Профессия: художник

Художник: профессия или призвание?

Мне вспоминаются слова мексиканского живописца Диего Риверы, который считал все споры о назначении искусства бессмысленными. Когда его спрашивали, зачем или во имя чего люди берутся за краски, он отвечал: «Художник рисует, потому что не может не рисовать. А если может – это уже не художник!» Коль скоро у человека возникла потребность творить, он просто обязан воплотить ее. Это всё равно что вернуть долг другу; кто-то заботливо посадил в вас маленькое семечко дарования, и, если терпеливо взращивать талант в себе – когда-нибудь вы сами сможете сеять семена и вкушать плоды сочной и яркой жизни!

Нищие или жрецы?

Пожалуй, мало какой родитель искренне пожелает ребенку участи «нищего художника». Потому-то и направляют сердобольные мамаши свои чада получать нелюбимое и «перспективное» образование в какой-нибудь другой вуз. А ведь в древние времена художник считался существом высшего, сакрального порядка. И далеко не каждый имел право выражать эту тонкую связь между земным миром и материей мысли. Поэтому меня совсем не удивляет, когда даже взрослые состоявшиеся люди бросают всё, чтобы погрузиться в удивительный мир живописи. Он огромен; вокруг искусства ведется масса споров о его формах и видах… Но, ребята, не в критиках с их болтовней дело. Дело в том, что когда вы видите это внутри себя, и четко знаете, что хотите донести до зрителя, а нарисовать не можете – это трагедия!

Тем временем фундаментальное художественное образование гарантирует: вы научитесь рисовать.

Азы

Сейчас слишком многие пренебрегают «формой». Оттого в современном искусстве упадок, и поговаривают, что в Европе академическая школа утрачена вовсе. К счастью, в России картина иная: и в столице, и в регионах доступно среднее базовое специальное художественное образование. К тому же при каждом вузе есть подготовительные курсы, записываться на которые лучше заблаговременно, если вы только недавно взялись за кисть. При наличии же у вас явно выраженного дарования помочь вам могут частные уроки у преподавателя данного заведения, который хорошо знаком со всеми требованиями к абитуриенту.

Учтите: при условии пусть и усиленной подготовки по конкретному профилю – в месяц или два никак не уложиться. Ибо даже самые простые учебные заведения предполагают наличие у вас папки с достойными работами – портфолио; очень часто предпочтение отдают не самому талантливому, а тому, у кого есть подготовительное образование. Если вы никогда не занимались систематически, но обладаете способностями и большим желанием выучиться на художника – лучше отложите поступление на год и не жалейте ни времени, ни средств на подготовку.

От вундеркинда до Ван Гога

Позиция родителей в отношении моего выбора профессии была лояльна до безразличия: «Выбирай сама!» – а выбирать уже было не из чего: я рисую ровно столько, сколько помню себя. Рассуждая о том, существует ли врожденная склонность к творчеству, я всё чаще убеждаюсь, что каждый ребенок как чистый лист бумаги, и первые установки и программы на будущую жизнь на этот «лист» наносят именно родители.

Мои – не имели возможность предоставить хорошее образование, качественный досуг в платных секциях, кружках и лагерях, но они дали мне намного больше! Уважали и поддерживали мой выбор с ранних лет, добросовестно приучали к творчеству, воспитывая хороший вкус, призывали «свои неудачи превращать в возможности» – это особая смекалка бедных, которые никогда не унывают и не сдаются!

С таким багажом я без особого труда поступила и в художественное училище, и в вуз. Разумеется, мне было проще в том плане, что к своей цели я сознательно шла с самого детства, занимаясь в художественной школе и много рисуя в свободное время.

Но не отчаивайтесь, если драгоценные возможности вами уже упущены: всемирно известный Ван Гог впервые взялся за карандаш в зрелом возрасте, и это не мешает его картинам стоить миллионы долларов сегодня! Тут дело в упорстве. Ведь научиться рисовать можно всего лишь одним способом – рисуя. Много, усердно, невзирая на смущение и провалы.

«Я так вижу!»

У желающих стать художниками бывает соблазн ограничить свое образование в угоду собственной творческой независимости. Благо можно книжку почитать: абсолютно всё, что мы знаем об искусстве, уже записано, подробно зафиксировано. Изданы обучающие пособия, прекрасные подробнейшие учебники по анатомии, цветоведению, колористике и прочим художественным дисциплинам. Такова ваша фундаментальная база, на которой начнет расцветать то, чему уже нигде не учат. Ваше учебное заведение славится академизмом, приверженностью традиции и фундаментальным изучением лучших образцов мировой живописи? Иногда это можно расценить как недостаток! Ведь художнику необходима свобода творческого самовыражения: загоняя его в слишком четко обозначенные рамки – расслабляешь фантазию, притесняешь самобытность автора.

Но… сколько встречала я этих несчастных выпускников новомодных студий с философией: «Это не бездарная мазня, а просто я так вижу!» – которые потом мучаются в жалких потугах «родить» что-то стоящее! Те, что поглупее, огрызаются, хают академизм, ударяются в дешевенький эпатаж. А нормальные люди – не стесняются продолжать свое образование и самообразование. И зачастую одним упорством добиваются большего, чем иные ленивые пусть даже и гении!

Не забывайте, что духом свободы будет пропитан каждый день вашего обучения живописи. Любой творческий вуз предполагает неформальную обстановку: вы забудете, что такое звонок на урок, будете ночевать в мастерских, перестанете мыслить стандартно, выглядеть скучно. Поверьте: для каждого студента это незабываемое, яркое, парадоксальное, ни на что не похожее время в жизни! Здесь всё целиком и полностью зависит от вас: ведь вы можете слепо и бездумно выполнять все требующееся, действуя «по указке», – а можете, используя базовые навыки, изучая основы, развиваться в своем собственном направлении, экспериментировать и искать. Чем я и занималась, просиживая в библиотеке часами, копируя нравившихся мне авторов. Просто так, для себя.

Кстати, поистине самый большой дар, который я получила благодаря своему образованию, – это как раз удивительная свобода! Никто не может гарантировать вам востребованность вашего уникального таланта, не подкрепленного школой, – зато профессиональные навыки и диплом дают вам право и возможность браться за интересные проекты, будь то репетиторство или творческая работа на заказ. О, если бы вы знали, сколько раз меня выручало мое академическое образование, прежде чем я смогла продать что-то «свое»! Я расписывала стены, рисовала парадные портреты, занималась с детишками и оформляла книги! Всё это – и опыт, и возможность продержаться «на плаву», пока вы не имеете возможности существовать только за счет искусства. Вы можете заработать своим талантом в любом месте, в любое время, независимо от графиков, биржи труда, стажа и прочего!

Шумная карьера

Если вы думаете, что по итогам обучения автоматически сможете и реализоваться в профессии, то это заблуждение. Вузы и академии выпускают массу примерно одинаково хорошо рисующих ребят с большими амбициями. А дальше всё зависит… ну да, правильно, опять от вас.

Сегодня «гений тот, кто громче всех об этом кричит». Ведь есть талант – а есть талант продвигаться! Порой отсутствие таланта рисовальщика не мешает наличию способности у того же самого человека чувствовать дух времени. Вот и появляются все эти безумные забияки, готовые раздеваться на публике во имя каких-то там, им одним понятных, «высоких» идей. Что самое парадоксальное – находятся люди, готовые им рукоплескать. А потом говорят об упразднении каких бы то ни было норм в современном искусстве…

Впрочем, не стоит обольщаться, что на «цирке» нынче можно быстро и без труда обогатиться. В последнее время заметна тенденция возвращения к традиции – и кураторы не жалеют ни сил, ни времени на поиск настоящих талантов.

Впрочем, некоторые настоящие таланты спрятались слишком хорошо.

Полотна на шкафу

Галеристы жалуются на тех современных творцов, которые, потрясающе рисуя, тем не менее одержимы предрассудком, будто «настоящее искусство не продается». Такие люди не способны разговаривать с заказчиками, кураторами, не видят в этом смысла, считают ниже своего достоинства… или просто настолько ушли в свой мир, что уже откровенно мало чем интересуются. Знала я одну девушку, одаренную сверх меры. Работы ее будоражили меня. Мне-то повезло: мы учились вместе, и я регулярно видела её новые работы. А вот все остальные – увы, в обозримом будущем вряд ли будут иметь такое счастье, ибо художница оказалась строптивой, нелюдимой и картины предпочитала хранить на шкафу. Неоднократно я пыталась склонить ее к участию в выставке, хоть какому-то продвижению вовне, но ее это не интересовало. Очень грустно и обидно. Притом что любое специальное учебное заведение дает массу возможностей для продвижения. Это и конкурсы, семинары, выставки, практики в интересных местах; и знакомства с уникальными представителями выбранной профессии. Кроме того, не забывайте, что все ваши сокурсники тоже станут художниками (и всегда есть шанс, что прославленными). Сколько ценных, стратегически важных и просто интересных связей в одном месте! Вы же рассчитываете когда-то начать зарабатывать на вашем таланте?

У картины будет ваша душа

Каждый художник – это, с одной стороны, кропотливый, дотошный ремесленник, трудяга, тренирующий руку и зоркость, как средневековый стрелок; с другой – философ и мечтатель, вечный ребенок, с чистым сердцем и тонкой душевной организацией. Художники сегодня – это те, кого в прежние времена звали «трубадурами»: глашатаи современности, гиперчувствительные индикаторы нравов и последние романтики.

Сегодня настоящий творец должен помнить о той ответственности, которую налагает на него дар нести людям информацию посредством своего таланта, своих картин. Я не раз убеждалась, как важно для творца сохранять нравственную чистоту, следить за всем, что проникает в сознание. В картинах, цветах, мазках, линиях, сюжетах всплывают сказанные вами слова – нервным штрихом; теплые августовские ночи – насыщенным ультрамарином; ваши дурные помыслы – негативным фоном, отвращением, которое вдруг испытываешь неосознанно, глядя на иные сюжеты.

Без духовности вы навсегда останетесь «технарем», прекрасным и никому не интересным рисовальщиком, поскольку мастерство требует внутреннего наполнения – того, что называются жизнью в творчестве. Впрочем, существует и другая крайность, когда человек, «улетев в облака», забывает, что даже самые возвышенные идеи необходимо облекать в доступную форму. Иначе они понятны только вам, а для всех остальных никакой особой ценности не представляют. Я уж не говорю про интерес…

Найдите образ своей жизни

Так как же построить хорошую и грамотную карьеру в художественной сфере, не умерев с голода и не поступившись при этом своими принципами? Отвечу: стать не просто художником, а художником жизни!

Пришло время суперпрофессионалов – они и рисуют изысканно, и остросоциальных вопросов не боятся, и обладают богатым духовным миром, из которого черпают новаторские идеи и вдохновляющие решения.

Сегодня заказчик и сам может, условно говоря, купить себе цифровой фотоаппарат и делать в фотошопе реалистичные портреты не хуже Репина. Поэтому платят не за «красивые цветочки», а за концепции. И тут очень важна лично Ваша позиция, Ваш образ, то, что Вы несете в мир.

Поэтому не будьте однодневками и пустословами – обретайте вес своего влияния через усердное обучение, самопознание и труд души. А наградой вам будет та удивительная жизнь, полная свободы, счастья и признания, которой сегодня живут всё больше и больше художников по всему миру!

Автор: Дарья Щелочилина, художник
Источник: Абитуриент

Профессия Художник — Описание, история. Где и как получить профессию. Особенности профессии. Важность профессии. «Моя будущая профессия

  История появления профессии ХудожникКак возникла профессия? Как развивалась профессия?

Как только у человека появился разум, он стал пробовать рисовать. Первые произведения искусства – это найденные учеными первобытные статуэтки, наскальные рисунки на стенах пещер. Эти произведения были созданы во времена позднего палеолита. С развитием народов развивалось и искусство живописи, появлялись разные направления, жанры, манеры письма. В 20 веке художникам удалось найти новые способы применения своего искусства: компьютерная графика, татуировки, фотография.

