боярыни, ее горячей, иступленной веры, которая, будто молния, воспламеняла все вокруг.

Он приглядывался к старообрядцам – их было немало и во времена Сурикова. Среди них были горячо верующие женщины-начетчицы, до тонкостей знавшие старинные церковные книги, однако образ боярыни дался Сурикову не сразу: «… я на картине сперва толпу нарисовал, а ее после. И как ни напишу ее лицо – толпа бьет. Очень трудно ее лицо было найти. Ведь сколько времени я его искал. Все лицо мелко было. В толпе терялось.

В селе Преображенском, на старообрядческом

Голова боярыни Морозовой. Этюд. 1886.

кладбище,- ведь вот где я ее нашел… Там, в Преображенском, все меня знали. Даже старушки мне себя рисовать позволяли и девушки-начетчицы. Нравилось им, что я казак и не курю. И вот приехала к нам начетчица с Урала – Анастасия Михайловна. Я с нее написал этюд в садике в два часа. И как вставил ее в картину – она всех победила». И этому веришь. Уж слишком ярки и выразительны оказались образы в толпе, и они оттесняли лицо Морозовой. Конечно, можно было пойти по другому пути – несколько притушить напряженную и цветовую активность толпы и тем самым прибавить силы образу боярыни. Но, то был выход не для Сурикова.

Что значит – победила? Это значит, что сила и значительность образа Морозовой стала выше силы и значительности образов толпы. Могли среди провожающих встретиться люди с таким же накалом духовной стойкости? Безусловно, могли. А почему же художник не показал их в толпе? Надо полагать по двум причинам. Во-первых, исходя из психологической правды: у пассивного наблюдателя эта стойкость не может проявиться с такой силой, как у человека, которому пришло время решать вопрос жизни и смерти. Во-вторых, если бы художник изобразил в толпе людей, близких по накалу главному образу, то это была бы уже картина не о трагедии Морозовой, а о чем-то другом.

Справа от боярыни идет ее родная сестра княгиня Урусова в белом вышитом платке, ниспадающем из-под шапочки. В это время она уже решилась на такой же поступок (Урусова погибла вскоре после смерти Морозовой), но художник намеренно не выделяет этот момент, а Урусову изображает в профиль и не слишком разрабатывает ее образ, тогда как гораздо менее значительные персонажи даны в фас с отчетливой характеристикой их эмоционального состояния. Для Сурикова основным было выделить Морозову как главную героиню полотна, представив ее самой сильной личностью в картине.

Невидимые нити связывают боярыню Морозову со всеми, кто вышел в тот зимний день на узкую московскую улочку. Каждый в толпе по-своему относится к боярыне, к ее страстным словам, к движению ее поднятой руки. Суриков говорил, что он «каждого лица хотел смысл постичь». Вот пять женщин в правой части картины. Впереди на коленях старая нищенка. С верой, любовью и жалостью глядит она вслед боярыне. Сама того не замечая, она протянула руку, словно пытается задержать бег саней.

Подперев рукой щеку, задумалась старуха в расшитом платке. На ее лице глубокая скорбь. Она почти не смотрит на боярыню. Она, должно быть, вспоминает многие бедствия, которые ей суждено было пережить.

В отчаянии скрестила руки на груди девушка в вышитой шапке. Ее глаза полны слез.

Композиция «Боярыни Морозовой» построена по диагонали. От правого нижнего угла картины (жестяная тарелка для подаяния у ног Юродивого) диагональ идет по нижнему краю фигур Юродивого и Нищей, а затем по саноотводу, за который держится левой рукой боярыня, по ее руке, по крупу лошади и, наконец, по скату крыши, скрывающемуся в левом верхнем углу холста. Почему Суриков избрал именно такую композицию? Для того, чтобы наиболее выигрышно показать московский народ. Если бы художник изобразил ту же сцену фронтально, то есть улица уходит не влево, а вверх, посредине картины, то, следуя правде, был бы вынужден показать людей в профиль, и они заслонили бы друг друга (как в левой части картины). При диагональной композиции большинство людей оказывается в непосредственной близости от зрителя, а лица в толпе изображены в фас, что немаловажно для создания образных характеристик.

Диагональная композиция дала автору еще одну возможность – с большим эффектом показать движение саней. Известен рассказ Сурикова, как он дважды менял размер полотна и написал картину только на третьем холсте, все время увеличивая его снизу и стремясь к тому, чтобы «сани пошли». Однако говорить л полной иллюзии движения в картине было бы неверно. Суриков – великий художник, и он прекрасно знал законы искусства, согласно которым явно выраженное движение уменьшает глубину художественного произведения. Еще в древности в искусстве существовал прием остановленного движения, и именно его осуществил Суриков в «Боярыне Морозовой». С одной стороны, он всячески подчеркивает движение саней – бегущим мальчиком слева, идущими справа княгиней Урусовой и стрельцом, протянутой рукой Нищей, а с другой – изображает целую группу статичных, неподвижно стоящих людей и поднимает вертикально руку Морозовой, что дает впечатление остановки движения.

Перейдем теперь к вопросу о том, как решена картина в цвете. Художник создает облик народной толпы с помощью групп, а не отдельных фигур. В правой части холста люди (до женщины в желтом платке) составляют первую группу, характеризуемую сочетанием темных цветов. Затем следует группа в ярких, светлых одеждах (до стрельца). Стрелец и княгиня Урусова в близких по цвету одеяниях организуются в особую и очень важную группу, которая является центом массы людей в правой части картины. За ними несколько человек даны в темной цветовой гамме. Следом – девушка в светлом платке, повязанном поверх шапки, и розовое, смеющееся лицо подростка, это самостоятельная, хотя и маленькая, группа. Далее головы (вплоть до поднятой руки Морозовой), написанные в общем голубоватом тоне.

Таким образом, вся, казалось бы, слитная толпа разделена на части, группы, объединенные цветовым решением. Была и еще одна чрезвычайно важная задача – создать с помощью цвета образ каждого персонажа, привести к гармонии отдельные цветовые характеристики. Делая что-то одно, художник одновременно должен видеть все, ибо каждая мелочь связана тончайшими и крепчайшими узами со всей картиной. Небольшая неточность в определении цвета шапки, платка или шубы требует полной переработки цветового построения полотна в целом.

Теперь обратимся к порядку работы автора над полотном. Художник начал с эскиза, где намечена композиция и достаточно подробно изображены главные герои картины. Первый эскиз Суриков сделал еще в 1881 году, а непосредственную работу над картиной начал лишь три года спустя. За последующие два года он выполнил более тридцати карандашных и акварельных эскизов в поисках наиболее выразительного решения. Вы только представьте себе – тридцать раз переделывать и изменять не детали, а основу замысла!

От эскиза к эскизу он менял направление движения дровен (они шли фронтально, под разными углами влево, а на одном из эскизов — вправо), менял положение фигуры Морозовой. В первом эскизе она сидела на возвышении, а на картине – изображена на соломе; в эскизе подняла левую руку, а в картине – правую; исключал или, напротив, добавлял людей в толпе. Все это говорит о редкой углубленности работы Сурикова, который в процессе создания картины не только стремился к изобразительному совершенству, но и уточнял свое понимание события, а главное – выстраивал идейно-смысловое содержание произведения. Например, в первых эскизах художник изобразил Морозову, которая жестом протянутой руки с двуперстием как бы обращается к царю (его палаты были изображены справа). Получалось, что народ – лишь фон столкновения между Морозовой и царем. А началом такой трактовки события послужила исторически достоверная деталь. Арестованных в то время возили в санях на специальном возвышении («стуле»), и боярыня изобразительно оказывалась как бы в отрыве от стоявшего внизу народа. Позже у Сурикова появилась мысль связать Морозову не с царем, а с народом. Именно для этого он и посадил боярыню прямо на солому, что позволило включить ее в самую гущу народа. Она обращается не к царю, а к людям, ее рука становится символом старой веры, знамением, которое она дает народу. Соединение образа Морозовой с образом народной толпы придало картине большую глубину и значительность в сравнении с первыми эскизами.

Кроме эскизов, Суриков исполнил десятки эскизов маслом, акварелью и карандашом. В его работе над картиной наиболее ярко выразился натурный метод. Художник для каждого персонажа искал реальный прототип в жизни, конкретных людей, писал с них этюды и уже по ним изображал фигуру в картине. Иногда быстро находил нужную натуру, чаще на поиски уходило много времени. Он изучал натуру на московских улицах, кладбищах, в церквах и кабаках, но чтобы искать, нужно четко представлять, что тебе нужно. Рассказывая о картине «Утро стрелецкой казни», Суриков говорил о стрельцах: «Когда я их задумал, у меня все лица так и возникли», то есть возникли в воображении. Стало быть, художник каждый образ видел силой творческого прозрения еще до того, как находил его в натуре. Он видел перед собой этих людей конца XVII века, знал не только их внешние черты, но и особенности характера, силу чувствования.

Редко бывало, чтобы этюд переносился в холст без изменений, потому что найти в жизни точно такого человека, которого Суриков видел внутренним взором, невозможно. Обычно художник, основываясь на этюде, изменял его в других подготовительных рисунках, иногда по многу раз. Сохранившийся материал показывает, какой гигантский путь прошел Суриков, прежде чем написал картину. Проследить создание каждого образа нет возможности, поэтому ограничимся лишь несколькими примерами – как шел художник к образу Странника с посохом в руке, Юродивого и боярыни Морозовой.

Странник, то есть человек, скитающийся по городам и деревням, был характерен для старой Руси. Он никого не удивлял, для него всегда находился и кров, и хлеб. В создании образа народной толпы художник считал Странника очень важным звеном и работал над ним несколько лет. Сейчас известны девять этюдов, посвященных Страннику, некоторые из них весьма значительны, особенно погрудный этюд 1885 года. В нем выразилось активное, хотя и несколько отрешенное, переживание трагедии. Странник ушел в себя, углубился в думу, быть может, уже не столько о самой Морозовой, сколько о чем-то общем. Это тип народного философа, который не просто наблюдает событие, а стремится объяснить его и прозреть будущее.

В карандашном повторении того же этюда Суриков лишает образ оттенка жалости к боярыне. Однако и этот вариант не удовлетворяет автора, он делает карандашный автопортрет, который затем разрабатывает в двух набросках. Опираясь на них, художник пришел к тому образу, который мы видим в картине, использовав и прежние этюды.

Сложным путем шел мастер и к теме Юродивого. Это также типичный персонаж старой Руси. Юродивые обрекали себя на тяжкие физические страдания – голодали, ходили полуголые зимой и летом. Народ верил им и покровительствовал. Именно поэтому Суриков отвел Юродивому столь видное место в картине и связал его с Морозовой одинаковым жестом двуперстия.

«А Юродивого я на толкучке нашел,- рассказывал Суриков. – Огурцами он там торговал. Вижу – он. Такой вот череп у таких людей бывает… Я его на снегу так и писал. Водки ему дал и водкой ему ноги натер… Он в одной холщевой рубахе у меня на снегу сидел… Я ему три рубля дал. Это для него большие деньги были. А он первым делом лихача за рубль семьдесят пять копеек нанял. Вот какой человек был». Так искал натуру Суриков, стараясь уже при писании этюда приблизить свою модель к воображаемому персонажу.

Кроме торговца огурцами, довольно молодого натурщика, художнику позировали пожилой бородатый мужик с цепью на шее и старик с покатым лбом и непокрытой головой. В отличие от первого этюда, где изображена вся фигура, в двух других написаны, в сущности, лишь головы. Стало быть, в первом этюде художника не удовлетворяла голова, и он продолжал искать ее, фигура же в первом этюде его вполне устроила, и именно поэтому он не стал писать ее в последующих этюдах. В итоге все три этюда послужили Сурикову для создания образа Юродивого. С одного написана голова, с другого – почти вся фигура, с третьего – цепь и форма шеи. Однако все эти черты стали для художника только материалом. Образ в картине заметно отличается в деталях, например, рука с двуперстием, в эскизе опиравшаяся на колено, в картине поднята. Но главное – само состояние Юродивого стало иным. В этюде это человек большой доброты, глубоко и серьезно взволнованный трагедией Морозовой, в картине же его эмоциональная восторженность граничит с сумасшествием. В результате образ стал очень близок сложившемуся в русском народе представлению о юродивых. Именно поэтому он узнается сразу и приобретает необыкновенную убедительность.

С Морозовой дело было и труднее и проще. Суриков долго не находил нужную натуру, хотя исполнил несколько этюдов – отдельные головы и сидящие в санях фигуры. Одежда, поза, жест, положение фигуры в санях – все это было определено в предварительных работах, не хватало только лица. В том этюде, который был написан в садике за два часа, оно было, наконец найдено и без заметных изменений вошло в картину. Как и раньше, Суриков делал не портрет человека, а писал его в образе героя, в данном случае боярыни Морозовой.

Художник воссоздавал с натуры не только облик героев, а буквально все – улицу и ряды домов, узор деревьев и дровни, конскую упряжь и снег. Он хотел правды и потому пропускал образы через реальную жизнь. Рассказывая о работе над картиной «Утро стрелецкой казни», Суриков говорил: «А дуги-то, телеги для «Стрельцов» — это я по рынкам писал. Пишешь и думаешь – это самое важное во всей картине. На колесах-то — грязь. Раньше-то Москва немощеная была – грязь была черная. Кое-где прилипнет, а рядом серебром блестит чистое железо. И вот среди всех драм, что я писал, я эти детали любил… Всю красоту любил. Когда я телегу видел, я каждому колесу готов был в ноги поклониться. В дровнях-то какая красота… А в изгибах полозьев, как они колышутся и блестят, как кованые. Я, бывало, мальчиком еще – переверну санки и рассматриваю, как это полозья блестят, какие извивы у них. Ведь русские дровни воспеть нужно…». И разве не воспел их Суриков в «Боярыне Морозовой»!

А как снег написал: «Я все за розвальнями ходил, смотрел, как они след оставляют, на раскатах особенно. Как снег глубокий выпадет, попросишь во дворе на розвальнях проехать, чтобы снег развалило, а потом начнешь колею писать. И чувствуешь здесь всю бедность красок… А на снегу все пропитано светом. Все в рефлексах лиловых и розовых».

Мысли художника как будто просты и понятны. Но когда он писал с натуры снег, сани или тарелку для сбора подаяния, он, безусловно, думал не только о красоте этих вещей, а обязательно о значении их в картине, чем они помогут в выражении народной драмы. Думая о красоте, помнил и трагедию, а думая о трагедии, помнил о красоте. В этом сочетании кроется глубокая черта творческого метода Сурикова. Именно она помогла художнику выразить полноту жизни.

Ничего подобного «Боярыне Морозовой» по глубине проникновения в характер русского народа не было создано в отечественной исторической живописи.

Способность органически соединять, казалось бы, противоречивые изобразительные качества значительна в творчестве художника, она принцип, основа в его работе. Странно на первый взгляд увидеть в трагической картине «Боярыня Морозова» такое обилие цвета, рождающего помимо нашего сознания ощущение праздника. Казалось бы, трагедия и праздник мало совместимы, но Суриков решил их соединить и сделал это не совсем случайно. Представьте себе, что художник одел бы толпу в темные, как будто приличествующие случаю одежды. Исчез бы контраст между главной героиней и толпой; Морозова потерялась бы в ней, а автору нужно было, чтобы она «всех победила». Но самой большой ошибкой стало бы нарушение психологической правды. В жизни всегда переплетаются радость и горе, унижение и гордость, слезы и смех. Суриков это отлично понимал. Посмотрите, как он одел людей в толпе: на смеющихся купцах и попах – темные костюмы, а на горюющих, страдающих женщинах – ярчайшие, радостные одежды. Нетрудно сделать вывод: Суриков заботился о контрасте не только между Морозовой и толпой, но и между эмоциональным состоянием и одеждой отдельных персонажей.

Наконец, нельзя забывать о декоративном впечатлении от картины. Она должна вызывать наслаждение цветовой гармонией, причем независимо от того, что в ней изображается. Суриков говорил, что он «всю красоту любил». Понимая ужас публичной смертной казни, он не мог удержаться, чтобы не сказать: «Черный эшафот, красная рубаха (палача) – красота!». «Боярыня Морозова» — трагическое событие, но радостное для глаза.

Горькое унижение Морозовой Суриков превратил в ее героическую славу, а трагический эпизод русской истории преобразил в яркое праздничное действо, тем самым прославив прекрасные качества своего народа. Такие преображения характерны для лучших произведений мирового искусства и, в частности, для древнерусской живописи.

Чудесная способность ощущать прошлую жизнь, волшебное умение проникать в самую ее сердцевину в сочетании с удивительным живописным талантом, жаждой творить, вживаться в сущность каждого героя и понимать, как он поведет себя в том или ином жизненном положении, точное распределение «ролей» массы, чтобы в итоге она составила образ народа, — все это и еще многое другое привело Василия Ивановича Сурикова к блистательному результату: «Боярыней Морозовой» он явил настоящий шедевр русской исторической живописи, свершив творческий подвиг.

Cписок использованной литературы и источников:

В. И. Суриков. Письма. Воспоминания о художнике. Н. А. Радзимовская, С. Н. Гольдштейн. «Искусство». Ленинградское отделение. 1977.

Советский Энциклопедический Словарь. М.: «Советская Энциклопедия». 1990.

В. А. Прытков. Любимые русские художники. – М.: Издательство Академии художеств СССР.1963.

Н. Кончаловская. Дар бесценный. Красноярское книжное издательство. 1978.

В. Порудоминский. Первая Третьяковка. М.: «Детская литература». 1979.

Тобольск и вся Сибирь./Красноярск. Ю. С. Осипов, А. Л. Вычугжанин. Тобольск. 2007.

В. В. Чагин. Сто знаменитых красноярцев. Красноярское книжное издательство. 2003.

Михайлов А. Акварели Сурикова // Юный художник. – 1988, № 11 – С. 38 – 42;

Лощиц Ю. В доме на Благовещенской // Юный художник – 1984, № 7 – С. 35 – 38;

Чугунов Г. «Боярыня Морозова» // Юный художник – 1983, № 2 – С. 36 – 43.

Топ-10 произведений, отражающих русскую идентичность

Текст: Мария Кравцова, Екатерина Алленова, Ольга Гурова13.06.2012   58773

В преддверии Дня России, отмечающегося 12 июня в память принятия в 1994 году Декларации о государственном суверенитете, «Артгид» решил узнать, какие произведения русского искусства наиболее ярко и выразительно представляют Россию с точки зрения современных художников. Мы провели опрос и составили список из десяти произведений, которые, по мнению наших респондентов, полнее всего отражают то, что сегодня принято называть модным словосочетанием «национальная идентичность». А также попросили историка русского искусства, профессора МГУ Михаила Алленова прокомментировать результаты опроса.

Василий Суриков. Боярыня Морозова. 1887. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея

При всей любви нашей прессы к рейтингам, мы не сумели обнаружить похожих опросов в области русского искусства, по крайней мере за последние несколько лет. Конечно, многим памятен проект Виталия Комара и Александра Меламида 1990-х «Выбор народа». Но там предлагалось моделировать «идеальную картину» для каждой нации по заранее заданным параметрам — выбирать из предложенных вариантов наиприятнейший размер, предпочтительный метод изображения (реализм, абстракционизм), цветовую гамму, жанр, сюжет и персонажей.

Пожалуй, наиболее близким к нашему исследованию оказался социологический опрос, проведенный в 2005 году Ассоциацией менеджеров культуры и Благотворительным фондом В. Потанина в связи с подготовкой в нью-йоркском Музее Гуггенхайма выставки «Russia!». Тогда при выходе из зданий Третьяковской галереи в Лаврушинском переулке и на Крымском Валу любителям искусства задавали два вопроса: какие произведения русского искусства должны представлять Россию на выставке в Нью-Йорке и какие, по мнению посетителей, представлять Россию там ни в коем случае не должны. Разумеется, респонденты называли главным образом вещи из Третьяковской галереи, те, которые они только что видели, хотя им предоставлялась полная свобода выбора. Тогда победу одержала «Троица» Андрея Рублева, на втором месте оказались «Богатыри» Виктора Васнецова, третье место заняло «Утро в сосновом лесу» Ивана Шишкина. А «черный список» произведений, которые Россию представлять не должны, возглавил «Черный квадрат» Казимира Малевича, за ним следовали «Вихрь» Филиппа Малявина и «Апофеоз войны» Василия Верещагина.

Виталий Комар, Александр Меламид. Любимая картина русского народа. Из проекта «Выбор народа». 1995. Холст, масло (слева). Нелюбимая картина русского народа. Из проекта «Выбор народа». 1995. Холст, ткань, паппье-маше, акрил. © Komar & Melamid Archive. Источник: www.komarandmelamid.org

Мы опросили 59 современных художников, предложив каждому составить список из расположенных в произвольном порядке десяти произведений. Никаких ограничений не ставилось — респонденты вольны были выбирать произведения живописи, графики, скульптуры, архитектуры и т. д. любых авторов (включая и свои собственные работы) и любых эпох. Затем мы подсчитали количество и процент голосов, отданных за каждое произведение (частоту упоминания), и составили список из десяти наиболее часто называемых работ. Всего респондентами было названо 328 произведений 156 художников.

Также мы определили топ-10 художников, произведения которых выбирались чаще всего. Например, многие указывали в своих списках произведения Ильи Кабакова, но разные респонденты называли разные вещи. Таким образом Кабаков оказался в числе лидеров дважды — с конкретной работой и как один из наиболее упоминаемых авторов. В то же время в топ-10 произведений нет ни одной работы другого Ильи — Репина. Между тем разные картины Репина назывались очень часто, но ни одна из них не набрала нужного количества голосов для попадания в топ-10 работ, репрезентирующих русскую идентичность. Однако Репин как художник по числу упоминаний все же оказывается в списке десяти самых популярных. И обратная ситуация — в топ-10 произведений вошли работы авторов, не попавших в топ-10 художников. Так, за одну-единственную скульптуру Веры Мухиной (понятно какую) было отдано 8 голосов, а других работ знаменитого скульптура никто не называл. Тогда как у Репина было названо 10 картин, собравших в общей сложности 16 голосов. Вот почему Репин оказался в топ-10 художников, а Мухина туда не попала, зато ее скульптура (понятно какая) оказалась в списке топ-10 произведений.

Некоторые из опрошенных художников сочли нужным прокомментировать свой выбор, и мы приводим их комментарии.

Никита Алексеев:

1. «Ангел Златые власы» отражает византийско-русскую идентичность?

2. «Троица» Рублева отражает русскую идентичность накануне крушения Византии и на фоне фресок Мистры, то есть Палеологовского Ренессанса, в духе Алпатова и Конрада?

3. Что отражает московский Кремль — мысли итальянских строителей или идентичность тогдашних жителей Москвы?

4. Что отражают парсуны XVII века и Симон Ушаков — провинциальность русской культуры или радостное, более того — блаженное дилетантство?