  Значимость для обществаВажность, значение и социальный статус профессии

Положение художников в обществе часто зависит от экономической ситуации: если она стабильна, у людей все нужное для жизни есть, и появляется время и возможность для увлечения искусством. Во времена кризиса немногие могут себе позволить покупать картины или посещать выставки и галереи. И все же без труда художников жизнь была бы намного скучнее и безрадостнее.

  Особенности профессии ХудожникУникальность и перспективность профессии

Художнику необходимо не только знание теории рисунка или композиции, правил смешивания красок или значения света. Он должен обладать талантом, терпением, воображением. Эту профессию массовой назвать нельзя. Каждый художник уникален, обладает своей манерой, старается передать свое видение мира.

  «Подводные камни» профессии ХудожникВсе за и против профессии. Сложности и особенности.

Художники часто являются людьми экспрессивными, отрицающими реализм. Но избежать его очень трудно. Ведь художник работает на потенциального клиента: картину нужно продать, дизайнерский проект должен выражать актуальные тенденции. Подобные рамки и ограничения для творческой личности часто бывают неприемлемы. Отсюда стрессы, непонимание, финансовые трудности.

  Где и как получить профессию ХудожникГде обучают профессии?

Талантливые дети поступают учиться в художественные школы. После их окончания можно продолжать обучение в художественном училище, в университете. Сегодня появляются новые специальности, которые соответствуют спросу работодателей: модельер, художник-стилист, декоратор, дизайнер и др.

Художник – Описание профессии. Где учиться и где работать

Описание профессии

Профессия включает несколько специализаций, в зависимости от вида деятельности.

Есть художники по костюмам, тканям, художники-оформители, иллюстраторы, художник кино, фотохудожник, театральный художник, художник-реставратор, а также живописцы, создающие картины — пейзажи, портреты и т. д.

Спрос на рынке труда не очень большой. Более востребованы не живописцы, создающие монументальные полотна, а специалисты по декоративно-прикладному искусству, художники-оформители. Уровень доходов может быть очень разным: многие художники почти бедствуют, однако некоторые становятся и весьма состоятельными людьми.

В среднем, у тех, кто занят на постоянной работе, зарплата несколько ниже среднего дохода в промышленности; про тех же, кто живет с гонораров и средств от продажи своих произведений, сказать что-либо определенное трудно, их доходы практически непредсказуемы (чаще, впрочем, невысоки).

Однако настоящие произведения искусства всегда ценятся, и с появлением имени стоимость работ художника сильно возрастает.

К некоторым художникам заказчики стоят в очереди годами, а их работы стоят баснословных денег. Также есть перспектива открыть собственный художественный салон, студию.

Видео Профессия «Художник-реставратор».

Личные качества

Талант, талант и еще раз талант.

Образование (Что надо знать?)

Художник должен быть талантливым, уметь рисовать и чертить. Не обойтись ему без специальных знаний — правила смешиваний красок, значение света и качества используемой туши, бумаги, карандашей.

Место работы и карьера

Существует выражение «свободный художник» его применяют не только к представителям этой профессии, но ко всем тем, кто может позволить себе не придерживаться расписания, а трудиться по вдохновению, когда и как душе угодно. Действительно, некоторые художники так и живут: творят в студии или дома, на природе или на улице.

Их рабочий день может проходить за компьютером или за столом, за мольбертом или на строительных лесах, стоя или сидя, а иногда даже лежа! Трудиться можно на заказ, разыскивая клиентов и/или каналы сбыта своих произведений самостоятельно, или в различных компаниях. Свободные художники имеют возможность сдавать свои работы в различные галереи и магазины.

Во многих городах есть места, где они прямо на улицах продают свои картины или предлагают прохожим выполнить портрет. Тем не менее, так живут далеко не все художники: ведь многие работают на текстильных предприятиях, в издательствах и дизайнерских фирмах, на фабриках народных промыслов и т. п. Там сотрудники должны придерживаться графика, который может быть свободным или по сменам.

Даже если художник творит в свободном режиме, заказчики часто устанавливают определенные сроки, в которые нужно укладываться исполнителю.

Родственные профессии:

, Актер, Актриса, Дизайнер, Писатель, Ювелир

Где учиться?

Професія Художник: опис, де вчитися

Художник — це професіонал, здатний вигадувати і створювати художні образи на різних матеріалах і в різних площинах.

Картини, мультфільми, комп’ютерні ігри, ілюстрації, розпис посуду і текстилю – все це заняття, яким присвячують свій робочий час сучасні художники.

У даний момент такі кваліфіковані майстри затребувані в багатьох областях інтелектуальної та виробничої сфери. Це й не дивно, адже в основі будь-якого логотипу, упаковки або візерунка лежить певний художній образ, спеціально створений професійним художником.

Сфери зайнятості художників

•  Образотворче мистецтво – малювання картин (портретів, пейзажів, натюрмортів або шаржів).
• Ілюстраційна робота – придумування та промальовування персонажів книг, мультфільмів і комп’ютерних ігор, створення художніх концепцій для журналів, візуальних презентацій, канцелярських товарів, сувенірної продукції і т.д.  
• Декоративно-оформлювальна діяльність – розпис стін і фасадів будівель, розробка декорацій, оформлення дитячих майданчиків, зон відпочинку, парків і скверів.
• Створення нових моделей і принтів для одягу, взуття, аксесуарів і т.д.
• Викладання малювання дорослим і дітям.

ВИМОГИ ДО ХУДОЖНИКА

• вища профільна освіта;
• знання основ компонування квітів, композиції, анатомії людини та історії образотворчого мистецтва;
• вміння малювати в різних техніках;
• навички використання різного художнього інструмента (рензлі, крейди, вугілля, олівці і т.д.).

Вміння малювати від руки є обов’язковою умовою для освоєння професії «художник», а також багатьох інших творчих професій, наприклад, таких як: дизайнер, скульптор, архітектор, декоратор і т.д. 

Для того щоб стати художником на професійному рівні, необхідно почати навчання якомога раніше: спочатку закінчити спеціальну художню школу, а після — профільний художній ВНЗ.

Як здобути вищу мистецьку освіту в Чехії БЕЗКОШТОВНО?!

Кто такой 3D-художник в геймдеве. Обзор изнутри от Елены Барабанщиковой

Про профессию рассказывает Елена Барабанщикова, арт-продюсер в Playgendary. В геймдеве с 2012 года, в компании с 2019.

Продолжаем цикл материалов про ИТ-специальности. Каждую из них описывает «типичный представитель» — опытный специалист. Мы надеемся, эти материалы помогут школьникам, студентам, переквалификантам, джуниорам и сочувствующим выбрать специальность в ИТ, оценить перспективы или просто сверить часы с авторитетным коллегой. Обсуждайте и дополняйте материал в комментариях, чтобы сделать его ещё полезней.

Чем занимается 3D-художник

3D artist, он же 3D-художник, создаёт трехмерные объекты и текстуры для компьютерных и мобильных игр. Также он может заниматься графикой для кино и рекламы, визуальными эффектами, моделированием архитектуры и природных ландшафтов. 

Задачи 3D-художника зависят от жанра, визуального стиля или особенностей разработки графики. Еще важно, на каком этапе специалист включился в работу: проект только начали разрабатывать или его уже какое-то время делает постоянная команда с определенным набором навыков и инструментов. Вряд ли арт-отдел в середине разработки перейдет с Maya на 3ds Max — часть работы уже сделана, а вносить масштабные правки в имеющийся контент и переучивать команду слишком затратно.

Я нахожусь на должности, которая является следующей ступенькой развития специальности. Занимаюсь формированием стилей продуктовых линеек, оценкой визуала с точки зрения трендов, развиваю арт-отдел и его взаимодействие с другими командами, готовлю различную документацию по арту. Иногда что-то рисую, но, скорее, на уровне концептов.

Что нужно уметь

Пути к погружению в 3D разные. Но лучше иметь художественную или инженерную базу — с ней изучать специальность намного проще. Я, например,  по образованию художник-проектировщик. Закончила архитектурно-строительный университет, где получила базовые знания по композиции, колористике и формообразованию. Еще во время учебы быстро пришло понимание, что многие вещи по моей специальности делать проще и эффективнее на компьютере. 

Очень поможет базовое знание английского языка, так как на нем написана основная часть технической информации и гайдов по инструментам. 

В игровой индустрии нужны не только художественные навыки и знание инструментов, но и софт-скиллы для работы в команде. Например, спокойно воспринимать критику, ясно формулировать и выражать свои мысли, давать понятный фидбек коллегам и так далее. Это важно как для офисного сотрудника, так и для удаленного.

В крупных компаниях набор необходимых hard skills также от области работы. Вот база.

• Полигональное моделирование. Разновидность трехмерного моделирования, которое позволяет создавать объекты с помощью полигональной сетки. Если три точки координат (XYZ) представить в виде вершин и соединить их ребрами, то получится треугольник, — это и есть полигон. 

Инструменты: 3ds Max, Maya, Blender.

• Скульптинг. Способ моделирования объектов, с помощью которого можно придавать форму и добавлять детали подобно лепке из пластилина или глины. Этим методом из примитивной болванки (заготовки) получают сложные высокодетализированные формы.

Инструменты: ZBrush, Blender.

• Ретопология. Оптимизация полигональной сетки модели. Ретопология нужна для снижения веса 3D-объекта, дальнейшего текстурирования и анимации модели.

Инструменты: Maya, 3D-Coat, TopoGun.

• UV-развертка. Это процесс переноса 3D-координат на 2D-изображение. То есть раскладывание трехмерной модели в двумерном пространстве. Развертку используют для подготовки 3D-модели к текстурированию.

Инструменты: RizomUV, UVLayout, Maya.

• Текстурирование. Придание 3D-модели и ее поверхности нужных свойств с помощью наложения текстуры.

Инструменты зависят от стиля текстурирования: хендпейнт (3D Coat), PBR и близкая стилизация (Substance Painter, Substance Designer).

• Рендеринг. Это процесс создания финального изображения или последовательности из изображений на основе двумерных или трехмерных данных.

Инструменты: Corona, V-Ray.

К окончанию института я хорошо ориентировалась в Photoshop и 3ds Max. Был опыт фриланса и небольшое портфолио из некоммерческих проектов, стилизованное под игровое.  Поэтому я легко попала в геймдев, где научилась делать контент разного типа: от изометрических построек и казуальных персонажей до транспорта и иконок.

Какие бывают специализации 3D-художника 

На высокобюджетных игровых проектах, как правило, они разделяются. Это зависит от типа контента и инструментов, в которых он создается.

3D Character Artist занимается графикой для персонажей. Художник по персонажам должен знать и понимать анатомию, принципы визуального восприятия и не только. Он прекрасно владеет софтом для создания фотореалистичных портретов (например, Mari) и натуралистичной одежды (Marvelous Designer).

Примеры работ: Марии Панфилова, Ёсуки Ишикавы.

3D Environment Artist создает игровое окружение. Его главная задача — усиливать игровой опыт и погружать игрока в атмосферу. В этом помогают программы/плагины для генерации растительности (SpeedTree) и ландшафта (World Machine, World Creator). Substance Designer в работе 3D Environment Artist имеет особое значение — это главный инструмент по созданию процедурных материалов окружения. Знание архитектурных стилей или, например, ландшафтного дизайна для этой специализации будет плюсом.

Пример: портфолио Александра Мелентьева. 

3D Hard Surface Artist создает механизмы, оружие и технику. Инженерный опыт в этой работе очень полезен. Такой специалист имеет глубокие знание программ CAD (например, Fusion 360), чтобы работать над сложными механическими конструкциями, в которых требуется особая точность.

Пример: портфолио Виталия Булгарова.