5. Отражением чего оказываются Аргунов и Левицкий — идентичности итальянских мастеров позднего барокко, транслированного через саксонских и польских ремесленников, или это что-то другое?

6. Идентичность Венецианова и Сороки — это насчет крепостного права, запоздалого классицизма, поисков русской души или там просто отличная общеевропейская живопись?

7. Чему идентичны этюды римской Кампаньи Александра Иванова — Пуссену, Тернеру, Коро, Твомбли, рисовавшим то же самое? Не идентичны ли они римской Кампанье?

8. Как определить идентичность чему-то «Чаепития в Мытищах» Перова — через идиотские мысли Чернышевского и Стасова или просто поглядев на бугристую рожу священника, дующего на кипяток?

9. Можно ли про портрет княгини Орловой, сделанный Валентином Серовым, сказать, что он легче всего идентифицируется с неизбежным распадом гнилой империи?

10. Является ли «Черный квадрат» Малевича наглой и самоубийственной самоидентификацией русской иконописи или главное — кракелюр, покрывающий эту картинку и объясняющий, что это всего-навсего живопись?

11. Не стоит ли интересующимся «русской идентичностью» научиться просто смотреть на родные березы и не вычитывать из бересты таинственные сообщения?

Александр Иванов. Дерево в тени над водой в окрестностях Кастель-Гандольфо. Бумага на холсте, масло. Государственный Русский музей

Юрий Альберт:

Я думаю, что единой национальной идентичности не существует. Во-первых, национальную идентичность придумали всего лет двести назад, следовательно, русская иконопись тут не подходит. Во-вторых, она меняется со временем, и я думаю, что идентичность середины XIX века, времен революции, брежневских и сейчас — разные идентичности. В-третьих, национальная идентичность социальна — у олигарха одна, а у крестьянина другая, хотя оба с уверенностью назовут себя русскими.

Александр Петрелли:

Я могу говорить лишь о современной, т. е. советской и постсоветской «русской идентичности». По моему мнению, до и после революции 1917 года эту страну населяют два совершенно разных народа. Поэтому искусство до XIX века, как мне кажется, будет указывать на «идентичность» какого-то другого народа, которого и вовсе не существует. К тому же я, к стыду своему, не очень знаком с русским изобразительным искусством до XVIII века, кроме иконописи, разумеется. Странно было бы отнести, например, Рублева к современной «русской идентичности»… По большому счету вместо знакомых нам современников следовало бы внести туда Шилова, Сафронова и Глазунова. Просто то, что они делают, трудно назвать произведением искусства…

Хаим Сокол:

Это довольно трудный вопрос. Мне не очень понятно, что такое «русская идентичность», впрочем, как и английская. То есть надо договориться о том, что имеется в виду под словом «идентичность». Допустим, что это набор исторических и культурных стереотипов. К тому же, в отличие от Англии, в России было много скачков, разрывов. И советская идентичность заметно отличается от русской, даже как набор стереотипов. Поэтому ограничусь только современностью.

Группа ТОТАРТ (Наталья Абалакова и Анатолий Жигалов):

Для нас «русский гештальт» и его отражение в искусстве — это гигантские качели, которые вербально и визуально отражаются в работе Эдуарда Штейнберга «Земля и небо» (которая не поместилась в этот список, но как бы является его названием), связь этих произведений между собой и с русским авангардом является неким культурным кодом для восприятия российского искусства в международном контексте.

Александр Шабуров:

У вас методология искусственная. Надо не абсурдистски конструировать «русскую идентичность», а пытаться зафиксировать то, что есть. Мы выросли в одной стране, и что-то есть в культуре, что нас объединяет. В «русской» (она же «российская», а недавно «советская») культуре, безусловно, имеются поколенческие и географические различия. И жанрово-видовые границы искусства и «русское — не русское» тут не принципиальны. Карлсон — это тоже «русская идентичность». Это принципиальный подход.

Карлсон вернулся. 1970. Кадр из мультфильма. Режиссер Борис Степанцев

Представляем сначала топ-10 художников, отвечающих за русскую идентичность. В списке указаны художник и частота его упоминания респондентами в процентах (с округлением до целого числа).

1. Казимир Малевич — 71%

2. Илья Кабаков — 46%

3. Андрей Рублев — 36%

4. Кузьма Петров-Водкин — 32%

5. Александр Дейнека — 29%

6. Илья Репин — 27%

7-8. Исаак Левитан — 24%

7-8. Василий Суриков — 24%

9-10. Василий Перов — 22%

9-10. Владимир Татлин — 22%

Из произведений Малевича, помимо, разумеется, «Черного квадрата», назывались работы под кодовыми именами «Белое на белом», «Крестьянин», «Красный квадрат», «Белый квадрат», «Корова и скрипка», «Голова крестьянина» и др. Кабаков занял второе место благодаря «Человеку, улетевшему в космос», «Туалету», серии вопросов и ответов («Чья эта кружка?», «Чья эта терка»? и т. д.). У Рублева кроме «Троицы» называли «Спаса в силах» (вероятно, из иконостаса Благовещенского собора Московского Кремля) и Звенигородский чин.

Петров-Водкин оказался представлен картинами самых разных жанров: «Купание красного коня», «Натюрморт с селедкой», «1918 год в Петрограде», «Тревога», «Утренний натюрморт», «Богоматерь Умиление злых сердец», «Полдень». Почти столь же мощным по числу упоминаний оказался и Дейнека — называли «Оборону Петрограда» и «Оборону Севастополя», «Никитку — первого русского летуна» и «Сбитого аса», «На стройке новых цехов» и «Текстильщиц», «Будущих летчиков» и «Эстафету по садовому кольцу». Однако ни одна из работ Дейнеки не вошла ни в топ-10, ни даже в топ-20 произведений, будучи выбранной в лучшем случае двумя или тремя респондентами.

Творчество «Самсона русской живописи» Ильи Репина также любезно нашим художникам, называвшим даже такую экзотику, как «Николай Мирликийский избавляет от казни трех невинно осужденных». Лидером по числу упоминаний, как легко догадаться, здесь стали «Бурлаки на Волге», назывались также «Арест пропагандиста», «Не ждали», «Крестный ход в Курской губернии» и др. Самой популярной картиной Левитана оказалась «Над вечным покоем», за ней — «Владимирка». У Сурикова вспомнили четыре картины — «Утро стрелецкой казни», «Меншикова в Березове», «Боярыню Морозову» и «Степана Разина». Скорбный обличитель духовенства Василий Перов наиболее часто назывался как автор «Чаепития в Мытищах», а также «Последнего кабака у заставы», «Сельского крестного хода на Пасху» и «Тройки». И лишь Татлин оказался представлен всего двумя работами — аппаратом «Летатлин» и «Башней III Интернационала». Зато «Башня», набравшая 20% голосов по частоте упоминания, получила почетную бронзу в списке топ-10 произведений русской идентичности.

Итак, представляем топ-10 произведений, лучше всего отражающих русскую идентичность. Точнее, произведений получилось не 10, а 11: последнее место разделили две работы, набравшие одинаковое количество голосов. В списке указаны автор, произведение и частота его упоминания респондентами в процентах (с округлением до целого числа).

1. Казимир Малевич. Черный квадрат — 51%

2. Андрей Рублев. Троица — 29%

3. Владимир Татлин. Башня III Интернационала — 20%

4. Кузьма Петров-Водкин. Купание красного коня — 19%

5. Илья Кабаков. Человек, улетевший в космос из своей квартиры — 17%

6. Олег Кулик. Акции человека-собаки — 15%

7-8. Вера Мухина. Рабочий и колхозница — 14%

7-8. Василий Суриков. Боярыня Морозова — 14%

9. Группа «Война». Х*й в плену у ФСБ — 12%

10-11. Виктор Васнецов. Богатыри — 10%

10-11. Анатолий Осмоловский. Хлеба — 10%

Комментарий Михаила Алленова:

Во-первых, мне не нравится формулировка «национальная идентичность». Понятия не имею, кто у нас ввел ее в обиход разговоров о современном искусстве, но, вероятно, это калька с английского. И если мы посмотрим в англо-русский словарь, то убедимся, что national identity — это всего-навсего национальная особенность или национальное своеобразие, а вовсе никакая не идентичность. Идентичность — это тождество, полное совпадение с чем-то. И если попытаться всерьез принять определение «национальная идентичность» и использовать этот термин в том смысле, в каком его используют, например, психологи, говоря о «кризисе идентичности» как утрате психически больными людьми осознания собственного «я», то выясняется, что мы имеем дело с неким самоопределением, со стремлением найти отражение этого самого «я» — в социуме, в религии, наконец, в искусстве.

Вагрич Бахчанян. Без названия. 1979. Коллаж, бумага, репродукция. Воспроизведено в книге: Государственный Русский музей. Приключения «Черного квадрата». СПб., Palace Editions, 2007, с. 170

Иными словами, люди, перед которыми поставлен вопрос о национальной идентичности в искусстве, оказываются в ситуации «Свет мой, зеркальце, скажи»: они вынуждены допрашивать себя относительно того, где, в чем, в каких произведениях они видят отражение собственного «я», с чем они себя идентифицируют. При этом, как в пушкинской сказке, персонажу, конечно, хотелось бы не просто отразиться, а так, чтобы убедиться, что он «на свете всех милее». В результате этих поисков вырисовывается некий коллективный персонаж, репрезентирующий «коллективное бессознательное». И как же он выглядит в этом зеркале?

«Черный квадрат» Малевича — это зеркало, которое погасло и не разговаривает. На том месте, где надлежит отражаться миру, — тьма (вот к чему привела «Победа над солнцем»). Или же это зеркало, которое отвернулось от нас, обратившись к нам тыльной стороной, покрытой черной амальгамой.

Уже Александр Бенуа прозвал «Черный квадрат» иконой (на выставке «0,10» он висел в «красном углу», где обычно размещались иконы). Ну что же, спохватывается коллективное бессознательное, выходит, вот это и есть наша главная икона? Ох нет. Конечно же, наша главная икона — «Троица» Рублева. Понятно, откуда в этом списке взялась «Троица», причем рядом с «Квадратом». Эта икона писалась, «дабы воззрением на святую Троицу побеждался страх ненавистной розни мира сего». Страх. Человек, подошедший к зеркалу и увидевший вместо отражения тьму, инстинктивно отворачивается, озирается, чтобы убедиться, что мир пока еще на месте, и ищет какое-то другое, правильное зеркало, которое могло бы его в этом убедить.

В башне Татлина, накренившейся и как будто со снесенной крышей, закодирован образ Вавилонской башни, грядущего разрушения. К тому же она так никогда и не была построена, оставшись лишь в виде проекта, макетов и реконструкций. У Петрова-Водкина красный конь — это что-то вроде Конька-Горбунка для Иванушки-дурачка. Юноша, несомый конем, им не управляет, безвольно держась за поводья и глядя невидящими глазами, а его несет неведомо куда. «Видящим», умным, почти человеческим взглядом здесь наделен как раз конь, а не всадник. В «Боярыне Морозовой» — раскол, трагический финал исторической эпохи и отчаянный, безнадежный жест утопающего человека. Известно, что Суриков задумал «Морозову», увидев черную ворону на белом снегу. Фигура героини поэтому так и запоминается: повсюду цветистое великолепие, узорочье XVII века, и посреди этого вдруг страшное черное пятно. Черный квадрат, одним словом, — именно так увидел эту картину Вагрич Бахчанян.

В «Человеке, улетевшем в космос» — опять крышу снесло и все разрушено. И никакого человека там и нету, а что с ним сталось — никому не ведомо (это же не полет Иванушки на Коньке-Горбунке в светлый терем к Месяцу). А куликовский человек-собака кусается и бросается на людей. 

В зеркале начинает вырисовываться существо какое-то странное и ни в коем случае не созидательное, — всей его созидательности хватает разве что на неприличный жест, раздраконенный до размеров Литейного моста. Правда, может показаться, что созидательным пафосом наделены «Рабочий и колхозница» Мухиной. Но это если забыть, что их прообразом было античное изваяние Гармодия и Аристогитона — тираноборцев, то есть ниспровергателей. А если даже рабочего и колхозницу рассматривать как созидателей и деятелей, то тут же окажется, что это 1937 год, апофеоз сталинизма, и они в своем так называемом неудержимом порыве оказываются персонажами весьма страшными: «Весь мир насилья мы разроем до основанья, а затем…» Вот именно. Мы же помним, что было затем. В этом контексте «Богатыри» Васнецова — воплощение мечты о надежной защите, эдакий древнерусский ОМОН, а «Хлеба» Осмоловского… иконостас XXI века? Возведенные в культ ломти хлеба. Да и те несъедобные…

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры:
13 826

Анализ произведения — сложная работа интеллекта, требующая многих знаний и умения.

Существует множество подходов, приемов, способов анализа, но все они укладываются в несколько сложных действий:

1.  раскодирование информации, заключенной в ткани самого произведения,
2.  аналитическое исследование процесса и обстоятельств создания произведения искусства, помогающее углубить и обогатить его понимание,
3.  изучение исторической динамики художественного образа произведения в индивидуальном и коллективном восприятии.

В первом случае идет работа с произведением как самоценностью — «текстом»; во втором мы рассматриваем текст в контексте, выявляя в художественном образе следы влияния внешних импульсов в третьем — изучаем изменения художественного образа в зависимости от того, как меняется его восприятие в различные эпохи.

Следует сразу отметить, что как в учебной, так и в научной историко-искусствоведческой работе эти три аспекта, как правило, взаимосвязаны, не отделены друг от друга жесткими гранями.

Обычно мы приходим в музей или выставочный зал, имея представление о том контексте, в котором родилось произведение,— о его авторе, эпохе с ее культурно-историческими особенностями, стране или регионе мира — родине мастера. Даже выставка современного искусства, по поводу которой ни один критик не успел высказаться, не содержит произведения, самым тесным образом не включенного в социокультурный контекст: художники — наши современники, их творения близки и понятны нам уже потому, что являются порождением эпохи, в которой мы живем.

Однако бывают случаи, когда произведение как локальный текст — самоценная и самодостаточная данность — предстает перед нами вне контекста, как в витрине комиссионного магазина, в записи на граммофонной пластинке, утратившей этикетку, или на выпавшей из книги странице. И тогда зритель, слушатель, читатель оказывается в роли эксперта, который должен определить, где, когда, кем создано произведение, оценить его художественный уровень.

Воспитание профессионального восприятия искусства включает и умение провести атрибуцию произведения. В учебной работе ситуация экспертизы может быть создана как игровая — в этом случае вы должны абстрагироваться от известной вам информации или поставить ее под сомнение. Дело это далеко не бесполезное и в работе профессиональной. Такое абстрагирование может привести к открытиям: уточнению сюжета, а значит, и названия; изменению датировки и даже авторства произведения.

Интересно проходят занятия и с произведениями, на этикетке которых стоят буквы «Н.Х.» — неизвестный художник. Научная атрибуция — весьма сложное дело, игра же в экспертизу будит творческую активность, заставляет искать аналоги, активизирует ассоциативное мышление, побуждает сравнивать, сопоставлять множество произведений, а в конечном итоге помогает увидеть и подметить в изучаемом творении многое, что ушло бы из зоны внимания бесследно, не будучи осознано. Однако, как правило, вы будете работать с известными произведениями, основные сведения о которых можно почерпнуть в каталогах.

Описание произведения

Студенты искусствоведческих факультетов на I курсе получают особое задание: сделать музейное описание произведения искусства. Не знаю, придется ли кому-либо из вас в будущем писать музейные карточки — если придется, этому обучиться будет несложно, но в системе подготовки педагога-художника такая работа хороша как упражнение по «остранению» — абстрагированию от устоявшейся информации, помогающему посмотреть на известную вещь под особым углом зрения. Умение описать произведение (притом грамотно) — это часть системы самостоятельной работы по составлению карточек.

Самое краткое и точное описание вещи можно найти в современном каталоге. Рекомендуем приучать себя к серьезной и точной работе а за образец принять издания Русского музея, Эрмитажа и Третьяковской галереи.

В карточке должны быть указаны, а в устном сообщении (если это локальное и заранее подготовленное задание) даны следующие сведения о любом анализируемом памятнике:

1.  Фамилия, имя, отчество, даты жизни автора. Если авторство вызывает сомнение — ставится знак «?». Тем же знаком отмечаются любые сомнительные данные.
2.  Название произведения, прежде всего первоначальное, если возможно — авторское, а также те его варианты, которые фигурируют в литературе. Здесь же приводятся данные о портретируемом.
3.  Дата создания (окончания) произведения.
4.  Материал.
5.  Размеры: для произведений живописи и графики в системе «вертикаль х горизонталь», для скульптуры еще и третье измерение — глубина, для круглой скульптуры — диаметр.
6.  Подписи, надписи, клейма, штампы.
7.  Принадлежность и местонахождение произведения.
8.  Инвентарный музейный номер.
9.  Состояние памятника.
10.  Иконографическое описание.
11.  Дополнительные сведения.

Первые три пункта карточки заполняются по этикетке или каталогу, ссылка на которые обязательна. Оставьте свободное место для возможных уточнений.

В каталогах обычно находим и размер вещи. Если цифры сопровождаются пометкой «(в свету)» — это значит, что указаны размеры не скрытой рамой поверхности полотна или графического листа. Если вы измеряете вещь сами — лучше использовать рулетку. Размеры могут сказать о многом, например, о происхождении нескольких икон из одного иконостаса. Опиленные поля, срезанные края холста — недопустимые искажения, из-за которых памятник может надолго «потеряться», особенно в случаях социокультурных катаклизмов.

Размеры вещи могут о многом рассказать и в «экспертизе». Так,величина скульптуры определяет ее функционально-родовую специфику, позволяет достаточно верно представить себе место, в котором вещь должна была находиться изначально: площадь, комод, накрытый кружевной скатертью, парадный зал, парковая аллея. Информационно весьма значимы размеры живописного произведения.

Так, в XVIII веке именно различие в размерах было одним из критериев жанровой дифференциации картин: «исторический большой» род признавался высшим и по «важности предмета», и по тому, что требовал более тщательной «отделки», в свою очередь обусловленной размерами полотна, чем и отличался от «рода» (жанра) «частных баталий» или «исторического домашнего» — предшественника бытового жанра.

По размерам, «отделке» и прочему с ним мог соперничать лишь парадный или аллегорический портрет — такая же многофигурная, сложная, тщательно написанная композиция. Попутно отметим, что в ту эпоху произведение, создаваемое на заказ, требовало «апробации» — одобрения, заказчика. Поэтому прежде чем приступить к «большой» картине, художник весьма тщательно разрабатывал эскиз к ней. Некоторые картины Г.И. Угрюмова для Михайловского замка, парадные портреты Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского и других сохранились в двух вариантах: эскизном и окончательном. Их сравнение дает интереснейшую информацию о вкусах эпохи и заказчика, политических и эстетических пристрастиях, о направлении поиска художника и тенденциях развития искусства в целом.

В течение первой половины XIX века размеры исторических полотен все растут — по мере того, как картины становятся «хоровыми» (выражение В.В. Стасова), все более сложными по своей художественной концепции — вспомните полотна К.П. Брюллова и А.А. Иванова. По размерам с ними контрастируют маленькие «картинки» А.Г. Венецианова и П.А. Федотова. Так наглядно в живописи первой половины XIX века обозначается шкала ценностей.

В середине века начинаются изменения: уменьшаются размеры исторических полотен, увеличиваются — произведения из современной жизни, которые именовались тогда «бытовыми». Полотна В.Г. Шварца из истории Руси XVI—XVII веков во много раз меньше по размерам, нежели «Бурлаки на Волге» И.Е. Репина, их соотношение обратно пропорционально предшествующему соотношению между картинами К.П. Брюллова и А.Г. Венецианова. Позднее контрасты смягчаются, размеры картин перестают играть заметную роль в жанровой дифференциации, но на переломе эпох маятник качнулся в сторону до крайности, и изменение размеров картин разных жанров стало одним из симптомов перемен в искусстве, культуре, мировоззрении эпохи в целом.

Поэтому не ленитесь, составляя карточки, задуматься над вопросом: почему художник выбрал именно такие размеры для своего произведения, какое впечатление они производят, какое восприятие и исследование провоцируют?

Подписи, надписи, штампы, печати.

Определив размеры, внимательно поищите подпись художника, дату — это, как правило, авторские пометы на лицевой стороне холста или рисунка.

Со временем вы будете узнавать руку автора, и, может быть, научитесь отличать подлинные подписи от фальшивых, пока же можно воспользоваться справочниками (если возникает такая необходимость). Например, автографы русских художников приводятся в «Каталоге живописи XVIII — начала XX вв.» (до 1917 года) Государственной Третьяков-
ской галереи (М., 1984).

Если вам посчастливилось увидеть оборот картины или графического листа, поищите надписи, штампы, печати и попытайтесь воспроизвести и расшифровать их в вашей карточке. Принадлежность, местонахождение, инвентарный номер — это адрес памятника, без которого ваша карточка лишается значительной части своей ценности.

Материал и состояние произведения.

Материал (4) и состояние (9) памятника — пункты особенно важные при описании произведений искусств, именуемых пластическими, пространственными, визуальными — живописи, графики, архитектуры, скульптуры, декоративно-прикладного, театрально-декорационного. Оба эти пункта описания, также как и большинство каталожных сведений, относятся к тому, что в начале нашего разговора мы назвали «материальным носителем художественного образа», его телесной оболочкой. Конечно, произведение — нерасторжимое единство тела и души, материального и идеального, и все же в анализе они разделимы.

В иных искусствах — литературе, музыке, театру и кино — материальный носитель информации не имеет такого значения, как в пластических. В самом деле, ни качество бумаги, ни шрифты, ни формат листа не меняют сколько-нибудь заметно образного строя стихов А.С. Пушкина, так же как партитура — звучания симфонии. Хотя тонкие ценители литературы утверждают, что проза Ф.М. Достоевского в старой орфографии воспринимается иначе, чем в новой.

Описание включает и такой важнейший раздел, как состояние материальной основы произведения искусства. В научных каталогах и рабочих картотеках оно фиксируется весьма тщательно. Каждая маленькая трещина на красочном слое не просто чревата утратой красочного слоя — она симптом состояния вещи, показатель нарушений режима хранения и т.д.

В учебной работе фокусирование внимания на состоянии произведения в его материальном теле не только переключает на трезвое аналитическое мышление, но и дает ценную информацию.

Состояние доски или холста, бумаги, красочного слоя, поверхности камня или бронзы, предмета прикладного искусства поможет вам воочию увидеть пласты времени, сквозь которые прошло произведение. Постарайтесь поискать следы утрат и «чинок», дополнений и изменений, учитесь мысленно восстанавливать первоначальный вид предмета.

Научная реконструкция — это дело Мастеров, не просто владеющих глубокими, разносторонними знаниями и вооруженных новейшими достижениями науки и техники, но прежде всего обладающих талантом, Божьим Даром. Имена Юрия Павловича Спегальского, Петра Дмитриевича Барановского, Адольфа Николаевича Овчинникова и других входят в историю отечественного искусства и стоят рядом с именами лучших художников.