3D VFX Artist делает трёхмерные визуальные эффекты. Он создает финальные штрихи для визуала проекта и наводит красоту. Нужно знать программы для FX, такие, как Houdini, или плагины для 3D-редакторов их заменяющие, редакторы частиц и эффектов для всех основных движков (в случае игр), а также классические рендеры (в случае синематиков).

Пример: эффекты для World of Warcraft от Сары Кармоди.

3D Texture Artist создает материалы для трехмерных моделей. Substance Designer, Substance Painter и Mari — главные инструменты этой специализации. Здесь важен наметанный глаз на параметры реальных материалов, а также умение повторить их реалистично. Кроме того, обязательно знать принципы работы материалов для классических рендеров, синематиков и PBR (physically based rendering — концепция рендеринга, основанная на физических принципах).

3D Technical Artist выступает связующим звеном между 3D-художниками и разработчиками. Он должен досконально знать весь процесс отображения трехмерной графики на хардверном и софтверном уровнях. Понимать, как работают шейдеры (в идеале — уметь их писать), знать особенности основных игровых движков (UE4, Unity), способы оптимизации элементов трехмерной графики и их влияние на производительность.

3D Generalist занимается широким фронтом работ. Это специалист с максимально большим набором навыков и освоенных программ. Он может работать как с графикой для синематиков, так и для игр с 3D-реалтайм.

В инди-проектах и небольших студиях художник должен быть универсальным бойцом. Уметь моделить, рисовать концепты, делать эффекты и анимации, заниматься интерфейсами и так далее — набор скиллов зависит от потребностей проекта. В случае чего специалисту приходится быстро учиться.

Как стать 3D-художником

3ds Max, CAD и визуализации можно научиться на специальностях «архитектура и градостроительство», «дизайн интерьера» или «промышленный дизайн». Если вас тянет к прекрасному, то выберите художественную специальность, а если ближе точные науки — то инженерную. Помните главное: в любом учебном заведении есть свои нюансы в программе обучения и многое зависит от преподавателей, но в большей степени — от вас.

Если в 2D результат зависит в основном от творческих навыков, насмотренности и наличия художественной базы, то для вхождения в профессиональный мир 3D понадобятся глубокие технические знания и навыки, которые нарабатываются годами обучения. И, как правило, самостоятельного.

В этом помогут курсы, которых сейчас великое множество: очные, дистанционные, платные и бесплатные. Вот некоторые из них:

• Scream School — долгосрочные программы по обучению 3D.
• XYZ School — русскоязычные курсы с бесплатными базовыми уроками.
• Render.ru — дистанционные курсы.
• Skills Up School — курсы для начинающих 3D-художников.
• Gumroad — англоязычные онлайн-курсы.
• Pluralsight — англоязычные онлайн-курсы с десятидневным бесплатным доступом.
• Masters of Digital Painting — лекции по 3D и 2D от разных художников.

Кроме того, есть много бесплатных обучающих материалов в свободном доступе. К примеру, вот несколько полезных ютуб-каналов:

Карьера

За два-три года работы в геймдев-студии 3D-художник дорастает с Junior до Middle-позиций. Еще через несколько лет можно стать Senior. Но не каждому — для этого нужны глубокие технические познания и скиллы. Кому-то комфортнее оставаться линейным специалистом без лишних обязательств — и это нормально.

Дальше можно выбирать, куда развиваться: в сторону арт-дирекшна и менеджмента или продолжить путь эксперта. Если работать на высокобюджетных проектах, то обычно рост от линейного художника до арт-директора занимает 7-10 лет работы в индустрии (при условии, что специалист в этом заинтересован). Тут все индивидуально.

Курсы Coursera по теме:

О профессии 3D-художник и карьерном росте — Дмитрий Иванов

Порой на собеседования, которые я провожу с будущими учениками, приходят студенты 4-5 курсов. Приходят, потому что утратили интерес к учебе в ВУЗЕ, им стала не интересна выбранная профессия. Это не мое — говорят они и признаются, что до поступления видели будущее несколько иначе. Моя задача — кратко проинформировать вас про возможное будущее.

3D-художник, 3D artist, 3D-дизайнер, моделлер-текстурщик, просто моделлер, просто текстурщик — так вас могут называть, если вы связали свою жизнь с 3D. Все это примерно одно и тоже.

Чем занимается 3D-художник в игровой индустрии

Простыми словами, 3D-художник создаёт на заказ модели и текстуры для них. Вам дают фото или рисунок, и просят сделать также, но в 3D. Как моделить и текстурить — дело ваше, но конечная работа должна соответствовать заданным требованиям.

Вот некоторые из них:

• Поликаунт
  Ограничение по количеству полигонов, из которых должна состоять 3D-модель.

Пример работы нашего студента Александра, которую он сделал на втором месяце обучения. На модели видна полигональная сетка, всего вышло 9204 полигона

• Размер текстур
  Текстура — изображение поверх модели, которое передаёт её внешний вид. Как правило, размеры текстур кратны четырём. Часто используются 1к, 2к, 4к (1024x1024px, 2048x2048px, 4096x4096px), но бывают и другие.
• Количество материалов
  Передающих физические параметры 3д-модели (например, шероховатость)
• Количество лодов
  Лоды — версии 3D-модели, которые сменяют друг друга в зависимости от расположения камеры. Если камера дальше — показывается наименее детализированная модель, и наоборот.

Есть ли творчество в 3D-моделировании

Многие идут в 3D-художники за творчеством, не зря же в названии есть слово художник. На самом же деле, данная профессия ближе к ремесленнику — именно с творческой части.

Ремесленник (в отличие от художника, творца) — тот, кто работает без творческой инициативы, вдохновения, шаблонно. Подобное противопоставление является современным, поскольку в древности ремесло и искусство не разделялись. Хочется отметить, что чем меньше компания, тем больше возможностей для творчества.

Иерархия и карьерный рост в профессии 3D-художника

Специалист, набираясь опыта, растет в профессиональном плане. Иерархическая структура, о которой я расскажу ниже — субъективная. Некого стандартного, прописанного где-то разграничения — нет. В разных компаниях может быть по-разному.

Стажёр

Стажёр, или интерн, — лицо, поступившее на новую работу и проходящее испытательный срок, в течение которого оцениваются его способности и приобретается опыт работы в своей специальности. По сути, это продолжение обучения.

Творчество
Его особо нет — что сказали то и сделал. Как в армии.

Время
Этот период развития занимает примерно 2000 часов или 1 год. Минимум.

Ответственность
Скорее небольшая. Все понимают, что вы можете накосячить. И не ждут от вас многого.

Деньги
Зарплата = 0 или совсем небольшая. Вы продолжаете учиться, но в условиях, приближенных к боевым, и при этом очень интенсивно.

Джуниор / Junior

Может работать самостоятельно и выполнять реальные производственные задачи. Однако ему требуются подсказки, как сделать работу эффективно. При этом, за выполнением задач необходимо следить, контролировать время и качество.

Творчества так же мало, как и у стажёра. Это касается выбора задач, но не методов их выполнения. Как раз в последнем джун может раскрыть свой творческий потенциал в полной мере. Например, придумать как выполнить работу, которую профессионал делает за 8 часов, за 4 часа, но с тем же качеством.

Время
3000 часов или 2 года. Примерно.

Ответственность
Небольшая, но толковому джуну уже можно и нужно доверять. И если что, спрашивать по всей строгости.

Деньги
Зарплата есть, но небольшая.

Подробнее про зарплаты можно узнать здесь.

Во время своего карьерного роста вы окажетесь на двух перекрестках и сможете сделать выбор. Возможно, это произойдет раньше. Или позже. Все зависит от вас.

Перекресток первый

Что выбираем? Во-первых, можно выбрать другие направления в развитии, такие как визуальные эффекты, анимация, геймдизайн, техарт, менеджмент, UI/UX, можно стать дженералистом, то есть специалистом на все руки и так далее. А можно вообще уйти из игровой индустрии.

Если вы решили остаться — во-вторых, вы можете определиться, что вам больше всего интересно делать в рамках профессии 3D-художника. Моделировать персонажей или техники, создавать ландшафты или работать исключительно с текстурами и так далее.

Не буду рассматривать все возможные варианты, ведь на нашем ютьюб-канале уже есть подробнейшая лекция на тему профессий в геймдеве. А здесь продолжим разговор про 3D.

Мидл / Middle

Мидлы — основная рабочая лошадка индустрии. Такой специалист может выполнять практически любые задачи и очень хорошо разбирается в теме.

Творчество
Есть, и много. Выполняются интересные и сложные задачи. Особенно — в небольших компаниях.

Время
От 3 до 5 лет.

Ответственность
У мидла высокая. Он помогает джунам и стажёрам. Хорошего мидла характеризует высокая самостоятельность или, как ещё говорят, автономность в работе. Дал такому человеку задачу и забыл, а через отведенное время получил требуемый результат. Контроль минимален.

На этом этапе вы можете задуматься о том, чтобы стать ведущим художником. Особенно если вам нравится помогать другим и придумывать новые, более эффективные методы решения производственных задач.

Деньги.
К этому времени у вас по идее должна быть хорошая зарплата. Как правило.

Сеньор / Senior

Или лидартист, супервайзер. Крайне опытный специалист. Ему доверяют сложную работу. Может до 50% времени тратить на помощь джунам и мидлам. Проверяет их работы. Принимает участие в их обучении. Предлагает новые, эффективные варианты решения производственных задач.

Творчество
Большие возможности для творчества. Максимально сложные задачи. К мнению этого человека прислушиваются и он может дать полезный совет, опираясь на свой опыт.

Время
От 5 до 10 лет.

Ответственность
Высокая. Сеньоры и лиды не только выполняют свою работу, но и помогают другим. На это может уходить и половина, и даже всё рабочее время. Умение и желание делиться информацией и помогать начинающим — одни из самых важных и ценных навыков. На втором месте, по-моему, желание придумывать новое и красивое через технологии или творчество.

Деньги
Пожалуй самые большие зарплаты в индустрии у людей на этой стадии развития.

Перекрёсток второй

После 10 лет работы вы снова на перепутье и можно выбрать разные направления дальнейшего развития. Уйти в арт-дирекшн, образование, заняться управлением разработки игр — в общем, делать то, к чему душа лежит еще 10 лет, а может и до пенсии.

Менять направление развития не обязательно. У каждого свой путь. Можно до конца жизни тихонько клепать крутые модели или текстуры и вкладывать душу во что-то другое. Главное, быть счастливым и приносить другим людям пользу 😊

Для тех, кто в начале пути

Напоминаю, что это была моя субъективная точка зрения на основе моего опыта. Старался изложить всё кратко, максимально просто и понятно. Без учета нюансов и разных особенностей. А они есть и их много!

Что теперь делать вам? Если озвученная информация кажется вам достоверной — подумайте, ваша ли это профессия, хотите ли вы ей заниматься долгие годы.

Не доверяете мне — обратитесь к другим источникам информации. В любом случае, выбирать необходимо не спеша. С толком и расстановкой. Это ваша жизнь, ваша энергия, силы, время и деньги, которые вы будете тратить на обучение. Хочется надеяться, что все это будет не напрасно.

Но если 3Д-графика — это то, к чему лежит душа, немедленно приступайте к изучению, работе и экспериментам. 3D-моделирование можно изучить самостоятельно — для этого следует запастись терпением и начинать гуглить уже сейчас.

На Полигоне же мы учим систематизированно, уделяем кучу времени практике и командной работе. Студенты осваивают такие навыки, какие требуются на актуальном рынка геймдева. 

Вы можете посмотреть учебные работы наших студентов вот тут или программу курса «3D-художник» — чтобы убедиться в утверждениях выше.

Следующая статья

Что мы узнали из анонса Unreal Engine 5 и почему движок изменит 3D-моделирование

Профессия художник

Художник – это творческая профессия. В рамках данной профессии можно выделить несколько специализаций: художник-иллюстратор, художник-график, художник-карикатурист, художник-копиист, художник миниатюрной живописи, художник-модельер, художник-реставратор и другие. Специалист данной профессии может работать в частных студиях, художественных мастерских, издательствах книг, газет и журналов, выставочном и рекламном бизнесе, салонах моды, а также осуществлять преподавательскую деятельность в специальных учебных заведениях.

Функциональные и должностные обязанности художника

Основная задача художника-иллюстратора – создание иллюстраций к книгам, к статьям в журнале, газете наиболее подходящим способом – от простого карандаша до компьютерной графики.

Художник-график может заниматься оформлением книг, иллюстраций к литературным произведениям, журнальной и газетной графикой, созданием различных рисунков, гравюрой – созданием печатных художественных произведений на металле, дереве, картоне, пластмассе, линолеуме и литографией – гравюрой на камне, а также натурными набросками, эскизами к произведениям архитектуры, скульптуры, живописи, компьютерной графикой и прочее.

Художник-карикатурист занимается созданием карикатур, комиксов на определенную тематику с использованием определенной цветовой гаммы.

Художник-копиист создает профессиональные копии известных картин.

Художник миниатюрной живописи работает над созданием миниатюр (росписей) на любом материале – например, на стекле, фарфоре, кафеле и т.п.

Художник-модельер создает эскизы и разработкой образцов новых актуальных моделей одежды.

В обязанности художника-реставратора входит восстановление произведений искусства, имеющих историческую и культурную ценность.

Квалификационные требования к художнику

Художник должен иметь высшее либо среднее профессиональное образование, обучение в художественной школе, художественные способности, творческое мышление, развитое воображение, фантазию, а также знать специальные компьютерные графические программы.

Карьера и зарплата художника

Заработная плата художника зависит от типа заказа, уровня профессионализма, трудолюбия и специализации. Художник может реализовать себя в смежных профессиях в качестве дизайнера, строителя.

Professional Artist Magazine — Журнал для профессиональных художников

Как работающий художник, вы должны профессионально представлять свои работы на фотографиях. ~ Стив Мельцер

Репродукция фотографии — это не то, чем большинство художников должны заниматься сами.~ Стив Мельцер

Если вы заинтересованы в продвижении своего искусства и одновременно поддерживаете какое-либо дело, местные некоммерческие организации ждут вашего ответа. ~ Монетт Саттерфилд,

Неудача может быть болезненным, но прекрасным опытом, потому что это означает, что у вас хватило смелости попытаться достичь чего-то особенного.~ Джек Уайт

Если клиент делает разумный запрос, не охватываемый вашей существующей философией, есть возможность проявить гибкость. ~ Елена Парашко

Внимательно и внимательно посмотрите на те вещи, которые, по вашему мнению, вам не нравятся, и посмотрите, действительно ли они настолько непохожи на них.~ Эрик Мейзел

Даже если клиент груб, всегда сохраняйте свой профессионализм. ~ Елена Парашко

Если вы четко излагаете свои политики и процедуры в устной и письменной форме, клиенты знают, что входит в ваши услуги, и понимают, кто за что отвечает.~ Елена Парашко

Вырвитесь из привычной рутины и попробуйте что-то новое и интересное, включив временные работы в свои усилия. ~ Монетт Саттерфилд,

Теперь, когда мир стал цифровым, нет оправдания тому, чтобы не фотографировать все, что вы производите.~ Стив Мельцер

How Art Careers Happen — журнал профессиональных художников

Карьера художников уникальна, как их отпечатки пальцев. Мы видим, как художники лицензируют свои изображения на продуктах, обучают искусству людей с ограниченными возможностями развития, продают оригинальные картины в крупных розничных магазинах, таких как Crate & Barrel, и проводят свою первую персональную музейную выставку в 80-е годы.Как складываются эти карьеры?

Многие художники сопротивляются слову «карьера», полагая, что оно подразумевает продвижение по проторенной дороге с четко обозначенными указателями, решениями, принимаемыми на основе расчетов, и долгосрочным бизнес-планом, определяющим каждый шаг.

Арт-карьера, конечно, не похожа на это, но все равно случается. Они блуждают, идут в обход и поворачиваются вспять, разворачиваясь непредсказуемым образом, часто без сознательного планирования.

Три представленных артиста, Алиса Берк, Крис Мотли и Лия Кук, были выбраны потому, что их необычная карьера очень различалась.Одна художница работала на факультете крупного художественного института, другая создала успешный онлайн-бизнес из своего дома в небольшом городке на побережье Орегона, а другая сделала карьеру левого полушария юриста, прежде чем пробиться в мир искусства. Чему мы можем научиться из их успеха?

Алиса Берк (alisaburke.com) — живописец и художник смешанной техники. Она поддерживает свою семью, ведя многогранный арт-бизнес. Она предлагает онлайн-классы, продает книги и DVD-диски, проводит семинары и ретриты, продает свои картины, коллажи и книжки-раскраски для взрослых и даже запустила линию модных аксессуаров.Берк ведет ежедневный блог и имеет 50000 подписчиков в Instagram. Ее бренд — «Новое определение творчества».

Крис Мотли (chrismotleyart.com) 30 лет проработал «левополушарным» юристом в государственном секторе. У нее нет образовательных навыков, хотя она всю жизнь увлекалась искусством. Ее мать научила ее вязать, когда ей было 10 или 11 лет. После того, как она закончила юридическую карьеру, она начала вязать ожерелья. Постепенно ее работа развивалась, пока она не создала трехмерные скульптуры, оригинальность которых получила ее национальное признание.

Работы Лии Кук (liacook.com) можно найти в коллекциях Художественного музея Метрополитен, Музея современного искусства, Смитсоновского института и Института искусств Чикаго, а также многих других. Она работает в различных медиа, сочетая ткачество с живописью, фотографией, видео и цифровыми технологиями. В настоящее время она сотрудничает с нейробиологами, чтобы исследовать нашу эмоциональную реакцию на изображения, отображая эти реакции в мозге. 40 лет она проработала профессором изобразительного искусства и текстиля в Калифорнийском колледже искусств.

Чему мы можем научиться, глядя на карьеры таких разных художников? На первый взгляд кажется, что у них мало общего, но когда мы исследуем их карьеру, мы обнаруживаем некоторые интересные закономерности.

Обратите внимание на моменты озарения

Карьеры этих художников не были ни полностью случайными, ни тщательно спланированными, но каждый вспоминает момент озарения, когда они видели будущее. Момент «ага» для Берк наступил, когда она впервые провела урок в некоммерческом художественном центре.Она много лет занималась искусством. Ей было трудно зарабатывать на жизнь продажей своих картин и рисунков в галереях. Когда она вызвалась преподавать в некоммерческом художественном центре, для нее «что-то щелкнуло». Открытость среды позволила ей создать свой собственный стиль обучения и содержание. Реакция ее учеников была немедленной и восторженной.

Внезапно она поняла, что ей не нужно выбирать один вид искусства над другим, чтобы стать просто художником, гравером или мастером, но она может делать все это и делиться своими знаниями с другими художниками.Это понимание стало ее брендом: «Новое определение творчества».

Кук также попробовал несколько разных профессий. Хотя она всегда ходила на уроки рисования и у нее была работа, показывающая слайды для урока истории искусства, она не думала об искусстве как о карьере, отчасти потому, что ее брат был назначен «художником» в семье. Она изучала политологию и думала о поступлении на дипломатическую службу. Затем она поехала на автобусе в Мексику, посетила Оахаку и Чьяпас, где увидела женщин, ткающих на ткацких станках. Это было ее первым открытием текстиля ручной работы, материала, который вдохновлял и определял ее карьеру на протяжении десятилетий.Она заинтересовалась взаимоотношениями между текстилем, ремеслом и изобразительным искусством. Позже она поняла, что поездка стала поворотным моментом в ее карьере.

Мотли определенно никогда не намеревался стать художником. Вязание было приятным хобби, которое дало ей занятие после того, как она ушла из долгой карьеры юриста. Вязание заполнило пробел в ее жизни. У нее всегда была личность юриста, и когда она вышла на пенсию, она с облегчением могла сказать: «Я ничего не делаю, я вяжу!» Затем она стала выставлять и продавать свои ожерелья на фестивалях искусств.Момент озарения наступил, когда она увидела небольшой плакат, помещенный на ее стол: «Крис Мотли, художник».

Найдите творческое сообщество

На вопрос о том, как сложилась их карьера, все три художника отметили важность поиска сообщества: людей, которые предлагали поддержку, поддержку, информацию, подтверждение и связь с более широким миром. Свое первое сообщество художников Кук нашла, когда выставила свои работы на Международной биеннале гобелена в Лозанне, Швейцария, в 1973 году.Эта возможность была необычной, поскольку известные художники выставляли свои работы вместе с неизвестными. Кук никогда раньше не показывала свои работы, но она подала заявку, вошла в нее и в результате связалась с основными людьми в этой области. Также в 1970-х годах она была частью сплоченного сообщества художников, изменивших определение области текстиля.

Карьера Мотли не сложилась бы без поддержки двух ее критических групп. Первую группу она встретила на семинаре, и когда ее пригласили присоединиться, это означало, что ее скульптуры можно было воспринимать всерьез как искусство.Критические группы продолжают давать ей отзывы о развивающейся работе, часто побуждая ее исследовать новые направления. Она также посещает такие мероприятия, как фестиваль Worlds of Threads, где она была представлена ​​в статье и интервью.

Motley также находит сообщество, показывая свои работы в галереях, музеях и художественных центрах по всей территории Соединенных Штатов. По возможности она появляется на приемах, чтобы познакомиться с другими артистами. Она также добровольно проводит время в правлении художественного музея и профессиональной художественной организации.

Берк создала сообщество, которое теперь поддерживает ее бизнес. Она была одним из первых арт-блоггеров (2005 г.), делясь своими творческими проектами своими руками еще до того, как у нее даже появился веб-сайт. Восторженный отклик на ее первые усилия позволил создать базу лояльных клиентов для всех ее продуктов и услуг. Помимо 80 онлайн-уроков, художники по-прежнему записываются на ретриты, которые она проводит в своей домашней студии несколько раз в год. Человеческое взаимодействие поддерживает ее и ее учеников.

Связь с другими людьми и получение откликов от мира подсказали этим художникам, что их работа имеет значение.Они получили полезные профессиональные отзывы о своей работе. Им напомнили, что то, что они делают, вписывается в более широкий контекст. Участие в творческом сообществе помогло им расти.

Найдите метод в безумии

Карьера в искусстве часто идет извилистым путем. Поклонникам достижений Кука нужно помнить, что сначала она училась на актрису. Если вы завидуете успеху арт-бизнеса Берк, не забывайте, что она годами проработала «в кабинке», прежде чем достигла своей цели.Люди, знавшие Мотли как юриста, никогда бы не подумали, что критик скажет: «Крис Мотли овладел ремеслом вязания и поднял этот процесс до уровня современной скульптуры».

Однако по мере развития карьеры этих художников структура и методы становились все более важными. Когда Мотли узнала, что существует такое понятие, как «призыв к артистам», она использовала свои навыки левого полушария мозга, чтобы разработать таблицу Excel, в которой перечислены шоу, представленные жюри в Соединенных Штатах. Затем она подала заявку на всех тех, на которые имела право, и построила карьеру, не уложившись в сроки.

Берк сочетает свою творческую энергию со структурированным процессом развития бизнеса. У нее есть формула, по которой можно спланировать то, что она предлагает в разное время года в течение года. Она использует 5-летние бизнес-планы для проверки новых идей, чтобы увидеть, какие из них могут оказаться финансово жизнеспособными.

Cook проводит исследования и следит за старыми и новыми технологиями. «Я всегда изучаю новые идеи, экспериментирую, чтобы определить, каким может быть следующий шаг». В 26 лет она провела год в Швеции, изучая сложные структуры традиционного скандинавского ткачества.Ее текущая работа выросла из ее сотрудничества с нейробиологами из Медицинской школы Университета Питтсбурга.