Но и учебная мысленная реконструкция весьма и весьма небесполезна. Тем более, что состояние памятника, несущего на себе следы времени, прошедшего сквозь огонь и воду, впитавшего взоры многих поколений людей, слышавшего биение их сердец, оказывает само по себе огромное воздействие на восприятие. Порой кажущееся парадоксальным: чистенький, «с иголочки» новодел не способен вызвать такой эмоциональный отзвук, как потемневшая, с многочисленными утратами старинная икона, замшелая часовенка в лесу или пожелтелый лист старой рукописи. Почему?

Иконография.

Описание произведения включает и содержательный элемент: вы должны ответить на вопрос «Что изображено на этой интересной картинке?», «…в этом скульптурном произведении?» и т. д. На начальном этапе сюжет, как правило, определяют по названию вещи. Со временем же вы изучите иконографию, по крайней мере, настолько, чтобы сразу опознавать — прочитывать наиболее распространенные в мировом искусстве сюжеты. И, кстати, сопоставление произведений, написанных разными художниками на один и тот же сюжет,— один из самых интересных видов работы и наиболее богатых источников информации.

В разных видах искусства описание произведения имеет свою специфику.

Источник: Анализ и интерпретация произведения искусства: Учеб. пособие/Н.А. Яковлева, Е.Б. Мозговая, Т.П. Чаговец и др.; Под ред. Н.А. Яковлевой.— М.: Высшая школа, 2005

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Как передать сообщение или историю своим искусством — Общество визуального повествования

Что, если бы вы могли зарабатывать деньги на произведениях искусства, которые вы писали много лет назад?

Именно этим занимается Джина Ли. У нее есть класс по SVS, где вы можете узнать о том, как вы можете использовать уже созданные иллюстрации или как создавать новые иллюстрации, которые можно использовать для лицензирования (например, бумажные тарелки, украшения и т. Д.). Вы можете проверить этот класс здесь. .

На следующей неделе мы выпустим часть 2, которая будет охватывать: прогнозирование тенденций, развитие вашего личного стиля, чтобы он был более желательным для лицензиатов, и то, как создавать доски визуализации, которые помогут направить вашу работу в соответствии с тем, что вы хотите делать для лицензирования .

Джейк читает, Продолжай, Остина Клеона. Один раздел посвящен «Создавайте ради созидания», и Остин рассказывает о том, как иногда можно просто создать что-то, а затем выбросить, измельчить или сжечь. Создавайте просто ради созидания. Это делает все творчество сфокусированным на радости, которая исходит от создания, а не на конечном продукте. Иногда мы настолько сосредоточены на конечном продукте, независимо от того, можем ли мы его отсканировать, поделиться им и т. Д., Что упускаем из виду радость творчества.Часто детей волнует только опыт творчества, они не так сосредоточены на создании чего-то идеального. Иногда приятно не зацикливаться на конечном продукте.

Наша сегодняшняя тема: Как передать сообщение или историю с помощью вашего искусства.

Подкаст The Kick in the Creatives охватывает эту тему, и они помечают другие подкасты, чтобы охватить ту же тему; они отметили нас, чтобы мы обсудили эту тему, и они хотят, чтобы мы отметили другой подкаст, чтобы потом поговорить об этом. Наш тег: Одна фантастическая неделя.

Рассказывание историй

В качестве иллюстраторов мы сосредоточимся на том, как передать историю с помощью вашего искусства.

Джейк подслушал этот опыт, когда Уилл преподавал вместе с Брайаном Ахджаром класс по созданию отличных фонов. Брайан действительно хорошо умеет рассказывать хорошие истории своим искусством. Уилл и Брайан критиковали работу студентов в интерактивном классе, и проблема, с которой сталкивались многие студенты, заключалась в том, что они рассказывали отрывки из рассказов. Брайан критиковал многие работы: «Я не знаю, что это за история.«Иногда иллюстрация может больше запутать зрителя, чем что-то ясно передать.

То, что вы рисуете картинку, еще не означает, что вы что-то говорите. Это проблема, которую вы часто видите в любительских иллюстрациях: они просто рисуют персонажа или среду, не задумываясь о сюжете, и часто люди не знают, что происходит, или у них есть более глубокие вопросы, о которых они хотят узнать больше после просмотра. иллюстрацию.

Вот о чем мы хотим поговорить: как рассказать историю и почему это так важно для иллюстраторов.

Долговечность, если что-то будет интересно в течение длительного периода времени, то для этого нужна история. С другой стороны, иногда люди сталкиваются с проблемой, когда они рассказывают слишком много истории, и это не дает зрителю никакой работы или позволяет зрителю участвовать вообще; есть хорошая золотая середина, где люди могут возвращаться к этому снова и снова, и в зависимости от того, где они находятся в жизни, они, возможно, могут прочитать изображение по-другому.

Иногда люди рисуют сарай, в котором на самом деле нет истории, и если это не просто потрясающе, если он не рассказывает историю, это будет не так интересно.

Если вы не рассказываете конкретную историю, часто то, что вы рисуете, задает вопросы, а не отвечает на них. Иногда вы задаете больше вопросов и сбиваете с толку больше, чем отвечаете. Т.е. Уилл видел иллюстрацию этого ученика, где на переднем плане была счастливая женщина, оглядывающаяся через плечо, а за ней плелась счастливая собака, а на заднем плане — расстроенная девочка, но нет никаких подсказок относительно того, почему ребенок огорчать. Вы могли бы предположить, что эта женщина — мама ребенка и что она была счастлива, просто наказывая свою дочь.Кажется, она почти радуется тому, что ее ребенок расстроен, что, вероятно, не входило в намерения иллюстратора. Это пример того, что вы задаете больше вопросов, чем отвечаете.

Вы задаете больше вопросов, чем отвечаете, это начинает уходить от иллюстрации и больше в сторону изобразительного искусства. Что часто может быть более абстрактным и заставлять зрителя задавать вопросы и больше думать.

Дэвид Диббл делает эти удивительные картины сараев, с потрясающими цветами, светом и тенью, но при этом они больше напоминают галерею, украшение для кого-то, у кого есть много денег, чтобы повесить на стену.Они украшение. Цель пьесы не столько в том, чтобы рассказать конкретную историю.

Ваша работа как иллюстратора — рассказывать истории.

1. Каждое изображение вызывает у зрителя вопрос.

2. Каждое изображение должно вызывать у зрителя какой-то эмоциональный отклик.

Оно должно заставлять их смеяться, или заставлять их интересоваться историей или персонажем, заставлять их хотеть перевернуть страницу, чтобы увидеть, что именно произойдет дальше, рассердит их, вдохновит, внушит трепет и т. д.Действительно крутой концепт-арт: создает ощущение реального желания посмотреть фильм и заставляет зрителя хотеть увидеть этих персонажей в фильме.

Иногда это действие, которое не выполняется до следующей страницы, и оно заставляет вас перевернуть страницу, чтобы посмотреть, что произойдет дальше.

Для иллюстраторов, как правило, реакция, которую вы хотите вызвать, должна быть одинаковой для широкой аудитории. Т.е. страшная иллюстрация к страшной книге, вы хотите, чтобы все чувствовали то же самое, за этим стоит какое-то намерение.В то время как в отношении изобразительного искусства они хотели, чтобы ответ был более открытым и более открытым для интерпретации.

3. Всегда включайте персонаж или какое-либо свидетельство персонажа.

Не делайте изображения просто декоративными. Уилл делал обзор портфолио, и самое первое изображение было действительно хорошим, но не рассказывало историю. Иногда, будучи художником, вы создаете эти «вершины», которые лучше всего, что вы делали. Если вы пытаетесь составить портфолио для детской книжной работы, вам не нужно начинать с работы, которая не рассказывает историю.Что вы говорите потенциальному клиенту?

Зачем нужен персонаж? Даже если это пейзаж, это может быть замок вдали или ржавая машина в углу. Это похоже на то, как будто мы запрограммированы искать людей и истории. Если нет персонажа или свидетельства персонажа, его трудно связать с изображением, это просто похоже на фотографию из путешествия. Когда есть «персонаж», такой как ржавая машина, он вовлекает нас в сюжет и помогает зрителю начать вовлекаться в сюжет.

Изображение снежного пейзажа — это один из типов сцены по сравнению со снежным пейзажем со следами на снегу.

4. Используйте мелкие детали, чтобы придать изображениям большую глубину.

Используйте мелкие детали, чтобы придать вашим изображениям большую глубину повествования. Если Джейк рисует персонажа, он попытается придать ему причудливое дополнение к его одежде, или он катается на чем-то интересном, или если он едет на лошади, то несет что-то позади себя и т. Д. рассказать историю?

Они добавляют глубины персонажу.Эти мелкие детали многое говорят о персонаже и очень сильно влияют на его формирование. Все детали являются продолжением персонажа.

Если вы посмотрите на новый район, большинство домов выглядят примерно так же и имеют очень мало характерного. Они похожи на монополии. Однако, если вы посмотрите на тот же район 50 лет спустя, вы получите совсем другой опыт. Перенесемся на 50 лет вперед, и в домах будут всевозможные детали, рассказывающие историю о людях, которые там живут, дома и все их детали стали продолжением персонажей, которые там живут.Все детали указывают на персонажа и многое о нем рассказывают.

Новички часто сопротивляются использованию ссылок. Тратить больше времени на подготовку иллюстрации — это приобретенный навык. Проведите исследование перед тем, как погрузиться в работу и нарисовать иллюстрацию. У Уилла была эта болезнь, и он просто садился и выказывал иллюстрацию через пару часов.

Т.е. Уилл видел иллюстрацию студента, где был этот угол улицы, с более современной машиной у автобусной остановки, но на ней была скамья, полностью сделанная из головы студента.Это не было похоже на скамейку, которую Уилл видел раньше. Это полностью отвлекло Уилла от изображения и стало отвлечением.

Если вы рисуете скамейку в парке, вы можете посмотреть на разные периоды времени или места и нарисовать скамейку, которая будет соответствовать истории, которую вы хотите рассказать.

Отсутствие деталей может отвлечь от рассказа.

Вам не нужно быть подчиненным своей ссылке и точно ее копировать. Но пусть он информирует вашу работу. Если вы пытаетесь разработать свой собственный стиль, убедитесь, что все части вашего изображения совпадают и вы чувствуете, что они находятся в одном мире.Вы же не хотите, чтобы все казалось информированным, а затем у вас была эта шаткая скамейка, которая, кажется, не вписывается.

Вы не можете создать целую вселенную, не имеющую ориентира для зрителя.

Ли проиллюстрировал эту книгу под названием Arctic White, и вся книга в более сельской местности, с шкурами животных, собаками, бобслеями и т. Д., И она о девушке, которой надоели серые цвета своего мира и она хочет видеть больше цветов . Ли чувствует, что, когда он представил новые цвета в истории, он использовал неправильную цветовую палитру, и ему показалось, что это было из WalMart, а цвета были слишком яркими и насыщенными, он хотел бы использовать цвета, которые казались немного более естественными, как земля. пигменты, и это лучше подошло бы к тому миру.

Посмотрите на детали в своем изделии и посмотрите, не отвлекают ли какие-либо детали от изображения или улучшают его.

5. Избегайте кульминации.

Вы никогда не захотите показывать настоящий кульминационный момент. На вашей иллюстрации должно быть что-то происходящее прямо перед кульминацией или что-то, что происходит сразу после нее.