Личный кабинет

У этих художников есть еще одно качество, общее для художников, которые со временем стали хорошо известны. Прежде чем они открыли универсальные темы или не достигли большой аудитории, их искусство было сначала личным: оно выросло из их собственной жизни.

Одна из ранних скульптур Мотли изображала «живущий в одиночестве» женский торс, держащий царапину на спине. «Для меня это было сутью жизни моей матери после смерти отца, поскольку она никогда в своей жизни не жила одна.«Произведение одновременно юмористическое и грустное, передающее сложные эмоции.

По мере развития искусства Мотли ее собственные повседневные мысли и чувства вдохновляли ее. «На краю» показывает серию лиц, балансирующих на уступе, придавая физическую форму идее тревоги. Позднее работа стала более абстрактной, но все же полной эмоций. «Вверх, действительно вниз и снова вверх» придает скульптурную форму мыслям и чувствам, которые формируют наши дни.

Работа Кук с нейробиологами выросла из ее собственного любопытства: «Меня всегда интересовало, как работает мозг.«Когда она начала исследовать реакцию на лица, показанные на фотографиях, по сравнению с лицами, созданными в виде сотканных изображений, она основывала свою работу на семейных фотографиях. «Моя мама была фотографом, поэтому у нас была огромная коллекция семейных фотографий». Она попыталась использовать анонимные изображения, но обнаружила, что ее собственные семейные фотографии вызывают больше у зрителей воспоминаний. Эти интимные лица из ее ранней жизни вызывали воспоминания из их собственных семейных историй.

Вся жизнь и бизнес Берк исходили из ее личных ценностей и интересов.Она выросла в семье художников, чья гончарная мастерская находилась в собственности. Она полагала, что ведение творческого бизнеса из дома «было естественным образом жизни». Она создала арт-бизнес, потому что хотела жить на своих условиях, а не работать над «чужими мечтами и целями». Ее собственные ценности в отношении искусства вдохновляли ее. Она никогда не делала различия между изобразительным искусством и ремеслом: «Я люблю свой клеевой пистолет так же сильно, как люблю масляную краску». Она изобрела книжки-раскраски для взрослых, целую индустрию самостоятельных проектов, а также создала книги и DVD, которые нравятся широкой аудитории художников и производителей.Она объединила свою художественную практику и свою жизнь в творческое целое, основанное на ее ДНК: «Я всегда смотрела на мир через призму творчества».

Нет правильного пути

Не стоит называть это карьерой, но если искусство придает форму и смысл вашим дням или является просто лучшей частью вашего дня, тогда обратите внимание. Обратите внимание на собственные моменты озарения, поскольку они вполне могут содержать семена вашего будущего успеха.

Если вы начинаете арт-бизнес, вам может понадобиться бизнес-план, но пусть он будет кратким и стратегическим.Продолжайте осваивать новые навыки и экспериментировать с новыми идеями. Ищите метод в своем безумии, находя структуры, которые поддерживают вашу организованность и мотивацию.

Найдите или создайте собственное сообщество. Не пытайтесь делать это в одиночку. Друзья, семья и другие артисты, которые заботятся о вас, — это необходимость, а не пустая трата времени. Свяжитесь с художественными организациями в своей области, чтобы понять, как ваша работа вписывается в более широкий контекст.

Помните, что нет правильного способа быть художником.Вам не всегда нужны учетные данные или даже знать, куда вы направляетесь. Карьера в искусстве — это в первую очередь личное. Они вырастают из вашей сути и постепенно превращаются в нечто большее. Просто пройдите тысячи крошечных шагов по своему собственному пути.

Мэри Эдвардс — карьерный и личный тренер для художников из района залива Сан-Франциско. Имеет докторскую степень. из Мичиганского университета и получила тренерскую подготовку в Колледже исполнительного коучинга. Эдвардс сочетает в своей практике знания о бизнесе, опыт работы в сфере искусства и профессиональные тренерские навыки.Она работает с художниками, скульпторами, фотографами, дизайнерами и другими творческими людьми, которые пытаются выйти на новый уровень в своей карьере. Для получения подробной информации посетите сайт coachingforartists.com.

Что делает художника профессиональным?

Узнайте, как определяется термин «художник», чтобы получить доступ к пространству студии, списать расходы, заявить о нарушении авторских прав и т. Д.

от Дэниела Гранта

Изображение любезно предоставлено Getty Images.

Можем ли мы дать определение искусству? Лев Толстой назвал это «средством единения людей, объединяющим их в одних и тех же чувствах, и незаменимым для жизни и прогресса на пути к благополучию людей и человечества».Оскар Уайльд определил искусство как «самый интенсивный вид индивидуализма, который когда-либо знал мир». Другими словами, нет. Но можем ли мы определить, кто такой профессиональный художник?

Когда этикетки имеют значение

Необходимость определить, кто является профессиональным художником, а кто нет, возникает постоянно. От него могут потребоваться права на студию или жилую площадь, отведенную для художников. Это необходимо, когда артисты учитываются при переписи, обязаны платить подоходный налог или подавать заявки на получение средств. И есть опросы, проводимые различными исследователями для отслеживания таких вещей, как тенденции в занятости художников или экономические выгоды творческих сообществ.Однако по сравнению с другими занятиями, требующими лицензии, разрешений или даже заявленного дохода, ярлык «артист» может быть субъективным.

Изображение любезно предоставлено Getty Images.

Доказательство того, что человек серьезный, профессиональный художник, имеет большее значение, чем просто для хвастовства. Итак, давайте рассмотрим несколько возможных определений.

Работа художника — искусство

Федеральное правительство определяет художников как профессионалов двумя разными способами. Бюро переписи населения каждые 10 лет проводит широкое общенациональное обследование.И он спрашивает об источниках оплачиваемой работы через сопутствующее исследование американского сообщества. Эти данные используются Бюро статистики труда, Национальным фондом искусств и другими агентствами.

Изображение любезно предоставлено Getty Images.

Люди с более чем одним источником дохода учитываются на той работе, на которой они работают наибольшее количество часов. Поскольку акцент делается на оплачиваемой работе, а не на количестве времени, проведенном в студии или желании продавать искусство, многие художники, вероятно, будут упущены из виду и, следовательно, не будут считаться художниками.На индивидуальной основе это не имеет никакого эффекта, но есть обратная сторона национальной политики. Законодатели с меньшей вероятностью будут выделять деньги на искусство или создавать законы, которые приносят пользу художникам, если эта группа значительно занижена.

Художники получают прибыль от своего искусства

Изображение любезно предоставлено Getty Images.

Налоговая служба придерживается узкого взгляда на то, кто может считаться артистом. IRS применяет девять критериев, чтобы отделить профессионалов от любителей.Профессионалы могут вычесть свои расходы, а любители не могут:

• Ведется ли деятельность по-деловому?
• Планирует ли художник сделать свою художественную деятельность прибыльной?
• Зависит ли человек полностью или частично от дохода от художественного произведения?
• Следует ли ожидать коммерческих убытков или они вызваны обстоятельствами, не зависящими от художника?
• Изменяются ли бизнес-планы для повышения прибыльности?
• Есть ли у художника знания, чтобы сделать свою деятельность прибыльной?
• Успешно ли был художник в предыдущей профессиональной деятельности?
• Приносит ли деятельность прибыль через несколько лет, и если да, то какую?
• Будет ли художник получать прибыль в будущем?

Художнику не нужно отвечать «да» на все вопросы, чтобы законно вычесть связанные с бизнесом расходы.Сюда могут входить художественные принадлежности и оборудование, аренда студии, командировочные, образовательные и рекламные расходы. Но IRS требует доказательств того, что художник прилагает усилия, чтобы заработать прибыль в течение трех лет из пяти.

Художественные способности, которые обычно не имеют значения для коллекционеров и критиков, могут помочь художнику доказать, что он или она является профессионалом в налоговых целях. К ним относятся получение степени бакалавра или магистра изящных искусств, членство в сообществе художников, опыт преподавания искусства, включение в художественный справочник и история выставки.

Профессиональным художникам нужна студия

Изображение любезно предоставлено Getty Images.

Есть несколько агентств, которые удостоверяют право художников на аренду или покупку квартир в стиле лофт с жилыми помещениями и студиями. Комитеты по сертификации художников определяют потребность соискателя в пространстве и квалификации как серьезного, а не профессионального художника. Согласно руководящим принципам сертификации художников Бостонского управления по перепланировке штата Массачусетс: «Любой художник, который может продемонстрировать комитету коллег, что у него есть недавняя работа в качестве художника и которому требуется пространство в стиле лофт для поддержки этой работы, — это имеющий право.«Эти комитеты используют довольно гибкое определение, основанное на субъективных факторах.

Комитет по сертификации художников Департамента по делам культуры Нью-Йорка рассматривает «природу приверженности художника своему виду искусства как своему основному призванию». Это используется для оценки, а не набора точных цифр — выставки, распродажи, награды, членство — что, как правило, дисквалифицирует большинство соискателей.

Художники как независимые подрядчики s

Изображение предоставлено Getty Images.

Художники обычно работают не по найму. Они работают в собственных студиях, устанавливают свой график работы и создают предметы собственного изготовления. Но иногда они действительно работают на кого-то другого. Например, они могут выступать в качестве ассистентов студии или быть уполномоченными на создание художественного произведения. В этих обстоятельствах определение имеет большое значение, главным образом из-за проблемы авторского права. Сотрудник получает зарплату, работает по установленному графику и получает четкие инструкции о том, как выполнять задачи. Следовательно, вся творческая работа, которую человек выполняет на работе, принадлежит работодателю.

Однако художники нередко не платят налоги за своих помощников, называя их независимыми подрядчиками, а не наемными работниками. Таким образом, помощники, которые являются независимыми подрядчиками, могут иметь законное основание для того, чтобы считаться соавторами работ художников, если они были непосредственно вовлечены в работу над готовыми произведениями. Это право, которым сотрудники не имеют. Это совместное авторство будет зависеть от степени, в которой помощник сможет доказать, что его или ее оригинальные идеи и принятие решений являются частью окончательной работы, по словам Джошуа Кауфмана, Вашингтон, Д.C. юрист, часто представляющий художников. Бывшие помощники подали ряд исков о совместном владении авторскими правами на произведения. Но все они улажены во внесудебном порядке.

Художники называют себя Художниками

Изображение любезно предоставлено Getty Images.

По словам Марселя Дюшана, художник определяет искусство. И становится все более верным то, что в наши дни художники также определяют, кто и что они собой представляют. Определения по своей природе ограничивают и ограничивают, в то время как искусство и его создатели стремятся быть обширными и инклюзивными.Может быть проще сформулировать, что делает художника профессионалом, чем то, что определяет художника. И часть работы художника — понять, как видят художников и чего от них ждут — будь то сертификационный комитет, который хочет увидеть искусство, источник финансирования, который хочет прочитать предложение художника, или правительство, которое хочет см. квитанции.

Художник-любитель или профессионал: кто вы?

Вы рисуете несколько лет, выставляете свои работы на групповой выставке в местном художественном центре и, возможно, даже продали одну или две картины.Готовы ли вы выйти за рамки звания артиста-любителя?

Отличить любителей от профессиональных художников — дело непростое. Дело не только в вашем умении создавать красивые картины. Это также не имеет никакого отношения к тому, есть у вас «настоящая» работа или нет. На этот шаг влияет множество факторов, и это не происходит мгновенно.

Несмотря на то, что многие артисты-любители ненавидят это слышать, успех не приходит в одночасье и основан не только на навыках или личности.Профессиональные художники посвятили годы своей жизни созданию и продаже своего искусства.

Очень немногие художники в одночасье становятся сенсациями и отправляются в галереи Нью-Йорка. Это требует времени, и есть профессиональные артисты любого уровня, продающие на разных площадках. Какими бы разнообразными они ни были, у профессиональных художников есть несколько общих черт, и вот несколько вопросов, которые стоит задать себе.

# 1 — Какой носитель вы используете?

Любительские галерейные показы наполнены акварельными картинами.Хотя в акварели нет ничего плохого, и в ней работают потрясающие профессионалы, это часто является признаком того, что вы художник-любитель.

Многие художники начинают с акварели, потому что считают, что это проще. В некоторых аспектах это правда, но вы обнаружите, что акриловые краски и водорастворимые масла так же легко освоить, и эти краски лучше скрывают ошибки новичков (и есть ошибки, признайте это).

Необязательно углубляться в сложность масляных красок, но можно использовать акрил как шаг в этом направлении.Делая это, вы изучите методы, которые используют профессионалы, такие как работа с импасто и использование медиума для манипулирования краской.

Даже профессиональные художники-акварелисты знают и могут использовать другие средства рисования, и важно изучить ваши возможности, пока вы еще новичок в искусстве. Возможно, вы даже обнаружите, что вам больше нравится другая среда.

Также важно использовать качественные краски независимо от того, какую среду вы выберете. Как только у вас появится основа в технике, начните инвестировать в профессиональные художественные принадлежности, и вы заметите разницу в качестве своей работы.

# 2 — Что вы рисуете?

Следующий вопрос, который вам нужно задать себе: что вы рисуете? Пейзажи и натюрморты идеально подходят для начинающих, и есть много профессионалов, которые придерживаются этих предметов на протяжении всей своей карьеры, но в мире есть еще много чего рисовать.

Вы пробовали абстрактную живопись? А как насчет импрессионизма? Может быть, смешанная техника — ваше истинное призвание. Дело в том, что вы никогда не узнаете, пока не попробуете, и нет причин зацикливаться на одном и том же предмете, если вы действительно не любите его и не пробовали другие.

Каждый профессиональный художник начинал с одних и тех же предметов. Некоторые продолжили и усовершенствовали их, а многие отважились выйти за эти общепринятые границы. Они поставили перед собой задачу найти вдохновение за пределами красивой горной пейзажа, и это часто приводит их к созданию более выразительных картин с более глубоким смыслом как для них самих, так и для зрителей (и, в конечном итоге, для покупателей).

Кроме того, вы просто рисуете копию фотографии? Несмотря на то, что это обычная рекомендация художников, полезная для отработки навыков глубины, перспективы и цвета, в долгосрочной перспективе она не идеальна.

Вы по-прежнему можете использовать фотографию в качестве ориентира для цветов или пейзажей, но только в качестве ориентира. Вместо копирования фотографии используйте ее, чтобы набросать собственную интерпретацию объекта. Это важный навык, которому любой художник должен научиться по мере своего роста.

# 3 — Как прошла ваша финальная презентация?

Профессиональные художники знают, что каждая картина не может быть завершена до тех пор, пока окончательная презентация не будет доведена до совершенства. Они также не ждут, пока картина будет готова, чтобы подумать, как она будет висеть на стене.

Если вы посетите достаточное количество художественных выставок, вы быстро заметите, что профессиональные художники не придерживаются стандартных размеров холста или бумаги. Они могут даже не использовать традиционные поверхности. Это потому, что субстрат — его размер, форма и текстура — был тщательно выбран для этого конкретного произведения искусства.

Многие профессиональные художники растягивают свои холсты или режут оргалит до размеров, которых нет в магазинах для рукоделия. Одна картина может быть лучше на квадратном холсте, в то время как другая должна быть на длинной прямоугольной доске с намерением добавить рамку.Все дело в визуализации финального произведения искусства и реализации этой идеи с самого начала.

Обрамление — еще одна область презентации, в которой различаются любители и профессионалы. Многие художники-любители бросают картину в раму на опоздании, не обращая внимания на то, как она работает с картиной. Профи, с другой стороны, очень тщательно выбирают обрамление (и маты, если необходимо), чтобы ничто не отвлекало от картины.

Также имейте в виду, что рамки не всегда необходимы.Вы заметите, что многие профессиональные картины с этим «ВАУ» — это глубокие холсты, голые висящие на стене.

№ 4 — Разработали ли вы стиль?

Когда вы определились с выбранной средой, изучили предмет и научились профессионально завершать свои картины, следующим шагом будет выработка личного стиля. Что отличает ваши картины от всех остальных? Ваши картины сплочены как единое целое или вы повсюду?

Личный стиль сопровождается техникой, средой и предметом, и со временем он имеет тенденцию к естественному развитию.Стиль не означает, что вы рисуете одно и то же снова и снова или используете одну и ту же цветовую палитру на каждом холсте. Это относится к внешнему виду ваших картин.

Сальвадор Дали исследовал множество художественных средств, но все они имеют особый стиль Дали. То же самое и с Пикассо, который даже баловался гончарным делом в его стиле.

У каждого художника есть свой стиль, и когда вы начинаете его развивать, вы действительно понимаете, что находитесь на пути к тому, чтобы стать профессионалом. Ключ к его поиску — следовать своему видению, использовать свою художественную лицензию и раскрашивать, раскрашивать, раскрашивать!

# 5 — Какова ваша мотивация?

Художники все время говорят о своей мотивации.Что заставляет вас вставать с постели каждое утро, чтобы рисовать? Как вы находите силы тратить каждые выходные на то, чтобы возить свои работы на ярмарки и выставки? Почему ты делаешь то, что делаешь?

У каждого художника, как профессионала, так и любителя, есть свои мотивы. В общем, все мы любим делать то, что делаем, и получаем удовольствие от творчества. Для профессионального художника это выходит за рамки этого.

Некоторые художники хотят передать глубокое послание в каждой картине. Другие просто надеются зарабатывать на жизнь тем, что им нравится.Тем не менее, все профессиональные художники знают, что у них есть , которые нужно создать, и они будут делать все, что им нужно, чтобы продолжать это делать.

Напротив, многие художники-любители ждут вдохновения. Если они не в настроении, они не смотрят на холст. Они могут даже перестать рисовать, если в их день появится другое занятие.

Профессионалов нелегко отвлечь или оторвать от незавершенной работы, иногда даже стихийное бедствие может вывести их из студии.Посвящение — их основная мотивация, и они знают, что им нужно продолжать работать, им нужно вставать с постели, им нужно рисовать как можно больше.

Профессиональные художники постоянно ищут вдохновение для следующей картины. Они также знают, что следующая картина будет лучше предыдущей и что всегда есть возможности для улучшения. Это их возбуждает.

# 6 — Активны ли вы в художественном сообществе?

Искусство может быть очень уединенной жизнью, наполненной часами и неделями одиночества в студии.Тем не менее, каждый хороший художник знает, что в какой-то момент он должен уйти в мир. В конце концов, это источник вдохновения.

Выставки в галереях, художественные ярмарки и местные художественные организации позволяют художникам общаться с другими художниками. Многие художники считают вступительный прием важным элементом своей работы и даже могут рассматривать его как замену корпоративному пикнику. Это возможность пообщаться с другими художниками и профессионалами арт-сообщества.

Вместо того, чтобы быть одиночками или соревноваться, многие профессиональные художники с нетерпением ждут возможности пообщаться с другими артистами.Они сравнивают записи, рассказывают о недавней работе или общих знакомствах и поддерживают друг друга.

Во многих городах есть живые, активные арт-сообщества, и это один из барьеров, который нужно преодолеть художникам-любителям. Если вы стесняетесь или новичок в этой сцене, посещайте художественные мероприятия и стойте в тени, чтобы посмотреть, как взаимодействуют другие художники. Представьтесь художникам, которыми вы восхищаетесь, или завяжите светскую беседу, чтобы начать разговор.

Успешные художники знают, что их успех зависит не только от качества их работы или ее доступности.Личность играет большую роль в арт-сообществе и среди покупателей. Чем вы интереснее, тем лучше воспринимается ваше искусство. Многие художники борются с этим и являются прирожденными интровертами, но со временем они учатся становиться более общительными.

# 7 — Готовы ли вы рассматривать искусство как «работу»?

У профессиональных художников есть определенная трудовая этика. Не имеет значения, является ли их искусство карьерой полный или неполный рабочий день после своей основной работы, они все равно понимают, что искусство — это работа , и относятся к ней как к таковой.Это действительно классная работа, но, тем не менее, это работа.

Быть профессиональным художником — это гораздо больше, чем просто создавать прекрасные произведения искусства, которые люди будут покупать. Прежде чем кто-либо купит, они должны об этом знать.

Это означает, что художники должны продавать себя и выставлять свои работы в галереях, музеях и на арт-ярмарках. Им необходимо заполнить заявки и предложения, оценить свою работу, управлять расходами и спланировать каждый элемент, входящий в каждую из этих частей головоломки.

Кроме того, кто-то должен убрать ванную комнату в студии. Также необходимо поддерживать веб-сайт и компьютер, делать фотографии для демонстрации работ в Интернете, и кто-то должен следить за тем, чтобы в студии не закончились краски или холст (или кофе).

Многие художники делают все это самостоятельно или с помощью нескольких членов семьи, друзей или случайных помощников или представителей. Это большая работа, и вы встретите немало художников, которые тратят больше времени на выполнение мирских задач, связанных с продажей своего искусства, чем на его создание.

Почему? Потому что, если вы не продадите свою работу, у вас нет денег, чтобы сделать еще произведений искусства!

Это реальность профессионального художника, и это не самый легкий жизненный путь. Многие сталкиваются с препятствиями, но часто добиваются больших и малых успехов, чтобы поддерживать мотивацию.

Как бы ни хотелось всем художникам просто творить по восемь часов в день или останавливаться в кафе каждый день, реальность такова, что это бизнес, и довольно часто художнику нужно управлять всем этим.

Профессиональные художники — мастера тайм-менеджмента и организации, потому что они должны ими быть. Представление о легкомысленном художнике, который целый день бродит вокруг, размахивая кистью на холсте, является мифом.

Готовы ли вы стать профессионалом?

Опять же, это сложный вопрос, на который можете ответить только вы. Существует заблуждение, что жизнь профессионального художника либо радужна и прекрасна, либо прожита с голоду. Ни один из них не является полностью точным, и нет двух одинаковых художников.

Независимо от того, занимаетесь ли вы профессиональной карьерой в искусстве или нет, продолжайте творить. Вы получите личное удовлетворение от рисования, которое могут доставить вам немногие другие хобби. Не расстраивайтесь и просто рисуйте!

Когда вы готовы называть себя профессиональным артистом?

Каждый может считать себя профессиональным художником, но это не значит, что это так.

Я провел конкурс с участием жюри, в котором я попросил художников дать определение: « Когда вы будете готовы называть себя профессиональным художником? ”

Вот определения, предложенные победителями:

«Заказать визитки, получить бизнес-лицензию и называть себя профессионалом может любой желающий.Чтобы быть настоящим профессионалом, требуется время и ресурсы, а также внимание к деталям. Настоящий профессионал никогда не соглашается меньше, чем отдавать 100% всему, что он делает ».

«Страсть, целеустремленность и решимость — вот качества, на которых я сосредоточен в своей профессиональной карьере как прекрасный художник. Страсть к той работе, которой я могу гордиться, приверженность многолетней работе, чтобы продолжать расти как артист, и решимость представить готовую работу публике.”

«То, что у меня есть, что заставляет меня чувствовать себя профессионалом прямо сейчас, — это хорошо организованная студия, визитки с моими изображениями, членство в профессиональных организациях, участие в выставках жюри, открытки, отправленные по растущему списку рассылки, подписка на искусство журналы, растущее количество работ и люди, которые покупают мои работы ».

Профессионализм — это не просто его заявление.

1. Во-первых, вы должны все время думать как профессиональный художник.

Все начинается в вашей голове. Вы должны все время думать как профессиональный художник. Узнайте обо всех своих взглядах и убеждениях относительно профессиональной карьеры в области искусства.
Вы должны искоренить любые идеи или мысли, которые мешают вам взять на себя полную ответственность за свои карьерные решения. Вы должны взять на себя обязательство исключить любой негативный разговор с самим собой, который мешает вам предпринимать все действия, необходимые для построения отношений и выполнения ваших обязанностей в сфере искусства.