Т.е. ребенок бежит по тротуару, падает и спотыкается о палку. Вы показываете, как ребенок спотыкается и царапает коленом землю? Или ребенок бежит, чтобы ударить по палке, и вы можете предположить, что произойдет? Или показать сломанную палку и плачущего ребенка на земле? У кого больше всего повествования?

Наш апрельский арт-конкурс посвящен этому: «Мгновение раньше.

Продолжение иллюстрированной книги Уилла «Бонапарт падает врозь» — это игра «Бонапарт играет в мяч», и в этой истории есть часть, где он попадает в хомеруна. Вы хотите показать, как мяч ударяется о биту или по мячу уже нанесен удар?

На самом деле скучно видеть, как мяч ударяется о биту.

Вы хотите показать до или после: «Он собирается ударить гомеруна?» Или «О! Он ударил гомеруна! »

С точки зрения игры с моментом, Ли любит думать о различных звуках или уровне активности, которые сопровождают его.Будет ли что-то тихим или громким. Когда вы думаете о ритме или приближаетесь к действию, вы можете думать о различных уровнях «звука», которые есть в ваших изображениях. Вы можете подумать, хотите ли вы, чтобы ваше изображение было громким или более тихим.

Прямо перед действием возникает повышенное чувство потенциальной энергии, но все еще тише. то есть кто-то зажигает динамит.

Фактический взрыв динамита, громкий момент.

А потом снова тише.

Вы можете думать об истории, о ее темпах и о том, что нужно в каждый момент.

Вы хотите, чтобы моменты тишины уравновешивались самыми громкими моментами.

Вы хотите, чтобы читатель заполнял пробелы.

То, что оставить, так же важно, как и то, что вы оставите. Например, мультфильмы Road Runner: много действий просто подразумевается, а не показано. Так много анимации — это ожидание.

Большая часть того, что делает Койот, — это просто планирование, замыслы и создание предвкушения.

Вы можете вызвать предвкушение и заставить зрителя задуматься о том, что происходит? Вы хотите оставить некоторые вещи на усмотрение.

6. Используйте композицию и точку зрения .

Подумайте о взгляде на червя или с высоты птичьего полета, у них обоих разные акценты: один делает вещи большими, а другой — маленькими.

Худшая точка зрения — мягкая середина. Не на уровне глаз, не с высоты птичьего полета и т. Д. Когда мы парим на высоте 12 футов над землей, смотрим на что-то сверху, и это не кажется преднамеренным.

Вы — режиссер, и вам решать, куда направить камеру.

Дэвид Хон и Ли дают задание «чашка и чайник», в котором учащиеся должны создать 50 различных изображений, играя с камерой и с одной точки зрения. После первых 20 учеников нужно начинать проявлять творческий подход, и тогда появляются лучшие вещи.

POV: Точка зрения.

Композиционно вы можете создать изображение с визуальной иерархией. Возможно, есть изображение с начальной точкой фокусировки, но затем, увидев второй или третий слой композиции, вы можете заметить.

Т.е. Иллюстрация безлюдного острова с извержением вулкана (это первое чтение), а затем, после дальнейшего просмотра изображения, вы видите, как жители деревни убегают на лодки, и все эти другие детали, например, как они строят стену, чтобы помочь замедлить лаву, и т. д.

7. Дайте вашему зрителю что-нибудь для изучения.

Добавьте детали, которые ваш зритель найдет по мере того, как он будет смотреть и изучать иллюстрацию. Добавьте детали, а иногда и скрытые объекты, чтобы, глядя на изображение, они хотели исследовать его больше.

В Bonaparte Falls Apart главный герой — скелет, и есть много других страшных персонажей, таких как Blacky Widow.

Когда они представили Блэкки Вдову (она же черная вдова), Уилл попытался добавить на мебель мотивы паутины. И это дает зрителю возможность выглядеть иначе, чем действие.

Где Уолдо: он полностью разработан для разведки. Не бойтесь добавлять такие детали к своей иллюстрации.

Ли прочитал эту книгу, основанную на «Рождественской песне», но все это мыши, и все сделано из вещей, которые используют мыши. Он прочитал это своему сыну несколько раз, и только после того, как он прочел ее несколько раз он замечал, что человеческая версия истории одновременно разворачивается на заднем плане.

Иногда детали просто забавны, иногда важны. Одно время детали не были ясны в тексте, поэтому Ли пришлось попытаться добавить детали в иллюстрацию, чтобы сделать историю более понятной.

Книжки Little Critters: на каждой иллюстрации есть что-то вроде паука или какого-то жука. Ричард Скарри тоже это делает, это золотой жук.

8. Используйте освещение, чтобы рассказать историю.

Как можно использовать освещение, чтобы рассказать историю? Простое изменение времени суток полностью меняет иллюстрацию.Если кто-то бежит по лесу посреди дня, это одно, а если вы измените его на бегущего по лесу посреди ночи, это совсем другое.

Ли много работает со временем дня и сезонными сигналами, но не так много с освещением или четким светом и тенью.

Уилл нарисовал чердак. Но затем он зажег его, как если бы через окно проходил небольшой луч света, и просто добавив луч света, он поразил 5 разных объектов, и это рассказало другую историю из-за объектов, которые он подчеркивал.

Место с наивысшим контрастом обычно становится фокусом, если только у вас нет пятна сверхнасыщенного цвета, которое могло бы больше выделяться.

Самая высокая контрастность становится точкой фокусировки.

9. Покажите, что невозможное, чего не могло случиться, стало реальностью.

Сумасшедшие рисунки М.С. Эшера.

Ли любит делать нелогичные решения логических проблем.

Guy Billout: делает что-то неожиданное в каждом произведении.

Всегда спрашивайте себя, зачем я рисую этот кусок? Как мне сделать это интересным? Если это не интересно, нарисуйте еще эскизы, пока это не станет интересным.Должен быть интерес к этому или какое-то повествование.

Ли пытается сделать что-то неожиданное в каждой части. Для этого должен быть какой-то крючок, будь то окружение и т. Д.

Резюме

Как рассказать историю своим искусством:

1. Каждое изображение вызывает у зрителя вопрос.

2. Каждое изображение должно вызывать эмоциональный отклик у зрителя.

3. Всегда включайте персонажа или некоторые свидетельства персонажа.

4. Используйте мелкие детали, чтобы придать изображениям большую глубину.

5. Не показывайте кульминацию, сосредоточьтесь на том, что было до или после.

6. Используйте композицию и точку зрения

7. Дайте зрителю что-нибудь исследовать

8. Расскажите историю, используя освещение.

9. Покажите, что невозможное становится реальностью.

ССЫЛКИ

Svslearn.com

Джейк Паркер: mrjakeparker.com. Instagram: @jakeparker, Youtube: JakeParker44

Уилл Терри: willterry.com. Instagram: @willterryart, Youtube: WillTerryArt

Ли Уайт: leewhiteillustration.com. Instagram: @leewhiteillo

Alex Sugg: alexsugg.com

Tanner Garlick: tannergarlickart.com. Instagram: @tannergarlick

Если вам понравился этот эпизод, поделитесь им, подпишитесь, и мы будем рады, если вы оставите отзыв! Эти подкасты живут и умирают на обзорах.

Если вы хотите присоединиться к этому обсуждению, войдите на форум.svslearn.com, для этого выпуска есть форум, на котором вы можете прокомментировать.

Значение в искусстве или должны ли произведения искусства содержать сообщение?

Значение в искусстве или должны ли произведения искусства содержать сообщение?

Конечная цель каждого художника — признание широкой и разнообразной публикой.

То есть, чем больше людей любит мое искусство, тем лучше. Очевидно, правда?

Но в чем секрет?

Я считаю, секрет во взаимодействии!

Взаимодействие между произведением искусства и зрителем.

а как работает ???

В каждом произведении искусства есть разные уровни информации, такие как небольшие сообщения на разных уровнях, например, может быть интеллектуальное сообщение, уникальный стиль — это сообщение, техника, но самый важный из них, тот, который охватывает самый широкий аудитория — это эмоциональное сообщение.

Очевидно, что эти сообщения сильно связаны с культурными и социальными обстоятельствами, и поэтому их содержание является наиболее важным.

Все эти сообщения вместе составляют ЗНАЧЕНИЕ художественного произведения.

Значение в произведении искусства важнее стиля и мастерства, потому что это конечная цель творческой работы.

Художник может быть исключительным в технике и стиле, но если он / она не может передать различные уровни информации, которые в совокупности напоминают смысл работы, эта работа будет скучной и бесполезной.

Я однажды прочитал об этом в «Вестнике», который в значительной степени подводит итог:

«Общая цель произведения искусства заключается в меньшей эстетической ценности, потому что красота без смысла подобна потрясающе привлекательной модели, которая к тому же неграмотна. .”

Это звучит скучно ??? Немного знаю 🙁

Хорошо, давайте поговорим о практических вещах.

Это действительно довольно просто!

Взаимодействие означает общение, верно?

Между произведением искусства / художником и зрителем.

Следовательно, Как художник, я должен полагаться на свой опыт, вдохновение и стремление зашифровать мои работы сообщениями, которые важны для многих и легки для понимания. Переведено: покажите себя в своем искусстве!

Все это звучит сложно, но давайте посмотрим на живопись!

Возьмем одну из моих 🙂

Мать и дочка!

Чтобы узнать, имеет ли произведение искусства значение для вас, используйте эти 3 шага (хотя, смею сказать, если произведение искусства имеет значение для вас, вы сразу узнаете)

1.Посмотрите

2. См.

3. Подумайте

Итак, посмотрите, что там, буквально прямо перед вами. Начните с самого простого: что это за среда или материал — фотография, объект, картина? Как это выглядит? Грубый и быстрый? Гладко и аккуратно? Блестящий? Грязный? Тщательно сделано? Собранные вместе? Художник принял несколько очень осознанных решений относительно материалов, стиля и подхода, и они напрямую повлияют на общее ощущение и смысл работы.

А теперь посмотрим, что еще есть.В чем разница между взглядом и видением в контексте искусства? Взгляд — это буквально описать то, что перед вами, а взгляд — это придание ему значения. Когда мы видим, мы понимаем, что воспринимается как символы, и интерпретируем то, что находится перед нами.

Наконец, подумайте о том, что вы уже наблюдали, и о возможных значениях. И это очень индивидуальная вещь или интерпретация, если хотите. Вы знаете об этом произведении искусства, которое находится перед вами, намного больше, чем вы думаете.

Поехали!

Посмотрите на работу! Это картина, настенная подвеска, не расписанная, а текстильная. Почему текстиль? Он яркий, имеет приятные цвета. Материал, стиль и подход кое-что вам расскажут обо мне. Там 2 женщины, они похожи, у одной седые волосы, она наверное старше, другая молодая, они смотрят друг на друга. У старшего кулон с изображением младшего. А теперь посмотрите на этикетку! Название — «Мать и дочь». Это многое объясняет.Заголовок является ключевым!

Что вы видите?

Мать и дочь, дочь выросла, они очень похожи, похожи ли они по характеру? Они смотрят друг на друга, вроде бы отношения близкие. У матери буквально к сердцу дочка, подвеска. Однако почему-то они выглядят немного грустными. Почему?

У них обоих красочные плоды и цветы на головах, сильные символы для девушки / женщины (цветы) и полноты, урожая, изобилия, богатства (фрукты).

Теперь подумайте, интерпретируйте и придайте смысл тому, что вы собрали вместе. Что вы знаете о художнике, обо мне, в данном случае, даже если вы меня не знаете? Больше, чем вы думаете! Вы знаете из моего выступления художника, что я родился в Германии, моя дочь, вероятно, родилась в Германии, может быть, она все еще там? Вот почему они выглядят грустными? Но у них есть связь, они показывают близость, они любят друг друга? Мать носит фотографию дочери, гордится ли она ею?