Вы больше не придерживаетесь каких-либо стереотипов или мифов о художниках. Вы отбрасываете негативное отношение, например: «Художник не зарабатывает на жизнь». или «Получите реальный рабочий навык, чтобы» прибегнуть к помощи «. Эти общие высказывания, вероятно, были предназначены для того, чтобы уберечь нас от вреда, но они смертельны, если вы позволите им сохраняться и контролировать свое поведение.

2. Вы принимаете на себя многочисленные обязанности профессионального художника.

Быть профессиональным художником — значит совмещать несколько обязанностей.Вы готовы к профессиональному сотрудничеству, когда можете сказать, что следующие утверждения верны в отношении вас и вашего бизнеса:

Ваша работа последовательна — не везде. Ваша работа уникальна, узнаваема и хорошо проработана. Даже ваши эксперименты вписываются в вашу авторскую работу. И ваша аудитория, и ваши торговые представители могут легко и мгновенно распознать ваши произведения искусства.

• У вас есть инвентарь правильно выполненных работ. У вас есть много выполненных работ, уже в окончательной форме для выставок, чтобы вы могли участвовать в выставке в любое время.Если бы к вам в студию пришел галерист или коллекционер, он бы нашел внушительный объем работ, из которых можно было бы посмотреть и выбрать.
• Вы получили обратную связь, что у вашего искусства есть аудитория — , а не только друзья и семья. У вас есть история выставок и продаж. Ваша работа привлекает внимание СМИ, интерес и азарт.
• Вы развиваете деловые отношения. Вы можете уделять время и внимание построению и развитию отношений. Вы знаете, как важно профессионально общаться и взаимодействовать с людьми из мира искусства, и вы оба готовы и желаете сделать это.
• У вас есть деньги, чтобы выставлять и продавать свои работы . Вы представляете свою работу профессионально и скрупулезно. У вас есть профессиональные маркетинговые материалы и первоклассный веб-сайт.
• Вы понимаете, как устроен арт-рынок. Это постоянно меняющаяся среда, но вы потратили время и усилия, чтобы изучить и понять, что вам нужно знать о том, как получить доступ к своей аудитории и рынку.
• У вас есть хорошие фотографии вашего искусства, резюме на 1-2 страницы и заявление художника .Вы потратили время, усилия и деньги на создание профессиональных материалов для презентации своей работы и своих полномочий.
• У вас последовательная система ценообразования и ценовая политика. Вы знаете, как оценивать свою работу, чтобы быть конкурентоспособным на рынке. В ваших ценах есть своя логика, и эта логика очевидна для потенциальных покупателей. Последовательное развитие вашей подписи способствует постоянному росту ценности вашей работы.

Не всегда так просто определить, что именно делает художников профессионалами.Что еще у вас есть, чтобы мир узнал, что вы профессиональный художник, и гордитесь этим? Мы будем рады услышать от вас…

*****

Алетта де Вал — популярный приглашенный блоггер на FineArtTips, а также советник художника и инструктор по карьере художника. Этот пост является отрывком из будущей книги Алетты, «Моя настоящая работа — быть художником: что вы должны знать. Прежде чем бросить работу (или получить ее) ».
Как преодолеть 3 препятствия на пути к успеху как художник
Как вы определяете успех как художник?
5 общих черт успешных художников
Вы отвечаете за свою художественную карьеру
Искусство по заказу — Советы, как добиться успеха!
Создайте мощное портфолио
Как выявить «Мона Лизу» в собственном произведении искусства
Частная консультация с Лори (для художественной критики и советов художника в социальных сетях)

Что нужно, чтобы стать профессиональным художником

Райан Браун, «Рождение творческого разума (думать, мечтать, творить)», 2016, холст, масло, 20 x 30 дюймов.

Советы для художников> Райан Браун делится советами о том, как дать себе лучший шанс на успех и стать экспертом в том, что вы делаете.

Что нужно, чтобы стать профессиональным художником

РАЙАН С. БРАУН (RyanSBrown.com)

Каждый художник начинает свой путь со страстью к искусству. Страсть, которая побуждает их создавать новые вещи, воплощать мечты в реальность и погружаться в завораживающую их область.Это страсть, которую я хотел бы иметь и развивать у большего числа людей. Но слишком часто благоразумие и практическое мышление могут вызывать страх и опасения, которые могут увести людей от творческих занятий к более «ответственным» занятиям. Но разве занятие служит вам лишь для того, чтобы занять ваше время, или ваше время служит для вашей страсти? Нет правильного ответа. Обеспечить себя и, возможно, семью необходимо и благородно. Но для тех, кто рассматривает возможность того, что творческая страсть может быть тем, чем вы хотели бы заниматься, я могу сказать вам, что это возможно, и я не вижу другого образа жизни, кроме как с этой страстью и через нее.

Моя работа — мечтать, наблюдать красоту своего окружения и любить то, что я наблюдаю. Моя работа — делиться этой любовью с другими настолько элегантно, утонченно и поэтично, насколько это возможно. И я рассматриваю это как стремление к обслуживанию. Конечно, мое искусство растет из моего личного видения, но его цель — удовлетворить большую потребность в красоте, правде и эстетике для тех, кто может его увидеть. Это расширяет смысл моего времени, если я трачу это время на создание произведений, которые помогают поднять настроение или мысли других людей.Без этой конкретной мысли то, что я делаю, казалось бы бесконечно корыстным и капризным. Эти два элемента — наблюдение за красотой и служение другим — определяющие факторы моей карьеры художника. В этом стремлении есть такая радость и удовлетворение, что я надеюсь, что все, кто думает о творческом пути в своей жизни, сделают это.

Райан Браун, «Материнство», 2016, холст, масло, 36 x 51 дюйм

Итак, как сделать или построить карьеру художника, чтобы воплотить эту страсть в жизнь? Для меня первым шагом было просто начать творить.Чтобы начать что-то делать, нужно иметь смелость, даже если вы понятия не имеете, что делаете. Нырните головой в темную воду, даже если думаете, что утонете.

Но — и это, пожалуй, самая важная часть — имейте смирение, чтобы быть обучаемым, всегда. Чтобы приложить реальные усилия для того, чтобы стать художником, у вас должны быть две вещи. Во-первых, вы должны быть достаточно высокомерными с наивной самоотдачей, чтобы предполагать, что вы можете это сделать, и просто дерзайте. Но у вас также должно быть достаточно мудрости, чтобы понять, что у вас (как и у всех нас) есть пределы.Вы можете многому научиться самостоятельно, но вы добьетесь гораздо большего прогресса в достижении своих целей, если будете достаточно честны с собой, чтобы понять, что учеба необходима. Никто не станет врачом без медицинского образования. Многие люди в искусстве проявляют только наивную самоотдачу и пропускают ступень обучения. Вы должны понять, насколько неэффективно быть самоучкой. В конце концов, когда вы самоучка, у вас самый невежественный учитель.

Сегодняшняя система художественного образования представляет собой хаотический беспорядок из случайных битов информации и часто дезинформации, из-за которой изучающий искусство вынужден решать ненужную задачу разгадывать сложности теории, философии и методов, пытаясь расшифровать последовательный путь, по которому они могли бы продвигаться к своим целям.Когда я учился во Флорентийской художественной академии, я ощутил силу организованного подхода к рисованию и живописи, которого я никогда раньше не видел. Я узнал больше за первые три недели академической учебы, чем за четыре с половиной года в университете. Для многих из тех, кто посещал такую ​​художественную академию, моя история настолько распространена, что стала почти клише.

В книге «Пик : секреты новой науки опыта» соавторы Андерс Эрикссон и Роберт Пул подробно обсуждают основные реалии человеческого развития.Он расширяет концепцию правила 10 000 часов и включает три ключевых фактора. Одно, конечно же, — это время, потраченное на практику. Второй фактор заключается в том, что это время на практике проводится в хорошо продуманной прогрессивной системе, предназначенной для развития навыков или знаний от простых к более сложным. И третье — чтобы эта организованная практика наблюдалась и критиковалась тем, кто овладел элементами данной области обучения.

Райан Браун, «Красный», масло, 16 x 30 дюймов.

Многое из того, что я слышу в качестве советов в мире искусства, заканчивается просто «практикой».«Нарисуйте, нарисуйте, нарисуйте» — это цитата Дега, которую я часто слышу. «Увеличьте пробег своей кисти» — еще одна фраза, которую я часто слышу. Но без организованного или осознанного подхода к практике человек с большей вероятностью просто станет более эффективным в выполнении чего-то посредственного, чем развит более высокие навыки и более глубокие знания. А постоянная критика из проверенного источника помогает осознать элементы знания, которые вряд ли можно обнаружить самостоятельно. Мы все не осознаем того, чего не осознаем.

Приобретение знаний и развитие навыков должно происходить как можно раньше в карьере художника. Но никогда не поздно. Если вы верны себе и своему видению, вы не позволите ничему стоять на вашем пути развития.

Я надеюсь, что для тех, кто это читает, этот совет будет больше похож на призыв к действию. Я не пытаюсь проповедовать, но хочу быть чирлидером, предлагая поддержку, что вы можете это сделать. ТЫ МОЖЕШЬ СДЕЛАТЬ ЭТО!! Просто дайте себе шанс добиться успеха и станьте экспертом в своем деле.

Итак, давайте представим, что вы развили этот навык и начинаете выполнять хорошо продуманную, продуманную работу. Что теперь? Как вы позволяете себе это делать? Если вы не можете ответить на этот вопрос, это превращается в очень дорогое хобби. За свою карьеру я прошел два основных пути (что является чрезмерным упрощением для этой статьи). Один путь ведут деньги, а другой — искусство.

Райан Браун, «Нестор», 2008 г., уголь и белый мел, бумага Canson, 35 x 40 дюймов.

Важно решить для себя, каковы ваши приоритеты, и быть им верным. Для многих необходимость зарабатывать на жизнь реальна, и ее необходимо учитывать. Но если вы не будете осторожны, это может отрицательно направить ваши усилия и контролировать то, что вы делаете. Неизбежно, что в какой-то момент вы создадите одну или две работы, которые, кажется, всем понравятся. И галереи, видя этот положительный отклик на конкретный предмет, размер, композицию или цветовую гармонию, будут просить того же самого. И вы дадите им это, потому что продавать — это здорово, а получать положительный отзыв о своей работе — еще лучше.

Опасность в том, что это может невольно стать вашей визитной карточкой, вашим стилем, вашим брендом. Не делая никаких преднамеренных попыток или преднамеренного выбора, вы можете заклеймить себя и обнаружить, что повторяете одну и ту же работу десятилетиями.

Многие считают, что в этом нет недостатка. Преимущества заключаются в том, что вы создаете бренд на ранней стадии и развиваете растущую клиентуру, которая хочет создать бренд искусства, который вы создаете. Легче продать известный товар. Галереи любят бренд, а коллекционерам — известные бренды.Таким работам и таким художникам легче продать и придать им установленную ценность.

Но на личном уровне вы должны спросить себя, доставит ли вам такое долгое время создание подобной работы. Вот где вам должны быть понятны ваши личные приоритеты. Удовольствие от продажи, радость от того, что вы станете более известным, и радость от хорошей жизни в качестве художника, может быть именно тем, что вы хотите для себя. И если вы это знаете и выберете это сознательно, то вы выиграли. Направление брендинга и маркетинга этого бренда — это то, что я бы назвал приоритетом, в большей степени ориентированным на деньги.Возможно, это может показаться отрицательным, но это не так. Я не согласен с мыслью, что счастье не купишь за деньги. Деньги покупают время и свободу, которые могут привести к счастью. И художники с такими приоритетами создают по-настоящему великие произведения искусства. Приоритет финансового успеха никому не мешает создавать долговечные и прекрасные произведения.

Райан Браун, «Шарлотта», масло, 19 1/2 x 31 дюйм.