Что ж, если вы продолжите в том же духе, вы поймете, что это конкретное произведение означает для вас.Вы привнесете в это свой собственный опыт, возможно, ваши отношения с дочерью или матерью и т. Д.

Большинство людей были тронуты этой картинкой.

Я продал оригинал сразу, но мог бы продать еще 4 раза. Я также продал много гравюр, и до сих пор получаю сообщения об этом в социальных сетях.

Так что, очевидно, для некоторых это имеет значение.

Но самое смешное в том, что … Я ничего из этого не планировал! Я только начал новую работу и думал о своей дочери, работая над ним 🙂

Пусть ваше искусство передаст ваше сообщение

Коммуникации, касающиеся искусства, иногда могут допускать непростительные ошибки. Автор, если представится возможность, будет следить за своими рецензиями в любом регионе мира и разъяснять, где это необходимо, чтобы прояснить определенные термины или даже вопросы, которые поставили читателей понимание из авторского замысла.Хотя в некотором смысле заявление было доказано, пресса переформулировала его таким образом, что вызвала общественную реакцию, которая, по их (законодателям), если ее не прояснить, приведет к хаосу и настроит население. В заголовках СМИ преобладала эта проблема, и они были вознаграждены. Это одна из проблем коммуникации, когда намерения автора склонны искажаться в соответствии с требованиями или быть неправильно понятыми, и это типичный пример.

Но, визуальное искусство (часть живописи, скульптуры или плаката) коммуницирует таким образом, который также не дает художникам возможности объяснить своей аудитории, что именно он имеет в виду.Таким образом художник передает сообщение и может только пожелать, чтобы произведение искусства, которое он создает, было известно. Произведение было создано с надписями, которые указывают на единство человечества независимо от религиозных различий. Нужно заглянуть за картинку, а иногда это так же сложно, как получить взломщик паролей в Instagram. Вы должны быть сложными в рассмотрении деталей, чтобы сообщение было передано. В этом сила художественного общения.

Многие мужчины и женщины позволяют атрибутам, таким как цвет, форма или даже рамка, ограничивать их, или продолжают смотреть на вещи в как на произведение искусства.Произведение искусства, будь то скульптура или картина (независимо от того, насколько они маленькие или большие), несет определенное сообщение. Умение читать сообщение может мешать общению и подталкивать к намерениям художника.

Для того, чтобы человек мог понять послание в визуальной художественной коммуникации, ему / ей необходимо видеть все работы в целом, а также учитывать значимость темы, форм, форм и пытаться связать цвета на теле искусства. работать, чтобы осознавать их значение.

Например, в обществах мотивы, представленные в определенной структуре, активизируют общение определенным образом. В свете этого художник, который создает картину с темами на ней, в настоящее время передает идеалы королевской власти.

Кроме того, общение в визуальном искусстве является постоянным и нестареющим (преодолевая интервалы), так что одно произведение искусства, такое как живопись, может успешно служить различным поколениям с различными интерпретациями в соответствии со сценариями, которые соответствуют требованиям современного общества.Например, о Моне Лизе Леонардо да Винчи было написано так, что интерпретации, предоставляемые современными авторами-историками искусства, не совпадают с отзывами писателя о работе. Взгляды на произведение искусства постоянно меняются, чтобы соответствовать интерпретациям искусства для этого поколения. В то время как другие передаются, некоторые сообщения трудно понять. Прежде чем может произойти общение, необходимо, чтобы вы строили отношения с произведением искусства частями, которые серьезно наблюдали за его составными частями.Сообщение в произведении искусства не будет передано против изменения.

Поскольку демократия вышла на сцену в каждом субъекте, искусство не может быть отказано в ее месте, которое было универсальным в обращении к людям в обществе. «Искусство в маскировке» дает вам шанс, выявляя проблемы, вызывающие озабоченность по поводу улучшения 35, осязания, осязания и видения искусства.

Для более глубокого понимания посмотрите это видео ниже:

6 знаменитых картин, содержащих скрытые сообщения

Позволить вашему наследию жить в эпическом произведении искусства — это одно; оставление скрытого подмигивания вашей аудитории через упомянутые работы определенно поднимает эту легенду на ступеньку выше.Великие художники, такие как Леонардо да Винчи, например, любили закапывать символизм в знаковых произведениях, таких как «Тайная вечеря», которая включает детали, которые открыты для интерпретации и вызвали споры среди ученых в течение многих лет. Вот шесть других произведений искусства, в которых есть скрытые сообщения, которые вы, возможно, пропустили.

1. «Натюрморт с сыром, миндалем и кренделями» Клары Петерс (ок. 1615 г.)

«Одно из моих любимых изображений, помещенных в картину, можно найти в натюрмортах Клары Петерс в Маурицхейс в Гааге. , «Натюрморт с сыром, миндалем и кренделями», — говорит Росс Кинг, автор нескольких книг по итальянскому, французскому и канадскому искусству и истории, в том числе «Леонардо и Тайная вечеря», «Купол Брунеллески» и «Микеланджело и потолок Папы». .»

» Написанный в начале 1600-х годов, это невероятно реалистичное изображение вкусной закуски на обед. Но если вы присмотритесь, вы увидите, что Петерс включила себя в картину: она — крошечная фигурка, голову которой мы видим отражением в оловянной крышке кувшина в центре картины. С одной стороны, это очень скромный жест. С другой стороны, это показывает ее удивительное мастерство в миниатюре ».

2. Фрески Микеланджело на своде Сикстинской капеллы (1508-1512)

« Микеланджело изобразил серию сивиллов и ветхозаветных пророков, всех их сидящими на тронах и сопровождаемыми херувимоподобными существами », — говорит Кинг.

«Один из двух херувимов, смотрящих через мускулистое плечо кумской сивиллы, делает непристойный жест рукой, просовывая большой палец между указательным и средним пальцами. Этот жест восходит к древним римлянам — то, что итальянцы сегодня называют mano in fico, или фиговая рука. Это то же самое, что показать кому-то палец. Люди на полу часовни не могли видеть пальцы, но Микеланджело, возможно, счел забавным то, что ему удалось украсть это грубый жест в его шедевр.»

Также в фресках на Сикстинском потолке спрятаны очень подробные анатомические иллюстрации Микеланджело, все они скрыты внутри фигуры Бога. Микеланджело уничтожил большинство своих анатомических рисунков, но искусно скрыл от глаз Папы Юлия II и бесчисленные поклонники, историки и любители искусства на протяжении веков представляют анатомические рисунки на Сикстинском потолке.

3. «Примавера» Сандро Боттичелли (конец 1470-х или начало 1480-х годов)

Возможно, вам придется иметь серьезный опыт в ботанике, чтобы полностью оценить детали в творчестве Сандро Боттичелли, которое было признано «первым крупномасштабным полотном, созданным во Флоренции эпохи Возрождения.«Эксперты говорят, что на картине изображено не менее 500 отдельных растений, которые можно отнести к более чем 200 различным видам, и некоторые полагают, что все эти виды процветали во Флоренции в течение весеннего сезона 15 века.

4.« Мона Лиза »Леонардо да Винчи «(1503)

Не все искусствоведы согласятся с этим, но, по словам итальянского исследователя Сильвано Винчети, у знаменитой звезды женского портрета Леонардо да Винчи есть несколько секретов в ее таинственных глазах.

Как президент Национального комитета Италии по культурному наследию, Винчети и его команда изучили изображения картины с высоким разрешением и сообщили, что, по их мнению, картина полна загадочных сообщений, включая буквы и цифры в глазах испытуемого, которые слишком малы, чтобы их можно было увидеть на старой оригинальной работе.

Они утверждают, что правый глаз Моны Лизы содержит буквы LV, что, по их мнению, является способом да Винчи претендовать на изображение.

5. Винсент Ван Гог «Ночная терраса кафе» (1888)

Вернемся к «Тайной вечере» на секунду: помимо знаменитого изображения да Винчи, некоторые полагают, что Винсент Ван Гог также попытался художественно изобразить библейское Сцена в его картине XIX века «Ночная терраса кафе», хотя отсылки неуловимы.

По словам эксперта по Ван Гогу Джареда Бакстера, зоркие зрители могут заметить длинноволосую центральную фигуру на заднем плане, окруженную 12 людьми.Не убежден? Как насчет того факта, что одна из этих фигур, кажется, ускользает в тени, как пресловутый Иуда?

Если вы все еще не уверены, посмотрите, сможете ли вы найти все крошечные распятия, разбросанные по всей сцене, включая одно, парящее над фигурой, похожей на Иисуса.

6. «Портрет Арнольфини» Яна ван Эйка (1434)

Хотя основными персонажами картины Яна ван Эйка считаются богатый купец Джованни ди Николао Арнольфини и его жена Констанца Трента, они не единственные люди на картинке.

Если вы присмотритесь к зеркалу в центре комнаты, то увидите, что в комнату входят еще двое.

Многие полагают, что одним из них должен быть сам ван Эйк, и вы увидите, как художник снова выкрикивает себе слова с латинской надписью на стене над зеркалом, переводящейся так: «Ян ван Эйк был здесь. 1434 . »

Интересную интерпретацию можно найти в том факте, что жена Джованни умерла в 1433 году, которая представляет следующие возможные гипотезы: Либо ван Эйк начал работу в 1433 году, когда жена его покровителя была жива, и она умерла к тому времени, когда он закончил ее, или это мог быть просто посмертный портрет.Обратите внимание на очень слабую хватку мужской фигуры на руке женщины, что, возможно, символизирует ее ускользание. И свечи в богато украшенной люстре — со стороны мужчины свечи все еще высокие и горят, в то время как свечи со стороны женщины перегорели, что означает, что мужчина все еще жив, а ее жизнь закончилась.

Произведения искусства и скульптуры, отправляющие сообщение

Эта стена обозначена как зона граффити, Бэнкси (автор Педро Беллеза)

С момента нашего существования люди всегда оставляли послание через произведения искусства.Со временем искусство эволюционировало во многие формы, поэтому оно стало визуальным источником истории. Концепция искусства довольно сложна, и мы оставим это философам, однако мы знаем, что большая часть произведений искусства предназначена для передачи сообщения. И это послание может принимать разные формы: противоречивые, политические или обнадеживающие и позволяющие установить связь с местными жителями, их культурой и историей. Здесь мы перечислили некоторые из любимых произведений наших местных жителей, которые несут значимый смысл.

Мегафон для мигрантов и сообщений, Брюссель

Пасионария, Брюссель (Рената Рива)

Пасионария — это буквально мегафон, через который люди могут подняться и вопить о своем счастье или разочаровании.Художник Эмилио Лопес-Менчеро, установленный недалеко от железнодорожного вокзала Миди, посвятил это произведение всем мигрантам. Действительно, расположение является ключевым, поскольку это лучший визуальный пример смешения мультикультурной среды в Брюсселе. Наша местная Рената любит подходить и кричать прохожим мысли.

Фреска с посланием, Риека

Explorare Necesse Est, Риека (Николина Демарк)

Explorare Necesse Est — это красивая фреска, изображенная нашим местным жителем Риеки Николиной.Его создателем является Себас Веласко, которого пригласили из Испании, чтобы вынести искусство из музеев в общественные места. В самом деле, это был местный житель, которого художник встретил в городе, когда пытался уловить атмосферу города, которая вдохновила на создание этого произведения искусства. Таким образом, фреска идеально представляет город и его историю, а также прославляет промышленное наследие Риеки: «продолжайте двигаться, продолжайте учиться и никогда не прекращайте исследовать». Отличное сообщение в соответствии с нашей философией!

Скульптура бездомного, Манчестер

Бездомный Иисус, Манчестер (Элис Хантер)

«Бездомный Иисус» — работа канадского художника Тимоти Шмальца.Это часть серии картин, заставляющих задуматься. Скульптура побуждает прохожих задуматься над темой грубого сна, которая является особенно заметным явлением в Манчестере. Особенно мощное послание даже для нерелигиозных людей!

Земля без искусства, Тирана

Окрашенные каюты, Тирана (Ардита Пума)

Наша местная Ардита заметила в Тиране множество красочно раскрашенных электрических кают. Это результат местной инициативы, направленной на превращение чего-то старого и скучного в нечто значимое и веселое.Это наш фаворит, в частности, из-за прекрасного послания «Земля без искусства просто а». Идеальная цитата, чтобы выразить цель местной инициативы вместе с положительным посланием об искусстве.

Символ против фашизма, Глазго

Пасионария, Глазго (Хелен Аудюро)

Эта необычная статуя стоит с вытянутыми руками вдоль Клайда в Глазго. Pasionaria представляет Долорес Ибаррури, испанскую героиню, которая боролась против фашизма в Испании во время гражданской войны в Испании.«Связь между Испанией и Шотландией делает эту скульптуру достойной внимания», — говорит местная жительница Хелен. Фактически, это редкий памятник группе из 2000 добровольцев, которые покинули Великобританию, чтобы присоединиться к интернациональным отрядам в Испании (500 из них погибли, в том числе 65 из Глазго). Цитата на основании — девиз Долорес: «Лучше умереть на ногах, чем жить вечно на наших коленях», позитивный лозунг сопротивления борьбе людей.

Soviet Mosaic, Кишинев

Советская мозаика, Кишинев (Николай Чирнев)

Эта советская мозаика — фаворит нашего местного Николая среди многих, которые можно найти во всех зданиях Кишинева.На таких мозаиках изображены коммунистические достижения и повседневные «герои» страны. Как правило, эти герои служили цели построения нового прогрессивного коммунистического общества. Несколько лет назад гражданское общество выступило против прикрытия мозаики в центре другой рекламой, которая теперь снова видна местным жителям и гостям.

One Step to Change Your Mind, Женева

Скульптура Oui-Non, Женева (Жюльетт Боркин)

Скульптура Oui-Non — это общедоступное произведение швейцарца Маркуса Ретца, которое оживает благодаря движению и перспективе.Наша местная Джульетта рекомендует держать голову высоко в Женеве, иначе вы пропустите ее, поскольку она стоит на высоте 10 метров над землей. Пройдя из стороны в сторону, вы увидите, как оживают косы из золотого железа, когда вы читаете «oui» (= да), переходя в «non» (= нет). Итак, с какой стороны вы выберете: Oui или Non?

A Local Heart, Копенгаген

Nørrebros Hjerte, Копенгаген (Синди Фонвиг)

Nørrebros Hjerte — это скульптура сердца, на которой на многих языках выгравирована надпись «Мы хотим жить вместе».Присмотревшись, вы заметите, что куски металла, из которых состоит сердце, на самом деле являются частями оружия. Прекрасный способ выразить желание жить вместе в мире и уважении. Кроме того, по словам нашей местной жительницы Копенгагена Синди, все оружие было либо конфисковано, либо добровольно передано в полицию Норребро. Тот факт, что художник Бьёрн Норгаард родился в Норребро, делает эту скульптуру еще более особенной!

Сеть мира, Гамбург

Крест гвоздей, Гамбург (автор — Инга Мари Рамке)

Крест гвоздей — заметил наш гамбургский житель Инга в Санкт-Петербурге.Катаринен — ​​означает взаимопонимание между народами как примирение после войны. Он состоит из трех гвоздей из руин разбомбленного собора Ковентри, разрушенного немецкими военно-воздушными силами. Точно так же многие маленькие скульптуры крестов были сделаны из тех же руин и отправлены по всему миру. В общей сложности это 330 различных церквей, создающих сеть мира после Второй мировой войны.

Layers of History, Белград

Скульптура ремесленников, Белград (Владимир Дулович)

Наш местный Владимир, историк, поделился с нами «Ремесленной скульптурой» — хорошо укрытым местом.Расположенный в здании 1930-х годов в Белграде, вместе с другими статуями, он представляет собой ремесленника со своим учеником. Действительно, ремесленники были важной частью городской экономики, и первоначально здание использовалось в качестве Дома ремесленников. Выше находится статуя с двумя голубями, которая символизирует происхождение названия этой улицы. За столетие до этого здания здесь располагался постоялый двор «У двух белых голубей». Таким образом, это отличное место для любителей истории или просто для размышлений о прошлом, глядя на эти произведения искусства и изучая их истории.

Слова соединяют нас всех, Монреаль

Скульптура источника, Монреаль (Дасильва Артур)

Наш местный житель Монреаля Дасильва был впечатлен Скульптурой Источника, большой статуей, изображающей человеческий торс. Если вы войдете внутрь, вы увидите линии, принимающие форму слов из разных языков. Это работа каталонского художника Жауме Пленса к 375-летию основания города. Он дает положительный сигнал о том, что, несмотря на разницу в языках, мы все едины.Кроме того, он также прекрасно представляет историю города, отмечая важность воды, особенно важной для роста Монреаля. Благодаря общению, торговле и иммиграции город теперь постоянно обновляется творчеством.

80 Имен великодушия, Вильнюс

Скульптура Яблоко, Вильнюс (Радвиле Беляускене)

Наш местный Радвиле заметил скульптуру «Яблоко», посвященную доброте и щедрости. Находясь в Вильнюсе, сделайте шаг ближе, и вы заметите 80 фамилий, выгравированных на яблоке.Это имена нескольких литовцев, датируемых XVI веком, а также некоторых более современных. Что их всех объединяет, так это то, что они занимаются благотворительностью и социальной работой. Поэтому художник Р. Квинтас посвятил эту скульптуру всем добрым людям, которые делают Вильнюс особенным.

Street Art With a Message, Роттердам

Make it Happen, Роттердам (Мария Селькоу)

Многим из нас может быть знакома эта зеленая полоса с абстрактными фигурами в Роттердаме.Make it Happen — это действительно место, где люди могут отдохнуть от повседневной рутины и подняться по ступеням росписи. Наша местная Мария объясняет нам смысл девиза «Сделай это возможным». Короче говоря, художник Даан Ботлек создал фреску, используя девиз города, чтобы вдохновить художников и предпринимателей. Послание здесь — выразить себя. Он очень хорошо отражает менталитет города! Роттердам полон трудолюбивых людей, которые творчески преодолевают трудности: людей, которые делают вещи реальностью.

Мы надеемся, что эта подборка мест пробудила в вас жажду искусства и вдохновит вас на более глубокое изучение истории произведений искусства, которые вы можете встретить в своем городе или других городах.

Хотите поделиться собственными открытиями в своем городе? Станьте корректировщиком!

Открытая благодарность артистам

Спасибо.

Спасибо, что поделились своей работой не только с нами, но и со всем миром.

Быть художником — зачастую уязвимый путь. Вы делаете что-то очень личное, а затем с открытым сердцем представляете это миру. Не все так бесстрашны.

Спасибо, что напомнили нам о возможностях.

Приятно видеть, как вы посвящаете свою жизнь тому, что приносит вам радость. Преследуя эти страсти, несмотря на риски и страхи, вы вдохновляете нас делать то же самое.

Спасибо за то, что вы создаете.

Искусство может говорить то, что не всегда можно сказать словами. Благодаря своему мастерству вы помогаете другим вызывать и подтверждать их эмоции, обеспечивая утешение, что не только мы чувствуем себя определенным образом.

Спасибо за то, что создали для нас площадку, которая бросит нам вызов.

Мы благодарны вам даже за вашу работу и моменты, которые доставляют нам дискомфорт и заставляют расти. Опираясь на эти чувства, мы заставляем себя думать более открыто и смотреть на мир с другой точки зрения.

Спасибо за то, что поделились историями, которые иначе могли бы не услышать.

Вы помогаете нам сбежать в разные страны, не делая ни шага, и не раскрывая чью-то прекрасную человечность без слов.

Спасибо за поощрение диалога, за наведение мостов между сообществами и за то, что позволили нам установить настоящие связи с людьми, живущими поблизости и далеко.

Наконец, спасибо за то, что доверились нам, чтобы помочь вам организовать и построить свой арт-бизнес.

Вы даете нам цель, повод вставать каждое утро с постели и делать все, что в наших силах. Мы не смогли бы сделать это без вашей поддержки, вдохновения и внимательного отношения к тому, что мы делаем.

Наша миссия — помочь вам добиться успеха как профессиональные художники, и мы всегда здесь для вас.

Спасибо.

С уважением,

Коллектив Художественного архива

5 вопросов, на которые должно ответить ваше заявление художника

Пусть ваше искусство говорит само за себя, но это не совсем так.

Рано или поздно у людей возникнут вопросы о вашей работе, и они будут искать ответы в вашем заявлении художника. Ваше заявление художника либо побудит их углубиться в ваш арт-бизнес, либо напугает их до распродажи.

Чтобы закрепить это введение и сделать ваш арт-бизнес незабываемым, ответьте на эти пять вопросов для потенциальных покупателей в своем заявлении художника:

1. Почему вы занимаетесь этим видом искусства?

Почему вас привлекает эта тема? Как выбрать тему? Заглянуть за кулисы того, что движет вашим творчеством, — отличный способ начать выстраивать эмоциональную связь со своей аудиторией.

2. Что представляют собой ваши произведения искусства?

В вашем искусстве есть что-то о вас? Это сообщение о мире? Сосредоточен ли он на истории или смотрит в будущее?

Наш совет: дайте достаточно деталей, чтобы заинтересовать читателей и лучше понять ваши работы. Высказывания артистов предназначены для введения. Как гласит старая пословица, всегда оставляйте их желать большего. Слишком много деталей впереди, и глаза ваших читателей начнут блуждать.

3. Что вас вдохновляет?

Какое отношение вы имеете к своему искусству? Что мотивирует тебя? С энтузиазмом объясняйте, почему вы создаете то, что делаете, и ваша аудитория тоже отнесется к этому с большим энтузиазмом.

4. Как это сделать?

Почему вы используете определенные материалы? Какие техники вы используете? Есть ли связь между вашим процессом и посланием вашего произведения? Объяснение того, что входит в состав изделия, может помочь покупателям понять значимость и масштаб вашей работы.

5. Что для вас значит ваше искусство?

Как вы интерпретируете смысл своей работы? Теперь к этому вопросу следует подходить осторожно. Обратите внимание, что этот вопрос не направлен на то, чтобы направить ваших зрителей на то, как чувствовать или думать. Здесь очень важно сосредоточиться исключительно на собственном понимании, потому что каждый по-своему смотрит на искусство.

Цель вашего выступления художника должна заключаться в расширении охвата вашей аудитории. И установление закона о том, как именно обрабатывать ваши произведения искусства, просто лишает вас смысла и может отпугнуть покупателей.

Теперь, когда вы знаете, о чем писать…

Следуйте этим пяти советам по написанию для запоминающегося выступления художника. Ваше сочинение может принести вам или потерять отличные возможности для вашего арт-бизнеса. И хотя вы можете подумать, что ваше искусство говорит само за себя, многие считают это заявление первым знакомством с вашим брендом.