Направление, которое больше ориентировано на искусство, мало связано со стилем или конкретным брендом.Этот путь имеет тенденцию рассматривать каждое произведение индивидуально как отдельное произведение искусства. Художник, который отдает приоритет искусству, больше озабочен ремеслом, эстетикой и исполнением каждого произведения, чаще всего в ущерб маркетингу своей работы. Развитие, понимание и совершенствование знаний, мастерства и опыта, которые вкладываются в их искусство, гораздо важнее для этих художников, чем маркетинговый аспект. Создание и выполнение части процесса приносит большее удовлетворение, чем продажи и маркетинг.С этим приоритетом проделана большая большая работа, и таким образом можно достичь большого финансового успеха. Но для таких артистов отсутствие маркетинга всегда чревато сохранением анонимности.

Оба набора приоритетов действительны , и ни один из них не стоит выше другого. Я считаю, что многое из того, что ведет художников к тому или иному, основано на их индивидуальном темпераменте и интересах. Я хочу сказать, что лучше всего, когда художник может сделать этот выбор осознанно и уверенно, без извинений.Требуется определенный уровень зрелости в видении, чтобы серьезно поговорить с собой и определить свои приоритеты. Имея четкое определение приоритетов, потребуется немалая дисциплина и усилия, чтобы создать план и следовать ему, чтобы реализовать свое видение. Он принимает равное количество определенного фокуса для пребывания с целью в желаемом направлении. Это подводит меня к моему последнему совету.

Художником очень легко отвлечься. Так много возможностей, так много возможностей.Как творческие существа, мы любим исследовать, экспериментировать и открывать для себя новые вещи. Мы хотим опробовать разные техники, новые подходы, новую тематику и т. Д. И все это хорошо. Следуй своему сердцу. Только будьте осторожны, чтобы не следовать своему непостоянному сердцу. Вы очень легко можете слишком сильно растянуться, пытаясь делать все, участвовать в каждом конкурсе, подавать заявки на каждую выставку и присоединяться к каждой организации. Вы можете сделать это вначале, чтобы привлечь внимание или признание. Неплохая идея.Это не единственный способ, но он определенно сработал для некоторых. Но эти выставки и конкурсы могут быть обманчивыми. Они могут побудить вас сделать работу, которую в противном случае вы бы не сделали, угадывая, что хочет видеть этот судья или эта галерея. И если вы выиграете или проиграете, это может заставить вас поверить в то, что оба они были заработаны.

Райан Браун, «Cherry Blossoms», 2016, льняное масло, 18 x 24 дюйма.

Участие в шоу или получение награды — это здорово, и это может быть здорово с точки зрения признания вашей работы.Это также может привести вас к циклу создания работы за работой, который рассчитан исключительно на попытку выиграть следующую награду или угодить следующему судье. А отсутствие победы, отказ от участия в шоу может привести к сокрушительному чувству неполноценности. Вы должны найти способ любить то, что делаете, несмотря ни на что. Вы должны получать прямые и честные критические отзывы от доверенных коллег. И вы всегда должны двигаться вперед и совершенствоваться, независимо от наград, выставок или отзывов галереи. Легче сказать, чем сделать.Много отвлекающих факторов, и ваша способность оставаться сосредоточенным, несомненно, будет связана с ясностью ваших приоритетов и необычностью видения.

Заключительное слово

Райан С. Браун

Мне всегда повезло, что я основал Флорентийскую академию искусств и получил там образование. Опыт открытия глаз, очищения тумана и развития осознания того, как видеть и интерпретировать мир вокруг меня, изменил жизнь. Это дало мне инструменты для построения моих собственных видений.Этот преобразующий опыт побудил меня поделиться этим образованием с как можно большим количеством людей.

Помня об этом, я основал Академию искусств мастеров в Юте. Наша цель в академии — понять индивидуальные потребности и цели каждого студента, чтобы помочь им найти более эффективный и экономичный способ приобретения навыков, необходимых для воплощения в жизнь их личных видений, с максимально возможной квалификацией. Это важно, потому что независимо от того, насколько велико или ясно ваше видение, глубина, с которой вы можете реализовать это видение визуально для других, всегда будет зависеть от навыков, с которыми вы способны его реализовать.

Эта статья была первоначально опубликована в 2019 году

Учитесь у Райана Брауна, члена Консультативного совета Realism Today, с его художественным видео премиум-класса «Рисование классических портретов» от Streamline Publishing (превью ниже).

Любитель, любитель или профессиональный художник — кто вы?

Алетта де Валь в Art Business Advice> General Art Advice

Наконец-то вы сделали это! У вас персональная выставка в известной галерее, где представлены только самые высокооплачиваемые художники.Зал полон волнений, а прожекторы эффектно демонстрируют ваше искусство. Сотрудники галереи проделали выдающуюся работу по отображению ваших работ, и это выглядит просто потрясающе. Вас окружают друзья, коллекционеры и блестящий мир искусства.

Это был такой захватывающий вечер, когда вы наблюдали, как «красные точки» поднимаются вверх, показывая, что большая часть работ в зале уже продана. Эти изделия продаются по пяти- и шестизначным ценам, так что это довольно триумфальная ночь для вашей художественной карьеры.Вдобавок ко всему, у вас было несколько запросов на интервью, чтобы рассказать о вас и вашей карьере в всемирно известных художественных журналах.

Быстрое объявление — EmptyEasel создала более быстрый и простой способ для художников иметь свой собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный веб-сайт!

Самое лучшее — это сияющие лица вокруг вас — все ваши любящие и поддерживающие друзья с таким восторгом приветствуют ваш успех. Вы сделали это возможным.Вы создали эту художественную карьеру для себя через ваш тяжелый труд, талант и деловую хватку. «Прекрасная работа!» вы думаете про себя. «Прекрасная работа!»

Эта сцена похожа на ваш собственный сон? Вы видите себя там, или это больше кажется невозможным?

Это может быть далеко от того места, где вы сейчас находитесь, но это может случиться, и — это реальность для многих художников. Однако, как и следовало ожидать, для того, чтобы стать успешным художником, есть логический прогресс и немало усилий.

Любитель, любитель или профессионал

Первое, что нужно понять, — это разница между художником-любителем, художником-любителем и профессиональным художником.

Читая описания ниже, будьте честны с собой. Как только вы поймете, с чего начали, становится очевидно, что делать дальше.

Вы любитель?

Художники-любители могут тратить годы, десятилетия или даже всю жизнь на создание искусства исключительно для личного удовольствия.Они не хотят ответственности за бизнес. Они не хотят заводить подписчиков, продавать свои работы или пытаться поддержать себя своими произведениями искусства.

Любители хотят творить искусство, которое им нравится, когда им это нравится. Они могут брать уроки искусства, но не стремятся профессионально развивать свои навыки. Они просто хотят творить, не превращая это в работу.

Вы художник-любитель?

В какой-то момент любитель может понять, что это ужасно дорогое хобби, и, возможно, ему стоит немного подумать о создании какого-то бизнеса — по крайней мере, чтобы они могли вычесть затраты на свои налоги.

За эти годы они стали весьма искусными в искусстве. Семья и друзья в восторге от того, насколько прекрасна их работа, и часто говорят: «Тебе стоит попробовать продать это».

Или, может быть, их супруга приставает к ним, говоря о стоимости их хобби, и предлагает им подумать о том, чтобы заняться искусством как бизнесом. В любом случае они открывают бизнес, продают несколько произведений искусства и вычитают свои расходы. Это настолько захватывающе, что они хотят сделать больше и решают стать еще более серьезными в своем искусстве.

Любители готовы пожертвовать своим личным временем в погоне за созданием и продажей искусства, но обычно они не уверены, как действительно заставить его окупиться.

Хотите стать профессиональным художником?

По мере того, как их уверенность в себе и навыки растут, художники-любители могут серьезно относиться к искусству как к своей профессии. Им нравятся деньги, которые они зарабатывают на продаже своего искусства, и здорово вычесть расходы при уплате налогов. После расходов они фактически получают прибыль!

С этим может возникнуть потребность зарабатывать на жизнь исключительно своим искусством.Некоторые художники начинают заниматься всевозможным случайным арт-маркетингом и ухватываются за каждую «возможность», которая появляется на их пути, независимо от того, имеет ли это финансовый смысл или нет.

Они могут тратить большую часть или весь свой доход от искусства на уроки рисования, но никогда не придут к ясному представлению о том, что требуется, чтобы зарабатывать на жизнь творчеством. Все, что они знают, это то, что пора узнать, как добиться успеха в мире искусства.

К сожалению, многие художники в конце концов сдаются, потому что не могут найти путь к успеху.Поскольку у них нет дорожной карты, они не могут выполнить то, что необходимо. Эти художники проводят время в непродуктивной деятельности. Вам не обязательно быть одним из них.

Если вы решите пойти дальше и превратиться из любителя в любителя, вам нечего терять, если это не сработает. Вы всегда можете вернуться к увлечению. Если вы хотите перейти от любителя к профессиональному художнику, вы берете на себя гораздо большие обязательства.

Я работаю со многими художниками, которые работают неполный или полный рабочий день и которые также зарабатывают значительную часть своей жизни на своем искусстве.Поскольку они не беспокоятся о своих финансах, многие из них чувствуют меньшее давление и могут проявлять больше творчества в то время, которое они выделяют для своей художественной карьеры. Польза для здоровья от работы также является важным фактором, особенно для художников с семьями.

Что нужно, чтобы превратиться из любителя в любителя

Когда вы решаете перейти от увлечения к любителю, вы должны решить отказаться от некоторых других занятий или от времени, которое вы раньше проводили, просто «ничего не делая».«Вам нужно время, энергия и деньги, чтобы стать лучшим художником. Вы тратите свободное время на изучение и практику своего искусства, не ожидая компенсации.

Если вы любитель, вы вполне можете быть столь же талантливы, как и профессиональные художники. Но, оставаясь любителем, вы можете позволить себе роскошь работать над своим искусством, когда вам это удобно. Вы можете посещать семинары, которые помогут вам исследовать искусство, и иметь наставников, которые будут критиковать вашу работу. Когда вы становитесь лучше, вы можете просто наслаждаться этим, потому что ваши средства к существованию не зависят от постоянного улучшения.

С другой стороны, если вы любитель и решите остаться любителем, вы, вероятно, упустите много шансов показать свою работу и упустите обратную связь от более широкой аудитории. Вы, вероятно, также никогда не станете известным или не получите столько, сколько действительно стоит ваше произведение.

Что нужно, чтобы перейти от любителя к профессионалу

Если вы решили превратиться из любителя в профессионального художника, вы должны любить то, что делаете, настолько сильно, что готовы делать это почти все время.

На самом деле, вы должны быть готовы тратить большую часть своего времени, энергии и денег, чтобы зарабатывать на жизнь своим искусством. Вам также необходимо выработать уникальный стиль и постоянно развивать свою работу.

Возможно, вам нужно будет научить других тому, что вы знаете, как часть вашей стратегии, чтобы стать более заметным и зарабатывать деньги. Несомненно, чтобы добиться финансового успеха, вы должны быть предпринимателем, в основе которого лежит искусство.

Чтобы оставаться конкурентоспособным в мире искусства, вы также должны инвестировать в постоянное профессиональное развитие, будь то овладение своей средой, ориентирование в мире искусства или просто ведение бизнеса.Вы также должны быть готовы продвигать свою работу при каждой возможности.

В наши дни я часто говорю людям, которые рассматривают возможность сделать профессиональную карьеру в искусстве, не бросать свою повседневную работу прямо сейчас. Это важное решение, и к нему нельзя относиться легкомысленно. Вы не хотите сожалеть об этом, и вам определенно не нужно больше долгов.

Сначала разработайте «стратегию выхода», пока вы строите прочную основу для своего успешного арт-бизнеса. Спланируйте, как вы собираетесь добраться туда, куда собираетесь.

И когда у вас будет это сольное шоу, обязательно пригласите меня!

ПОЛУЧИТЕ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.